En este artículo analizaremos el poema “Otoño”, escrito por Nikolai Mikhailovich Karamzin. Este hombre no sólo fue una figura social y literaria activa, sino también publicista e historiador. Karamzin jugó un papel especial en la formación de una tendencia en la literatura rusa como el sentimentalismo. Karamzin también escribió poesía con mucho talento. Cuando analicemos el poema “Otoño”, esto resultará aún más obvio.
Analizaremos ahora esta obra, prestando atención a los puntos clave y estableciendo paralelismos, que nos ayudarán a ver la idea del autor. Pero primero veamos las circunstancias bajo las cuales fue escrito.
La historia de escribir el poema.
La literatura francesa y alemana jugó papel vital en el desarrollo de Karamzin como escritor y poeta. Tenía muchas ganas de trabajar en este entorno, sin embargo, la vida le obligó a hacer otra cosa. Por voluntad de su padre, Nikolai Karamzin primero tuvo que servir como militar y luego ingresó a la política.
Aunque Karamzin soñaba con Europa desde pequeño, la oportunidad de ir allí surgió recién en 1789. La ciudad de Ginebra y la vida allí inspiraron mucho al poeta, y el momento más fructífero de su biografía creativa tuvo lugar en Ginebra, donde se escribió el poema "Otoño", que estamos analizando.
Detalles del análisis crítico
El poema "Otoño" de Karamzin está escrito de forma descriptiva. Aunque estamos hablando de la naturaleza de Europa, el deseo del autor de establecer paralelismos con su tierra natal y describir los bosques y prados rusos es claramente visible. Ciertamente, tema principal Las obras son otoño. Pero esto no es sólo una descripción de la naturaleza. Veamos por qué.
Las primeras líneas del poema son algo lúgubres y evocan tristeza. El poeta no puede regocijarse en el robledal, siente el soplo frío del viento que arranca el follaje amarillo de los árboles, no escucha el alegre canto de los pájaros. Los gansos se van volando y nubes de niebla gris han llenado el tranquilo valle. Sin duda, tras la lectura de estas líneas aparece un sentimiento de desánimo.
Si analizas detenidamente el poema “Otoño”, notarás todos los colores del cuadro que Karamzin pintó con tanta habilidad. Esta imagen evoca desesperanza y melancolía. Pero lo que es muy importante: entonces el poeta habla con cierto viajero, instándolo a no preocuparse demasiado por los paisajes desolados, ¡y para ello surge un pensamiento lleno de optimismo! Sólo hay que esperar un poco, y llegará la primavera, todo en la naturaleza se renovará y cobrará vida. ¿Qué nos dice esto?
Conclusiones en el análisis del poema “Otoño”.
Karamzin muestra que todo en la vida es cíclico y se repite en círculo. Otoño, luego invierno, luego primavera... Este poema no fue escrito para deprimir a los lectores, su propósito es mostrar la diferencia de las estaciones por contraste. Y esto resuena con el tema de la vida humana. Mientras una persona es joven, bella y llena de fuerza, se parece a la juventud. En la madurez, una persona cosecha lo que logró cultivar durante el verano. Me recuerda al otoño vejez, cuando vale la pena mirar la vida, comprender y admitir los errores, y el poeta asocia el invierno con la vejez.
Gracias al análisis del poema “Otoño”, se ve claramente que aunque la renovación ocurre constantemente en la naturaleza, en la vida humana no todo es así.
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“Otoño” Nikolai Karmazin
Soplan los vientos del otoño
En un lúgubre bosque de robles;
Caen al suelo ruidosamente
Hojas amarillas.El campo y el jardín estaban desiertos;
Las colinas se lamentan;
El canto en las arboledas ha cesado.
Los pájaros desaparecieron.Gansos tardíos del pueblo.
Se dirigen al sur
Corriendo en un vuelo suave
En las sierras.Las nieblas grises se arremolinan
En un valle tranquilo;
Mezclándose con el humo del pueblo,
Ascienden al cielo.El vagabundo parado en la colina
Con una mirada triste
Mira el otoño pálido
Suspirando lánguidamente.¡Triste vagabundo, consuelate!
La naturaleza se marchita
Sólo por un corto tiempo;
Todo cobrará vidaTodo se renovará en primavera;
Con una sonrisa orgullosa
La naturaleza resurgirá
En ropa de boda.Mortales, ¡ah! ¡se marchita para siempre!
Anciano en la primavera
Siente el frio invierno
La vejez de la vida.
Análisis del poema “Otoño” de Karamzin
El historiador, publicista y personaje público ruso Nikolai Karmazin entró en la literatura gracias a sus relatos y notas de viaje. Sin embargo, pocas personas saben que fue un poeta talentoso, criado en mejores tradiciones El sentimentalismo europeo. Desde su juventud Karamzin se interesó por el alemán y literatura francesa, soñando con demostrar su valía en este campo, sin embargo, a petición de su padre, se vio obligado a construir primero una carrera militar y luego política. Logró llegar a su amada Europa sólo en edad madura, habiendo intercambiado su quinta década. Sin embargo, el viaje resultó ser un gran éxito y gracias a él la literatura rusa se enriqueció con un nuevo género: la escritura de viajes. También durante este período se creó todo un ciclo de poemas muy sentimentales con un ligero toque filosófico, uno de los cuales fue la obra “Otoño”, escrita en Ginebra (1789).
La primera parte de este poema es descriptiva: el poeta habla de la belleza de la naturaleza europea, al mismo tiempo que intenta encontrar en ella las características de sus prados y bosques nativos. Sin embargo, el autor ve el robledal lúgubre; el poeta señala que “el canto en los bosquetes se ha callado” y tardías bandadas de pájaros vuelan hacia el sur. Habiendo pintado magistralmente un panorama sombrío, lleno de melancolía y desesperanza, Karamzin se dirige al vagabundo desconocido y lo insta a consolarse, ya que los cambios en la naturaleza son temporales. “Todo cobrará vida, todo se renovará en la primavera”, señala el poeta, introduciendo notas de optimismo en los poemas y recordándonos a todos que la vida es cíclica. Después del otoño, ciertamente llega el invierno, que cubre la tierra con un manto blanco como la nieve, y con la llegada de la primavera, “nuevamente la naturaleza se levantará con sus vestidos de boda”.
Al mismo tiempo Karamzin señala que tal cambio de estaciones es muy similar a vida humana , consistente en diferentes periodos. El poeta asocia la juventud con la primavera, la madurez con el verano y el otoño es el primer signo de la vejez inminente. Pero si la naturaleza vive según sus propias leyes y con la llegada de la primavera el mundo entero se transforma, entonces el hombre se ve privado de la posibilidad de tal renovación. Por eso “en la primavera el anciano siente el frío invierno de su antigua vida”.
Nikolai Mikhailovich Karamzin es el mayor representante del sentimentalismo ruso. En su obra se revelaron de forma más plena y vívida las posibilidades artísticas de este movimiento literario. La obra de Nikolai Mikhailovich Karamzin fue el mayor logro del desarrollo estético de este período. En el campo de la literatura dio ejemplos. letras filosóficas y casi todos los géneros en prosa a los que los escritores rusos empezarán a recurrir en los próximos años: viajes en letras, historias sentimentales, cuentos “góticos” (“Isla de Bornholm”); finalmente, dio ejemplos completos de la "sílaba", el "lenguaje del corazón", donde la primacía del sentimiento directo sobre el conocimiento racional se reflejó en un color emocional, a menudo lírico, un aumento en el comienzo melódico, la riqueza y, a veces, la sofisticación. de matices estilísticos. Karamzin es conocido por el público lector en general como prosista e historiador, autor de "Pobre Liza" e "Historia del Estado ruso". Mientras tanto, Karamzin también fue un poeta que logró decir su nueva palabra en este ámbito. En sus obras poéticas sigue siendo un sentimental, pero también reflejan otros aspectos del prerromanticismo ruso. Al comienzo de su carrera poética, Karamzin escribió un poema programático "Poesía". Sin embargo, a diferencia de los escritores clásicos, Karamzin afirma no el estado, sino el propósito puramente íntimo de la poesía, que, según sus palabras. Mirando retrospectivamente la historia de la literatura mundial, Karamzin reevalúa su legado centenario. A diferencia de los clasicistas que no reconocieron a Shakespeare, que no encajaban en sus reglas poéticas, Karamzin glorifica con entusiasmo al gran dramaturgo inglés. En él ve al psicólogo más profundo. Karamzin se esfuerza por ampliar la composición de géneros de la poesía rusa. Poseía las primeras baladas rusas, que más tarde se convertirían en el género principal de la obra del romántico Zhukovsky. La balada "Conde Guarinos" es una traducción de un antiguo romance español sobre la fuga de un valiente caballero del cautiverio moro. Ella fue trasladada de idioma aleman Tetrámetro trocaico. La segunda balada de Karamzin, "Raisa", tiene un contenido similar a la historia " pobre lisa" Su heroína, una chica engañada por su amante, acaba con su vida en las profundidades del mar. La poesía de Karamzin se distingue de la poesía de los clasicistas por el culto a la naturaleza. En el poema "Volga", Karamzin fue el primero de los poetas rusos en glorificar el gran río ruso. Este trabajo fue creado a partir de impresiones directas de la infancia. La gama de obras dedicadas a la naturaleza incluye el poema “Otoño”. En la obra "Otoño", el paisaje lírico se asocia con las tristes reflexiones del autor no sólo sobre el marchitamiento de la naturaleza, sino también sobre la fragilidad de la vida humana. La poesía de los estados de ánimo es afirmada por Karamzin en el poema "Melancolía". El poeta no se refiere en él a un estado claramente expresado del espíritu humano: alegría, tristeza, sino a sus matices, "desbordes", a las transiciones de un sentimiento a otro:
¡Oh Melancolía! el brillo más delicado
¡Del dolor y la melancolía a las alegrías del placer!
Todavía no hay diversión y ya no hay tormento;
La desesperación ha pasado... Pero habiendo secado mis lágrimas,
Aún no te atreves a mirar la luz con alegría
Y te pareces a tu madre, Tristeza.
La reputación de Karamzin como persona melancólica estaba firmemente establecida. Mientras tanto, los motivos tristes son sólo una de las facetas de su poesía. En sus letras también había lugar para alegres motivos epicúreos, por lo que Karamzin puede ser considerado uno de los fundadores de la “poesía ligera”. Su único poema "Ilya Muromets" quedó inacabado. La repulsión de Karamzin por la poesía clasicista también se reflejó en originalidad artística sus obras. Buscó liberarlos de las tímidas formas clásicas y acercarlos al habla coloquial relajada. Karamzin no escribió ni odas ni sátiras. Sus géneros favoritos eran mensajes, baladas y canciones. La inmensa mayoría de sus poemas no tienen estrofas o están escritos en cuartetas. La rima, por regla general, no está ordenada, lo que le da al discurso del autor un carácter relajado. Sus dos baladas, los poemas "Otoño", "Cementerio", "Canción" del cuento "Isla de Bornholm" fueron escritos en verso sin rima.
37. El sentimentalismo como método artístico. La originalidad del sentimentalismo ruso. La historia de N.M. Karamzin “Pobre Lisa”
La última década del siglo XVIII. - el apogeo del sentimentalismo. La penetración de elementos del sentimentalismo en la literatura rusa comenzó ya en los años 60 y 70. Esto es especialmente notable en las obras de M. M. Kheraskov. Poesía civil El clasicismo y su “sonoridad”, los presagios del sentimentalismo contrastan el ideal de la educación moral del individuo, la poesía de la paz “tranquila” y la soledad de ensueño. La pasión por la masonería proporcionó un terreno fértil para el sentimentalismo. En consonancia con las ideas del sentimentalismo, se desarrolla en las obras del mismo Muravyov y otros poetas y prosistas de finales del siglo XVIII. Sentimentalismo. Lo principal - mundo interior hombre con su simple y alegrías simples, sociedad amigable cercana o naturaleza. En este caso se establece una conexión muy estrecha entre sensibilidad y moralidad. Los conflictos entre la gente común, los héroes "sensibles" y la moralidad predominante en la sociedad son bastante agudos. Pueden terminar con la muerte o la desgracia del héroe. En prosa, la historia y el viaje se convirtieron en formas típicas de sentimentalismo. Ambos géneros están asociados con el nombre de Karamzin. "Pobre Liza" se convirtió en un ejemplo del género narrativo para el lector ruso. La popularidad de "Pobre Lisa" no ha disminuido durante varias décadas. La historia está escrita en primera persona, lo que implica al propio autor. Ante nosotros hay una historia-recuerdo. El héroe-autor primero informa en detalle sobre sí mismo, sobre sus lugares favoritos en Moscú, que lo atraen y que visita con gusto. Este estado de ánimo incluye tanto romance como presentimientos sombríos, inspirados en el cementerio del monasterio y que dan lugar a pensamientos sobre el destino mortal de una persona. La triste historia de Lisa se cuenta a través de labios del autor-héroe. Recordando la vida familiar y patriarcal de Liza, Karamzin introduce la famosa fórmula “¡hasta las campesinas saben amar!”, que arroja nueva luz sobre el problema de la desigualdad social. La grosería y los malos modales de las almas no siempre son la suerte de los pobres. Karamzin describe con plenitud y detalle el cambio en el estado de ánimo de Liza, desde los primeros signos de amor ardiente hasta una profunda desesperación y un sufrimiento desesperado que la llevó al suicidio. Lisa no había leído ninguna novela y nunca antes había experimentado este sentimiento, ni siquiera en su imaginación. Por lo tanto, se abrió con más fuerza y alegría en el corazón de la niña cuando conoció a Erast. Con qué extraordinario y sublime sentimiento describe el autor el primer encuentro de los jóvenes, cuando Lisa trata a Erast con leche fresca. Lisa se enamora, pero con el amor viene el miedo, teme que un trueno la mate como a un criminal, porque “el cumplimiento de todos los deseos es la tentación más peligrosa del amor”. Karamzin comparó deliberadamente a Erast y Liza en un sentido humano universal: ambas son naturalezas capaces de tener ricas experiencias emocionales. Al mismo tiempo, Karamzin no privó a los héroes de su individualidad. Lisa es hija de la naturaleza y de una educación patriarcal. Ella es pura, ingenua, desinteresada y por lo tanto menos protegida de ambiente externo y sus vicios. Su alma está abierta a los impulsos naturales de los sentimientos y está dispuesta a entregarse a ellos sin pensar. La cadena de acontecimientos lleva al hecho de que Erast, habiendo perdido en las cartas, debe casarse con una viuda rica, y Lisa, abandonada y engañada, se arroja al estanque. El mérito de Karamzin fue que en su historia no hay ningún villano, sino un "tipo" corriente que pertenece al círculo secular. Karamzin fue el primero en ver este tipo de joven noble, hasta cierto punto el predecesor de Eugenio Onegin. El corazón naturalmente bondadoso de Erast hace que él y Lisa tengan algo en común, pero a diferencia de ella, él recibió una educación artificial y estudiosa, sus sueños no tienen vida y su carácter es mimado e inestable. Sin quitarle la culpa a Erast, el escritor se compadece de él. Karamzin cree que los vicios del héroe no están arraigados en su alma, sino en las costumbres de la sociedad. La desigualdad social y de riqueza separa y destruye buena gente y se convierte en un obstáculo para su felicidad. Por tanto, la historia termina con un acorde pacificador. La historia sentimental contribuyó a la humanización de la sociedad; despertó un interés genuino por el hombre. Amor, fe en la salvación. propios sentimientos, la frialdad y la hostilidad de la vida, la condena de la sociedad: todo esto se puede encontrar si hojeas las páginas de obras de la literatura rusa, y no solo del siglo XIX, sino también del siglo XX.
Y, sin embargo, parece que el poeta es más interesante no en letras de amor, y en poemas elegíacos de carácter meditativo (latín meditacion- reflexión). Donde se sumerge en el terreno de los pensamientos metafísicos sobre la vida y la muerte, sobre el paso del tiempo y el eterno ciclo de las estaciones en la naturaleza. "Otoño" (1789), "Recuperación" (1789), "Volga" (1793), "Al ruiseñor" (1793), "Oración por la lluvia" (1793), "A Alina. Sobre la muerte de su marido" (1795), “El tiempo” (1795), “Al pobre poeta” (1796), “Melancolía” (1800), “La orilla” (1802). Cada uno de estos poemas tiene su propio tono lírico individual, cada uno está marcado por un intento de crear una atmósfera emocional que corresponda al tema de la imagen.
"Otoño" Habla sobre el marchitamiento de la naturaleza, que ocurre cada año con inevitable inevitabilidad. Este descenso es triste, pero no trágico en absoluto. Porque con la misma inevitabilidad “todo se renovará en primavera”. El destino del hombre es trágico. Después de todo, el “frío invierno” de la vida continúa acercándose a él en la primavera. La naturaleza se desvanece por un corto tiempo, pero el hombre se desvanece para siempre.
Otoño Los vientos otoñales soplan en el sombrío robledal;
Las hojas amarillas caen al suelo ruidosamente. El campo y el jardín estaban desiertos; Las colinas se lamentan; Los cantos en las arboledas cesaron: los pájaros desaparecieron. Los gansos tardíos del pueblo se dirigen hacia el sur, corriendo en suave vuelo hacia las cadenas montañosas. Las nieblas grises se enroscan en el tranquilo valle; Mezclados con el humo del pueblo, se elevan hacia el cielo.
Un vagabundo parado en una colina, Con una mirada triste, Mira el otoño pálido, Suspirando lánguidamente.
El ritmo y el significado de un poema siempre están estrechamente relacionados. Para comprender su relación, hagamos una breve excursión a la teoría de la poesía. Empecemos por la relación entre métrica y ritmo en una obra poética. Estos dos conceptos no significan lo mismo en absoluto. Metro (en griego metron, es decir, medida): esta, de hecho, es la métrica poética que sigue formalmente la obra. La métrica es la base del verso, éste es su esquema original, su supuesto marco rígido. Las principales dimensiones del verso silábico-tónico son: trochee, yámbico, dactyl, amphibrachium y anapest. Trochee y yámbico son metros de dos sílabas: cuando cada pie (es decir, un grupo repetido de sílabas en líneas) consta de dos sílabas. Se acostumbra denotar una sílaba con un signo que se asemeja a una gorra invertida: I. Sobre la sílaba acentuada en el pie se coloca un signo de acentuación: ´. Así, la troquea se designará: (la primera sílaba del pie está acentuada, la segunda átona). Yámbico se verá esquemáticamente así: (la primera sílaba no está acentuada y la segunda está acentuada). Los patrones de los pies de tres sílabas se basan en el mismo principio de la relación entre las sílabas acentuadas y átonas de un pie. Sólo el pie no consta de dos, sino de tres sílabas. Dáctilo: . Anfibraquio: . Anapesto:.
Al crear un poema, para un poeta no sólo es difícil, sino imposible, seguir el esquema métrico con absoluta precisión. En ruso, el número de sílabas en en diferentes palabras extremadamente variado: desde una sílaba hasta doce, o incluso más. Y el acento en las palabras no se fija en una sílaba específica, como ocurre, por ejemplo, en polaco o Francés. En una palabra, el acento está en la primera sílaba, en otra, en la cuarta, etc. Por eso un poema real (no un modelo, no un ordenador) siempre contiene algún tipo de violación del esquema métrico subyacente. La mayoría de las veces se trata de pírrico, es decir, la omisión del acento en una sílaba sugerida por el esquema, o espondeo, es decir, un acento adicional en una sílaba donde, según el esquema, no debería estar. Cuanto más original y talentoso es el poeta, más audazmente maneja el esquema métrico. Lo sigue y al mismo tiempo lo viola, encarnando el concepto individual de su obra. De la dialéctica del seguir y romper surge un patrón rítmico único de cada poema, y por tanto su significado único.
El ritmo es un concepto y fenómeno mucho más voluminoso y complejo que el metro. El ritmo cubre todas las esferas de la vida, tanto terrena como cósmica. organización rítmica obra literaria Adquirió las líneas generales de un problema especial en las obras de los filósofos y filólogos antiguos. En ellos el ritmo se correlacionaba con los ideales estéticos de la antigüedad: simetría, armonía, belleza. La comprensión más precisa de la esencia del fenómeno la propuso Platón, quien definió el ritmo como "orden en movimiento". Todas las definiciones posteriores de ritmo procederán de esta fórmula ingeniosamente simple, que combina dos principios de existencia: la naturaleza estática de una forma ya encontrada (tomemos como ejemplo la métrica ordenada de un verso) y su variabilidad constante e inevitable. Platón introdujo la idea de dialéctica en la comprensión del ritmo, que estaba más en consonancia con su esencia. El tiempo pasará, y otro pensador brillante, Agustín, complementará la formulación de Platón con un principio espiritual. Él igualará el ritmo con trabajo creativo intelecto y espíritu: “El ritmo es fruto del trabajo del espíritu”.
La relación entre métrica y ritmo, estos dos instrumentos principales en la construcción del verso, es sumamente diversa. La diversidad se explica históricamente. La poesía es un arte antiguo, y el metro que la sustenta es, en sentido figurado, un ritmo que ha logrado petrificarse y congelarse a lo largo de muchos siglos. Debido a su forma congelada, está lleno de semántica (significado) tradicional, muchas veces repetida y, por lo tanto, se presta a un estudio preciso. El metro, materializado en tamaños poéticos, se trata de marcos rígidos que dominan el ritmo del verso. El compás es estático, el ritmo es dinámico. El metro logró adquirir un contorno claro de su forma. El ritmo que en un momento dado organiza el propio proceso creativo es personal, espontáneo y difícilmente predecible.
La visión histórica conduce a la poética. La métrica realizada plena y conscientemente es un verso para cuadernos o modelos de versos informáticos, ejemplar y, por tanto, no vivo. El ritmo es un sonido melódico vivo que surgió como resultado de la búsqueda de entonaciones individuales con sus caídas, subidas, aceleraciones y desaceleraciones únicas, como resultado de la orientación al esquema métrico y al mismo tiempo de su superación. La métrica sin ritmo resulta ser sólo una teoría, pero el ritmo sin métrica no puede adoptar una forma completa en verso. Cualquier creación poética comienza con una confrontación y, a menudo, un conflicto agudo entre métrica y ritmo.
Karamzin resultó ser uno de los primeros poetas rusos en distinguir entre poesía y poesía. El primero, creía, era seguir la métrica y la selección precisa de las rimas. El segundo es seguir el llamado interior del alma, cuando la forma misma del verso comienza a servir “a una imaginación fuerte y armoniosa y a una sensibilidad extraordinaria”. Llamó a ser “no sólo poeta, sino también Poeta”. Basándose en "Otoño" en el esquema métrico indicado, lo transforma inmediatamente, guiado por "la imaginación y la sensibilidad".
Sigamos la organización rítmica de "Autumn". Ella no es sencilla. El poeta combinó dos en una línea. diferentes tamaños: dáctilo y troquea. Hagamos un diagrama métrico. Pongamos en él todas las sílabas de los cuatro versos de la estrofa inicial. Denotemos las sílabas acentuadas con el signo de acento "´" (latín acento - acento). Y divide cada línea en paradas:
¿Qué vemos? Un dáctilo que suena más largo (es de tres sílabas) se combina en una línea con un trochee que suena más abrupto y claro (es de dos sílabas y también termina la línea, como si la rompiera). Esta combinación ajusta la percepción del lector a algo alarmante e inquietante que requiere ser completado. Una sílaba más, que falta aquí, podría completar el último pie antes del dáctilo. ¡Pero él no está ahí! Para el poeta era importante encontrar ese ritmo, esas entonaciones melódicas que, con su ligera inconsistencia, infundieran sentimientos encontrados en el alma del lector. Ante nosotros hay una especie de pista rítmica. El ritmo ayuda a unir en un solo estallido de emociones la inspiración alegre ante la idea de la eterna renovación de la naturaleza y el triste desaliento ante la idea del inevitable "desvanecimiento" del hombre.
