Spēlēsim... Šillers pēc Nyakrosius

Sovremennik prezentēja savu versiju par Šillera traģēdiju "Marija Stjuarte"

Kommersant, 2000. gada 3. marts

Jeļena Kovaļska

Tuminas atkārtoti izmantoja Nyakrosius

Šillera pirmizrāde Sovremennik

Izrāde "Mēs spēlējam... Šilleru!" Lugu "Marija Stjuarte" Maskavas Sovremennik teātrī iestudēja slavenais lietuviešu režisors Rimas Tumins. Pirms diviem gadiem viņa “Maskarāde” tika izrādīta Čehova festivālā Maskavā. Gaļina Volčeka redzēja šo brīnišķīgi skaisto priekšnesumu un iedvesmojās no idejas par Tuminas uzstāšanos savā teātrī. Pēc gadu ilgām sarunām ar režisoru un trīs mēnešu mēģinājumiem Sovremeņņiks saņēma pārdomātu un garu iestudējumu ar trupas vadošajām aktrisēm Marinu Ņelovu un Jeļenu Jakovļevu galvenajās lomās. Tomēr šis ir šodienas Sovremennik labākais sniegums.

Tumina “Maskarādē”, kas Gaļinai Volčekai tik ļoti patika, darbība norisinājās zem zemajām Sanktpēterburgas debesīm, no kurām sniga skaists teatrāls sniegs. Viņi ripināja bumbu pa sniegu, un drāmas gaitā tā pamazām uzbriest. Tumiņš izmantoja vizuālo attēlu valodu, un tie bija pietiekami spilgti un skaidri, lai skatītājs varētu nolikt sinhronās tulkošanas austiņas. Lietuviešu Tuminas nebūt nav vienīgais, kurš prot lietot šo valodu, lai gan Lietuva kopā ar dzintaru un kazjukiem ir slavena visā pasaulē ar savu metaforisko virzienu. Taču uz Sovremennik skatuves šis stils izskatās kā sāpīgs upuris.

Un tas nav jautājums par psiholoģisko reālismu, ko teātris upurēja lietuviešu garo, bezvārdu metaforu dēļ - mūsdienu "laikmetīgajā" izrādē šis reālisms nav daudz vērts. Un tas nav iemesls, kāpēc aktrises Marina Ņejolova un Jeļena Jakovļeva upurēja savu skaistumu nežēlīgā režisora ​​plānam. Lai gan Jeļenu Jakovļevu Tumins mudina paveikt varoņdarbu, kas līdzinās tam, ko pirms vairākiem gadiem paveica Alise Freindliha. Pēc tam par lēdijas Makbetas lomu Sanktpēterburgas lugā Temura Čheidze tautas iemīļotā uzlika neglītu parūku ar lielu pliku plankumu. Jakovļevas meitenīgās cirtas ierāmē baismīgo tīfa slimnieka matu griezumu, kam mums vajadzētu liecināt: Marijas patiesais skaistums slēpjas viņas gara spēkā. Tam vajadzētu atšķirt viņu no vājās, vājprātīgās Elizabetes, kura tomēr ir lugas centrā. Nejolovai ir visspēcīgākā aina: Elizabete kļūst traka, nespējot atrast spēku parakstīt sāncenses spriedumu. Tekstu aktrise izrunā vienā notī un vienā intonācijā apmēram desmit minūtes. Trakās karalienes balss, kuras rokas kontrolē jestra, pastiprinās un vibrē, rezonējot uz mūsu nerviem, un beigu beigās pēc paraksta uzlikšanas pāriet idiotiskos smieklos. Izrāde, protams, ir spēcīga, bet nepanesama.

Un tomēr galvenais upuris, šķiet, ir pats režisors Tumins, paaugstinātas jutības upuris pret sava spožā tautieša Eimunta Njakrosiusa darbu, ar kura jaunākajām izrādēm Tumina iestudējums neizbēgami tiks salīdzināts. Kā paveicās, mēs tos arī redzējām.

Ņakrošjusova Hamlets saka “būt vai nebūt”, stāvot zem lustras ar ledus kuloniem. Karsts vasks un izkusis ūdens saēd viņa sniegbalto kreklu, tāpat kā šaubas saēd viņa tīro dvēseli. Un vārdus nevajag. Tumina uzvedumā skanēs metaforas, lustra un dabiskas faktūras, kuras Njakrosijam tik ļoti mīl – aitu ādas, varš, uguns, ūdens, siens, kviešu graudi. Elizabete atrisinās Hamleta jautājumu un, tāpat kā Hamlets, nolemjot atriebties, kļūs traka. Un tāpat kā citai Nyakroshyus moceklei Makbetai pirms nozieguma izdarīšanas viņas rokas tiks liegtas.

Taču Nyakrosius tēlainība ir dziļa, ja tā ir vienkārša, lai gan viņa izrādēs ir daudz tumšu vietu. Kad viņā pamostas rituālus cienošs katolis vai lietuvietis, kas ir iesvētīts savas tautas nepazīstamajās paražās, vēstījumus pārstāj lasīt. Tuminas saskatīja Njakrosiusa koordinātu sistēmā universālumu un tās stingrību - to noslēpumainību, bez kura priekšnesums ir kā putra bez sviesta. Ir skaidrs, kāpēc Elizabete, saniknota par nodevību, nes paplāti ar glāzēm, kas ir pilnas ar ūdeni, un galminieks tās uzpilda no jauna, kad karaliene izlej ūdeni. Bet kā metropoles iedzīvotājam saprast, kāpēc viņi gandrīz pusstundu apsedz mirušu ar kviešiem un izkaisa graudus glāzēs? Un kas tās par caurulēm, kas aizņem pusi skatuves, nemaz nefunkcionē? Un kāda jēga, ka angļi staigā kā cilvēki, bet franči kā lelles? Sviests, protams, ir labs, bet Tumins diezgan daudz sabojāja savu putru ar Ņakrošjusova sviestu.

Jaunas ziņas, 2000. gada 4. marts

Jeļena Jampoļska

Karaliskās spēles

"Mēs spēlējam... Šilleru!", Sovremennik teātris. Iestudējums Rimas Tumiņš, dizains Adomas Jacovskis, kostīmi - Marius Jacovskis

Acīmredzamu neveiksmju Sovremennikā nav. Un, ja viņi to dara, tas ir ārkārtīgi reti; no vienas neveiksmes līdz otrai - dažu sezonu laikā - jūs nepabeigsit kliegt, un iepriekšējo izdodas aizmirst, līdz parādās nākamā. Sovremennik praktiski nedod iemeslu runāt par neveiksmēm. Diskusijas priekšmets, kā likums, kļūst par nākamā radošā sasnieguma iezīmēm, smalkumiem, nokrāsām. Par pašmāju pirmizrādēm nereti atbild garā: izrāde laba, BET... “Mērijas Stjuartes” gadījumā (tieši viņa slēpjas zem pretenciozā un reizē banālā virsraksta) “BET” ir ļoti konkrētas aprises.

Ir zināms, ka Gaļinai Borisovnai Volčekai no visas sirds nepatīk ļaunais un neobjektīvais teatrāli kritiskais bars, kas “barojas pie viņas teātra”. Viņa nesen par to publiski paziņoja no televīzijas ekrāna (starp citu, kanālā “Kultūra”), rupji, nepelnīti un šausmīgi necivilizēti apvainojot lielu (es uzstāju - lielu!) cilvēku skaitu, kuri raksta par “Sovremennik” vienā virzienā. vai citu, bet pilnīgi neieinteresēti. Nu, labi, vai cilvēks vēlas apgrūtināt savu sirdsapziņu, tas ir viņa paša darīšana. Interesanta ir cita lieta: Volčeka netraucēja uz viņas skatuves parādīties it kā speciāli teātra kritiķiem radītai izrādei, šarādes tipa izrādei, kas prasīja nenogurstošu atšķetināšanu, tas ir, parastajai masu teātra publikai maz noderīgu. Neveiksmīgie žurnālisti no Tuminas pirmizrādes atstāj ar aizklātām piezīmju grāmatiņām, bet viņi iesaka “Spēlējam... Šilleru!” Es personīgi to neriskētu plašai apskatei.

Izrāde ir sadalīta divās daļās. Pirmo veido Marinas Neelovas un Jeļenas Jakovļevas aktieru duets (ja var saukt konfrontāciju par duetu). Lai ko pārlieku atjautīgais režisors ap viņiem vērptu (un viņs uz augšu, “ar cepuri”), Ņejolova un Jakovļeva strādā apzinīgi šī vārda augstākajā nozīmē, bez piekāpšanās un manipulācijām, par ko saņem entuziasmu. vētra no skatītāju puses finālā. Viņi ir profesionāli, viņi ir pārsteidzoši, viņi ir izmisuši, un viņi zina vairāk par savām varonēm, nekā zina gudrais Tuminas. Vienkārši tāpēc, ka viņas ir sievietes. Un karaliskās maksas antagonisms Sovremennikā ir cieši saistīts ar sadursmi ne tik daudz ar stāvokli, cik sieviešu, pat sievietes, interesēm: greizsirdība, skaudība, sāncensība, nožēla par neizmantotām iespējām.

Ņejolova - Elizaveta - ir vīrieša īsie salmu mati un veca zēna seja; ādas ķivere un eleganti mēteļi, piegriezti uz slīpuma, jo tālāk, jo vairāk atgādina mēteli; tā ir bardzība un askētisms, taisnas dusmas un skaidra “pamatvērtību” izpratne. pieklājība, morāle, taisnīgums. Jakovļeva - Marija ir kaislība, apjukums, trīce, drudzis, ūdens straumes un slapjas sarkanas cirtas, kas patiesībā izrādās parūka, kas nekaunīgi aizsedz ieslodzītās karalienes nogriezto galvu...

Maigi izsakoties, mūsdienu krievu skatītājam, kuru reliģiskie jautājumi maz satrauc, protestantisma un katolicisma atšķirības nerūp. Bet divi galvenie sieviešu tips- pieķēdēts un brīvs - pastāv nemainīgs līdz šai dienai. Bieži apvienots vienā ķermenī. Turklāt jāmaksā gan par savaldību, gan par brīvību. Elizabete dzīvo brīvprātīgā ieslodzījumā, Marija - piespiedu ieslodzījumā. Šeit ir konflikta kodols. Vienīgais konflikts saistībā ar “Mariju Stjuarti”, kas mūsdienās var būt ļoti interesants.

Pārvērtību brīnums Tumina izpildījumā apsteidza tikai Ņelovu un Jakovļevu. Divi galvenie vīriešu tēli - Igora Kvašas Lesteras grāfs un Maksima Razuvajeva Mortimers - nevar nodrošināt karalienēm atbilstošu konkurenci. Kvaša paliek Kvaša, efektīvi pildot savus oficiālos pienākumus (cita starpā viņš kategoriski nelīdzinās varoņu mīļotājam), un Razuvajevs ir vienkārši cienījams jauneklis. Smuki. Gara auguma. Enerģisks. Centīgs. Šķiet, ka viss...

Tomēr lauvas tiesa laikā publika neskatās ne aktierus, ne izrādi - tā skatās režiju. Protams, Šillera teksts pat Pasternaka tulkojumā izklausās diezgan sauss un literārs. Lai viņu atdzīvinātu, iespējams, tiešām ar vai bez iemesla jāripinās sienā, jāatsedz Mortimera pēcpuse (lai gan superšķīsti), jānokar mēbeles no restēm un jālido uz lustras; jāsmēķē, jālauž rieksti, jālej ūdens un jāšņāca (Tumina lugas varoņu galvenā darbība ir mazgāšanās); vajag, lai Marija būtu slima (burtiski) Elizabetes vārdā un lai Elizabete novadītu pēdējo monologu - par troņa rekvizītu - uz kruķiem un pulksteņa lelles tonī. Kad “rūpnīca” beidzas un Ņejolovas runa pārvēršas mēles sasietā muldēšanā, Anglijas karaliene pēkšņi atgādina Borisam Nikolajevičam Jeļcinam viņa pēdējos prezidenta mēnešus. Šāds efekts, acīmredzot, Tuminam nebija iecerēts un radās nejauši: dzīvei patīk pasmieties par pārlieku filozofēšanu... Jakovļevai paveicās vairāk: viņai ļāva beigt skatuves eksistenci un vairāk vai mazāk dabiski nogādāt pēdējās rindas. Turklāt Marijas Stjuartes nāvessoda izpildes aina - ar kausu, no kuras viņas dzīves pēdējie mirkļi izplūst nevis pilienu pa pilienam, bet straumēm, un ar rūpīgu nocirstās galvas noņemšanu - patiesi ir režisora ​​meistarības meistardarbs. . Šeit ir vērts apstāties, jo īpaši tāpēc, ka, neskatoties uz saīsināšanu, Šillera uzstāšanās Sovremennikā aizņem nogurdinoši ilgu laiku.

Tumiņa veikums tika izdomāts no sākuma līdz beigām – tas ir tas, ko var uzskatīt par priekšrocību, vai var pārmest. Tika izgudrota ne tikai scenogrāfija ar pretsvaru, vinču un skriemeļu sistēmu, ne tikai baismīgais skaņas fons - it kā darbotos gigantiska ražotne vai zvērīga tvaika lokomotīve, elpojot elles uguni un izspiežot tonnām tvaiku, velkot dārdošu vilcienu. ; nē, tikai galvā (un nekur citur) dzima šie žesti un pozas, sīkumi un triki, sejas izteiksmes un emociju tēli... Robertā Sturuā, piemēram, simboli izaug no zemes un neprasa pārdomāt, tāpat kā viņi to neprasa akūti un Starp citu, runāto vārdu. Tuminā septiņdesmit procentos gadījumu viņi atbalsta tukšumu. Iespējams, tāpēc Sturua, atšķirībā no Tumina, nekad nav kļuvis par Maskavas kritiķu iecienītāko. Mūsu teātrī dabiskums vairs netiek vērtēts.

Vakara Maskava, 2000. gada 7. marts

Olga Fuks

Lietuviešu transplantāts

F. Šillers. "Mēs spēlējam... Šilleru!" Rež. R. Tumiņš. "Mūsdienu"

Kopš festivālā "Zelta maska" parādījās nominācija "Labākā Krievijā parādītā ārzemju izrāde", šīs balvas nemainīgi ir saņēmusi Lietuva - vairākas reizes Eimuntas Nyakrosius un vienu reizi Rimas Tumins. Daži Maskavas teātri nepārprotami vēlējās sev “iepotēt” ​​lietuviešu teatralitāti ar tā metaforisko dabu, dziļumu un kaut kādu videi draudzīgu dabiskumu. Tumina vārds parādījās Vahtangova teātra plānos, taču līdz šim viņu izdevies piesaistīt tikai Sovremennik. Tumiņš iestudēja Šillera “Mariju Stjuarti”, pēc kuras uzrakstīšanas viņš atzina, ka beidzot ir “apguvis dramaturga amatu”.

Izrādes formula ietverta nosaukumā “Spēlēju... Šilleru” (uzreiz atcerējos Kama Ginkas “Noziegumu spēlēšanu”, kur arī vārds “spēle” bija noteicošais attiecībās ar dramatisko realitāti). Skotijas karalienes vārds no nosaukuma pazuda, un Marija Stjuarte pārstāja būt izrādes centrā. (Režisore saīsināja visu pirmo cēlienu, kurā Marija jau atrodas nebrīvē, ir pakļauta kratīšanai, atceras sava nezinošā vīra slepkavību un runā par divu tautu, skotu un britu, bezasins savienību, - motīvi viņas apgalvojumiem Lielbritānijas tronis.) Lugā šis centrs ir novirzījies Marijas Stjuartes sāncenses Anglijas karalienes Elizabetes virzienā, kuras dzimšanas stāstu, starp citu, savās “Karaliskajās spēlēs” izspēlē Lenkom.

Marina Ņelova (Elizabete) izjūt citu virzienu, kā laba supermodele - dažādu kuturjeru stilus. Viņa tēlo vientuļu sievieti vīrieša pasaulē, kas spiesta eksistēt saskaņā ar vīriešu likumiem. Pat vīrieši viņu ietērpj karaliskā kleitā – nepieklājīgi un nepieklājīgi. Viņa kļuva par ķīlnieci viņu bailēm, zemiskumam, interesēm, vainas izjūtām viņu priekšā par viņas nelikumīgo piedzimšanu. Pat viņu treniņi (viena no iespaidīgākajām ainām - no asarām un noguruma novārdzinātā Elizabete maršē uz pirkstgaliem ar paplāti un glāzēm ar ūdeni, uz izstieptām rokām mānīgā galminieka Bērklija (Mihails Žigalovs) uzraudzībā un apmācībā. Tātad ka vēlāk publiski viņa varēja savaldīt jebkādas jūtas). Sievišķīgākā mūsu teātra aktrise sākumā bezbailīgi spēlē bezdzimumu - noslīpēti mati, melns mētelis, militārs gultnis. Vēl jo vairāk pretstatā ir viņas nepielūdzamie sievišķības uzliesmojumi - kā zāle, kas laužas cauri akmeņiem - vājums, koķetērija, vājums. Ilgas pēc žēlastības, tiesības dot, kas viņai ir liegtas. Bailes satikt sāncensi (Marija – Jeļena Jakovļeva – būtībā ir pirmā sieviete ar patiesi kaislīgu un bezgrēcīgu sievietes likteni, kuru Elizabetei bija iespēja satikt. Un bailes no šīs tikšanās viņu tur tādā spriedzē, ka viņa nekad neskatīsies uz Mariju ). Labs aktieris vienmēr padara skatītājus par savu advokātu, nevis savu prokuroru. Un pat ainā, kad Elizabete paraksta Marijas nāves orderi, priekšplānā ir nevis darbības ētika, bet gan cena, ko Elizabete maksā par lēmumu. Karaliskā kleita, kurā viņa ir ģērbta, ir līdzīga ķēdēm, kurās viņa labprātīgi ļaujas važās. Karaliene arvien lēnāk un histēriski lasa pavēles tekstu, it kā viņas iekšienē būtu sācies fiziski nepanesams sairšanas process, kas saplosa viņu no iekšpuses. Piestiprinātais paraksts izraisa viltus atbrīvošanās ekstāzi, kas ir tik lipīga, ka paralizētais mēmais tēls, saukts par “galma bastardu” (Dmitrijs Žamoida), sajūsmas lēkmē pieceļas kājās. Un visa aina pārvēršas par traku, biedējošu un ekstātisku klaunādi.

Tumina priekšnesums ir izaicinoši skaists. Fausta Latēna stingrā mūzika gandrīz nekad neiziet no izrādes skaņu telpas, definējot tās svinīgo atmosfēru un ietekmējot zemapziņu, kā, teiksim, reklāmas 25. kadrs sekundē. Vēss askētisms sadzīvo ar pikantām neķītrībām, kā slepena vēstule, kas Lesteras grāfam (Igoram Kvašai) būs jāizvelk no Mortimera (Iļja Drevnova), no kurienes, saka, mūsu uzņēmīgie “shuttles” kontrabandas ceļā veduši sīkas vērtīgas mantas. Lakoniska vienkāršība - ar paralēlu darbību, kas apņem tekstu kā izsmalcinātu iepakojumu. Mākslinieks Adomas Jacovskis piepildīja skatuvi ar juteklisku un taustāmu specifiku, kas priekšnesumu nosaka pēc smaržas, taustes un garšas. Ūdens. Akmeņi. Siens, ko Elizabete savās dusmās izkaisa un mēģina patverties pēc Mērijas nogalināšanas. Piekārts kā zvans, sarūsējusi tvertne ar celtniecības āķi mēles vietā, par kuru glāsta Mortimers, Marijas neveiksmīgais glābējs, stiprinot naidā pret dzimtenes varas iestādēm - melu un baiļu piesātinātajām nomācošajām protestantu varas iestādēm. Lieli zirņi, ko Elizabete lej kristāla glāzēs, un mēs dzirdam, kā viņā pazūd dzīvības balss: kristāla izmisīgā zvana, uz kuras tiek sisti zirņi - blāvs sitiens - šalkoņa - šalkoņa - klusums. Viņas konkurējošās māsas nāve, par kuru viņa nolēma, ir postoša arī viņai. Jo traģēdijā cilvēks ir lemts izdarīt izvēli, un jebkura izvēle viņam ir liktenīga. Rimas Tuminas liek sajust patiesas traģēdijas (ar to domāts žanra) aromātu. Spēlējiet traģēdijā, bet spēlējiet nopietni.

Un priekšnesuma beigās skan smiekli. Divi nikni britu galma iemītnieki, pietiekami spēlējuši un skatījušies neasiņainas spēles, bēg uz laivas lejup pa straumi, balstoties uz airiem un smejoties pēc piedzīvotajām šausmām.

Moskovsky Komsomolets, 2000. gada 7. marts

Marina Raikina

Sieviešu aptumsums Sovremennikā

Starp Maskavas pirmizrādēm, no kurām daudzi bija nepārprotami neizpratnē par savu radošo un seksuālo orientāciju, parādījās skaista izrāde par īstām sievietēm, ko veidojis īsts vīrietis. "Mēs spēlējam... Šilleru" Sovremennikā iestudēja kāds ārzemnieks.

Senākā nesējs ir lietuvietis Rimas Tumins Eiropas valoda- ar savām metaforām viņš apturēja ātrgaitas realitātes neprātu un ar izteiksmīgām pauzēm ierosināja aplūkot stāstu par divām sievietēm - Mariju Stjuarti un viņas māsīcu Anglijas karalieni Elizabeti.

Elizaveta - Marina Ņejolova - barga, ar nekustīgu seju, nogurusi no bezmiega, vēl nav izrakstījusi atļauju māsas nāvei. Māsa ar attālu seju - joprojām uz zemes, bet ar citpasaules skatienu. Un šķiet, ka pats laiks ir sasalis nāves gaidās. Ātrumu, ar kādu Šillera drāma steidzas pretī nobeigumam, sākotnēji atgādina vien dīvainas skaņas, līdzīgas pūšošai tvaika lokomotīvei. Komponists ar dīvaino mistisko uzvārdu Faustas paātrinās šo “melodiju” no rīstīšanās, šņākšanas, zāģēšanas un telpas griešanas neizsakāmi skaistā traģiskā mūzikā.

Nāves gaidīšanas brīdis izrādījās trīs stundas garš. Bet šī nav nogurdinoša gaidīšana teātra stacijā. Mākslinieks izpildījuma neticamo iekšējo enerģiju izvietoja visā netveramajā – pauzēs, žestos, mūzikā. Un pat dekorācijas un rekvizīti (dizaineris Altis Jackovskis) nes saspringtu enerģiju: kaut kas neizskaidrojami biedējošs smagajā sarūsējušajā caurulē, uz ķēdēm iekārtos metāla cilindros, ūdenī, kas Marijas Stjuartes histērijā sasniedz pirmo rindu. Un Elizabetes izkaisītajā graudā.

Divas sievietes gandrīz klusi strīdas līdz pašām beigām – kura ir Mēness un kura Saule. Aptumsums, kas piemeklēs abas karalienes, izvērtīsies par traģēdiju viņu tautai. Bet ko viņām vajag – sievietes ar ievainotu lepnumu un neapmierinātu iedomību? Kas ir kā rotaļlietas savtīgu vīriešu rokās? Spēku samērs lugā ir tāds, ka vīrišķā vide neizraisa simpātijas: pretīgi karjeristi spēlē uz sieviešu kaislībām, stulbi pakaramie nodod un pārdod. Režisores simpātijas pret sievietēm tiek nodotas skatītājiem, iesaistot sieviešu sieviešu daļu feministu kustībā.

Aktiermāksla ir pārsteidzoša. Marina Neelova (Elizabete) pati sprieduma parakstīšanas ainā tracina un tracina skatītājus. Elizabetes slavenais monologs uz greznas kleitas fona, iesākts uz vienas nots, neemocionāli, pārvēršas no raudāšanas uz smiekliem un atpakaļ. Un pirms tam viņa, šņukstēdamās, lai atgūtos no Lestera (Igors Kvaša) nodevības, pāri skatuvei uz izstieptām rokām nes ar ūdeni pilnas stikla glāzes. Elizabete raud un jauc asaras ar kaislīgu monologu, uz sudraba paplātes šļakstās ūdens, glāzes krīt un taisās saplīst, tāpat kā viņas dzīve ir salauzta. Mēģinājums satvert tās malu atkal ir nevis vārdos, bet baltā cimdā ieliktās rokas plastiskumā, ko Elizabete abu karalieņu satikšanās ainā kautrīgi cenšas pastiept savai māsai. Kautrīgajā pirkstu kustībā no aizmugures - ievainotas sievietes cīņa ar valsts amatpersonu.

Jeļena Jakovļeva pārliecināja visus skeptiķus, ka Marijas Stjuartes loma, iespējams, bija viņas labākā loma. Katrā ziņā negaidītākais. Ja pirmajā cēlienā, īpaši tā finālā, kaisle viņu dedzina un vardarbīgi izšļakstās uz skatuves kopā ar ūdeni, tad otrajā viņas klusums ir briesmīgāks par vārdiem. Eksekūcijas priekšvakarā, skanot zurnas skaņām, viņa staigā pa skatuvi uz pirkstgaliem kā gruzīnu dejā: no spārniem līdz skatuves vidum un taisnā leņķī pret prosceniju. Viņš atrautīgi skatās pāri zālei un tikpat savrupi un skumji dodas atpakaļceļā. Saspringti taisnajā mugurā, nedzīvās rokās un pat pār pieri novilktajā baltajā cepurītē ir neizskaidrojamas skumjas un skumjas par šo nepilnīgo pasauli un sievieti tajā.

Izrādes pamatā ir divas sievietes. Vīrieši šeit vairāk ir palīgpersona, kuru režisors upurēja savu simpātiju vārdā pret karalisko ģimeni. Zināmā ziņā šajā ziņā ir zināms vēsturisks taisnīgums. Lai gan godīgi jāsaka, ka vīriešu sastāvā ļoti interesanti strādā Maksims Razuvajevs (Mortimer), Mihails Žigalovs (Bērlijs) un divi klusie tēli (Dmitrijs Žamoida un Sergejs Juškevičs), ar kuriem Rimam Tuminam tik ļoti patīk piesātināt savas izrādes. . Tas ir viņu izmisīgais kliedziens beigās, kad, sēžot pie siles, abi airējot nekustīgi peldot uz nekurieni, ir biedējoša elipse pēc iespaidīgās Mērijas Stjuartes nāvessoda.

Piebalss pirmizrādē ilga septiņas minūtes.

Vakara klubs, 2000. gada 11. marts

Gļebs Sitkovskis

Maskavā sāka strādāt lietuviešu mehānisms

Šķiet, ka pasaules klasiskajā repertuārā nav nevienas citas lugas, kurā divu sieviešu konfrontācija sasniegtu tik augstu pakāpi. Šīs traģēdijas svārsts svārstās no ainas uz ainu starp diviem centriem, starp divām niknām māsām karalienēm - Anglijas Elizabeti un Skotijas Mariju. Šķietami zaudētāju Mēriju Stjuarti Šillers nosauks par uzvarētāju karalieņu strīdā, pacels asiņaino galvu un ieliks viņu savas lugas nosaukumā.

Lietuvietis Rimas Tumins atteiksies no tiesneša lomas aizmirstajā Tjūdoru un Stjuartu duelī, no savas lugas nosaukuma izņems trakulīgās katolietes vārdu un liks saprast, ka režisors necietīs citus uzvarētājus bez viņa paša. . Ne tikai tas: nosaukumā pirms Šillera vārda ir zīmīga elipsi, tāpēc varētu domāt, ka tur trūkst kāda vārda, bet patiesībā varbūt vajadzētu izlasīt “Spēlē Tuminu un Šilleru!” Vai kaut kas cits.

Jāpiekrīt: Tumins tiešām uzvarēja. Viņš radīja priekšnesumu, ko nevar uzskatīt par labāko mūsdienu rutīnas kiča Sovremennik repertuārā. Aktieri, izsisti no iedibinātajiem šabloniem, dara to, ko vajag režisoram, nevis to, pie kā viņi ir pieraduši. Dažiem tas izdodas mazākā mērā, citiem – lielākā mērā. Marinai Ņelovai, piemēram, Elizabetes lomā viss izdodas. Arī Jeļenai Jakovļevai Marijai daudz kas izdodas, taču no viņas joprojām var just, ka viņa ir šaurākas lomas aktrise nekā Ņelova.

Rimu Tuminu uz iestudējumu no Lietuvas uzaicināja Gaļina Volčeka. Šo valsti, kurā ir uz pusi mazāk cilvēku nekā Maskavā vien, der salīdzināt ar teatrālo Eldorado: kā var teikt savādāk, ja jau trīs gadus pēc kārtas mūsu lietuviešu izrādes sauc par “zelta”? Šeit es domāju “Zelta masku” par labāko ārzemju izrādi, kas parādīta Krievijā: Rimas Tumins tika apbalvots par “Maskarādi”, bet Eimuntas Nyakrosius par “Hamletu” un “Makbetu”. Mājās šie divi tiek uzskatīti par antagonistiskiem režisoriem, un lietuviešu teātra skatītāji sadalās divās varenās Nekrosija un Tumina sekotāju nometnēs.

Arī krievu skatītājs, gribot negribot, salīdzinās Tuminu ar Nyakrosiusu. Nezinu, vai var runāt par vecākā Tumina priekšrocību savam jaunākajam kolēģim (Lietuvā ļaundari runā tieši par to), taču nepamanīt pārklāšanos starp režisoriem nevar.

Viss priekšnesums ir gara skatuves metaforu un izgudrojumu sērija, kas turas viens pie otra kā zobrati pulksteņa metienā. Starp citu, Adoma Jacovska komplekts atgādina dīvainu sarūsējušu mehānismu, kas uzbūvēts kā atsvaru un atsvaru sistēma: viena muca nolaižas, otra paceļas, tvertne šūpojas, tvaiki izplūst...

Tāpat kā Njakrosijs, Tuminas apgaismības laikmeta pirmatnējās traģēdijas darbību jauc ar dabas elementiem: ir ūdens, kurā kā vārnas uz tilta samirkst karalienes naktskreklos, un uguns (Marijas nāvessoda izpildes ainā). , bende atvērs korķi stikla bļodā, tādējādi ļaujot ūdenim nodzēst sveces ņirbojošo liesmu)... Mirušā Mortimera ķermeni zemes vietā klāj graudi... Uz proscenija sakrauts siens. , kurā Anglijas karaliene cenšas aprakt sevi...

Ir dažas patiešām lieliskas ainas. Gandrīz mistiskā veidā ar tikai teatrālas gaismas palīdzību izrādē katoļu Marijas galva tiek atdalīta no ķermeņa , un svinīgi cilvēki melnā tērptā nes viņu bālu pa visu skatuvi. Neaizmirsīsim, kā tiek atrisināts Elizabetes galvenais monologs, no kuras tiek prasīts tikai viens: galvas vērts paraksts. Marina Neelova pēkšņi pārvēršas par milzīgu spieķa lelli ar nedabiskiem lellei līdzīgiem smiekliem un raudām. Rokas sāk dzīvot atsevišķu dzīvi, un galma bastards (Dmitrijs Žamoida) kontrolē karalienes kustības.

Jāteic, ka tādu kruķu aktieriem izrādē ir daudz. Un reizēm sāk šķist, ka visa lielā Šillera traģēdija klibo uz režisora ​​izdomātajām metaforām kā uz kruķiem. Nevar noliegt: kruķi bieži vien ir ērtāki – gan aktieriem, gan pat pašam Šilleram. Bet tas ir tas, kas atšķir meistaru režisoru no brīnumdaroša režisora ​​- pirmais dod spēcīgus, labus kruķus, bet otrs vienkārši atnāk un saka: celies un ej.

Kultūra, Nr.9, 09.-15.03.2000

Natālija Kaminskaja

Karalienes. Dvēseles galvas nociršanas skatuves versija

Teātris Sovremennik ilgi gaidītā pirmizrāde "Mēs spēlējam... Šilleru!" slavenā lietuviešu režisora ​​Rima Tumina režijā, tas attaisnoja uz sevi liktās cerības. Spēle notika, un tā bija liela spēle. Nosaucot savu teātra darbu par "F. Šillera traģēdijas "Marija Stjuarte" skatuves versiju", R. Tumiņš faktiski nosaka tiesības uz savu versiju. Un šī atruna izklausītos ārkārtīgi dīvaini (tiešām, ko gan var gaidīt no labs režisors, kā ne individuāls risinājums slavenajai klasiskajai lugai?), ja ne viens zīmīgs “bet”.Šillerā ir divas centrālās varones, divas karalienes Marija un Elizabete, bet tikai viena kļuva par titulvaroni. lugā.Tuminā abi ir ar lielo burtu, principiāli vienlīdzīgi un izšķiroši.Tikpat labi viņa izrādi varētu saukt par “Mariju un Elizabeti.” Taču “luga” režisoram ir ārkārtīgi svarīga - ne tikai kā teātra kategorija, bet arī kā spēcīgs un neprognozējams faktors cilvēka dzīvē.Īpaši ja ir darīšana ar vēsturisku personību dzīvi lai atklātu divu sieviešu konflikta būtību. Tajā pašā laikā uzsvars mainās: divas nesamierināmas sieviešu būtnes ir lemtas karam, un Viņas Majestātes Vēsture tikai nostāda viņas situācijā, kurā miers nav iespējams. Marina Neelova Elizabetes lomā nespēlē šķirnes trūkumu. Jeļena Jakovļeva - Marija nespēlē savu klātbūtni. Abas sievietes mobilizē savus pēdējos spēkus, lai cīnītos ar savām vājībām. Abi negribīgi uzlika karaliskās parūkas, un, noplēšot tās, atklājas smalkas, īsi apgrieztas galvas. Abi spēj krist histēriskā neprātā. Abi piedzīvo tādu pašu, nesalīdzināmu vieglumu, kad viņi noraida spēles un viņiem uzspiesto izlikšanos. Marija pārstāj būt lēnprātīga un uzvarēta, Elizabete - iecietīga un žēlsirdīga. Divas greznas sievietes Tumina lugā izmisīgi meklē laimi. Divām karalienēm šī iespēja ir vienlīdz liegta; tikai vienai no tām tiek nogriezta galva, bet otrai - dvēsele.

Vedomosti, 2000. gada 13. marts

Oļegs Zintsovs

"Marija Stjuarte" ar vienu karalieni

Pirmizrāde teātrī Sovremennik

"Laikmetīgais", kura nosaukums pēdējos gados paradoksālā kārtā kļuvis par sinonīmu teātra konservatīvismam, pēkšņi atklāja vēlmi patiesībā būt mūsdienīgam: iestudēt izrādi "Mēs spēlējam... Šilleru!", ko dāsni finansējusi Valsts banka, Gaļina. Volčeks uzaicināja modīgo lietuviešu režisoru Rimu Tuminu . Pagājušajā Čehova festivālā Maskavas publika apbrīnoja viņa “Maskarādi”, kas iestudēta sniegotās Sanktpēterburgas ainavā. Kārtējai pirmizrādei Tuminas atkal izvēlējās romantisku drāmu – “Mērija Stjuarte”.

Vietnes vidū ir milzu skārda katls, no kura ik pa brīdim izplūst tvaiki. No augšas, starp mazākajiem podiem, karājas kaut kas līdzīgs zvērīgam kapucim, kas aprīkots ar āķi. Apkārtnes drūmumu pastiprina no skaļruņiem atskan draudošā mūzika (komponists Faustas Latēns) un Elizabetes galminieku tērpi: visi ģērbušies melnos mēteļos un biezās jakās. Atšķirības starp tēliem tiek uzsvērtas plastiski: baroni un grāfi staigā formācijā, nodevējs Mortimers absurdi lēkā, katoļu tēli (arī Mērija) pat pārvietojas pa skatuvi pingvīnu veidā - ar elkoņiem pie sāniem un viņu izstiepj rokas uz sāniem.

Katra rinda ir jāizspēlē, jāiepako metaforā – šis īpaši efektīgais iestudējuma stils ir iemesls, kāpēc Maskavā tiek novērtēta Lietuvas teātra skola. Daži Tumina atklājumi ir patiesi asprātīgi, taču lielākā daļa triku ir kaitinoši, jo ir lieki.

Režisors, kurš nosaukumā ielika daiļrunīgu elipsi, iespējams, pavadīja daudzas negulētas naktis pie klasiskā teksta, taču tā arī nekad neizlēma, kādu stāstu viņš plāno stāstīt uz skatuves. Pirmajā cēlienā mums stāsta kaut ko par saistību starp varu un seksualitāti (Jaunava karaliene periodiski demonstrē tieksmi uz seksuālu agresiju pret saviem galminiekiem). Pēc starpbrīža režisors atceras, ka arī augstprātīgā Elizabete prot just, un liek viņai šausmīgi ciest pār cinka kasti ar mirušā Mortimera ķermeni.

Tomēr trīs stundu skates labākajā brīdī - kad Anglijas karaliene tur rokās dekrētu par Marijas Stjuartes nāvessodu - šķiet, ka Tuminam svarīgākā bijusi vājuma tēma - viņa izpildījumā slepkavības iemesls izrādās nevis varas slāpes vai Elizabetes bailes no sāncenses, bet gan gribas trūkums. Galminieki ietērpj karalieni zeltītā kleitā, kas ir smaga kā bruņas, zem elkoņiem liek kruķus, un Marina Ņejolova sāpīgi ilgi lasa Elizabetes pēdējo monologu, izspiežot rindiņas burtiski zilbi pa zilbei: lineāla vietā “mierīgi un majestātisks” (kā teikts Šillera noslēguma piezīmē), redzam pustraku vecenīti, kura paraksta savu nāves orderi, pakļaujoties tikai vienai histēriskai vēlmei: “Lai tam visam pienāk gals, lai viņi mani atstāj mierā. ” Ekspresivitātes ziņā šī aina ir gandrīz visas pārējās izrādes vērta, un, ja režisors tai būtu pielicis punktu šeit, Šillera drāmas jaunākā interpretācija varētu būt ieguvusi tai tik pietrūkstošo saprotamību. Taču Tumiņš diemžēl izvēlējās “Marijas Stjuartes” sižetu pārstāstīt līdz galam.

Šī ideja šķiet jo mazāk veiksmīga, jo galvenā lugas intriga ir divu karalieņu (un attiecīgi arī divu aktrisu) sāncensība - filmā "Mēs spēlējam... Šilleru!" pilnībā neizdevās. Šeit ir tikai viena karaliene - Elizabete," un, kad Marina Ņejolova nokāpj no skatuves, nav absolūti nekādas jēgas turpināt priekšnesumu - stāsts ir beidzies. Aktieres Mērijas Stjuartes Jeļena Jakovļeva cenšas visu iespējamo, taču kļūst skaidrs, ka karaliskās spēles nav viņai, tiklīdz uz skatuves kāps televīzijas seriāla zvaigzne par inspektori Kamenskaju.

Kultūra Nr.11, 23. - 29.03.2000

Natālija Kazmina

Pat jeb Karalieņu spēle

— Mēs spēlējam... Šilleru! Sovremennik teātris

Šeit nav iespējams iztikt bez priekšvārda. Faktiski visi šī priekšnesuma apskati sākas ar priekšvārdiem, un daži aprobežojas ar priekšvārdu. Rimas Tumina izrāde "Mēs spēlējam... Šilleru!" - pārāk iespaidīga struktūra Maskavas teātra kontekstā, lai to nepamanītu, un pārāk vizuāli un emocionāli viņam sveša, lai tā neapjuktu. Vienkāršākais veids, kā atbrīvoties no šīs neskaidrības, ir uzbrūkot režisoram vai griezties ap viņa noslēpumaino radījumu, ko patiesībā darīja daudzi.

Par šo izrādi recenzijās ierasta informācija, ka Tumins savu diplomu ("Melodija pāvai") iestudējis Maskavā, uz Staņislavska teātra skatuves; ka Tumina “Maskarāde” pirms diviem gadiem Čehova festivālā iekaroja Maskavas eliti un pērn saņēma Zelta maskas balvu; ka "šie klusie lietuviešu puiši", kas iekaroja Maskavu (šeit Tumina uzvārdam regulāri tiek pievienots Njakrosiusa uzvārds), patiesībā ir vāji saprotami ar savu lietuviešu mentalitāti; ka Gaļina Volčeka pielika daudz pūļu, lai iestudējumam iegūtu slavenu lietuvieti. Atsauksmes un kritika vienmēr ir vienādas. Tumiņa "Maskarāde" ir labāka par viņa "Spēlējam... Šilleru!" Tumina režija ir nabaga vīra Nyakrosius. Un vēl tālu no ideāla, “Šillers” ir “Laikmetīgā” labākā izrāde... Es gribētu atsaukties uz šo “infantilo kreisuma slimību”, aizraušanos ar kategorisku salīdzināšanu visu un ar visu.

Atstāsim “Melodiju pāvai” pavisam mierā. Tas bija citā dzīvē. Tagad, ieraudzījuši svēto muļķi "Šilerī" un atceroties svēto muļķi no "Maskarādes", kritiķi skaisti formulē, ka Tumins vienmēr iestudē vienu un to pašu lugu. Mēs to nevaram droši zināt. Protams, ir milzīgs attālums starp GITIS absolventa iestudēto “Melodiju pāvam” un lugu “Mēs spēlējam... Šilleru!” Bet kā Tuminas to vadīja, var tikai minēt. Lietuvas atdalīšanās no Padomju savienība sniedza mums dažādu pieredzi – gan dzīves, gan estētisku.

Ir stulbi salīdzināt Tumina veikumu ar Volčeka darbiem. Tas ir tāpat kā salīdzināt lidmašīnu ar tvaikoņu kuģi, kleitu ar biksēm vai kafiju ar tēju. Tas ir savādāk, to nevar salīdzināt. Un izmantot Tumina veikumu, lai vēlreiz izteiktu savas pretenzijas Sovremennik galvenajam direktoram, ir kaut kā nepiedienīgi. Bez šaubām, Gaļina Volčeka izdarīja darbu, uzaicinot slaveno lietuviešu režisoru uz savu teātri. Ne katrs lielākais Maskavas režisors ir spējīgs uz tik dāsnumu pret konkurentu.

Kas attiecas uz izrāžu "Maskurāde" un "Mēs spēlējam... Šillers!" par labu pirmajam... Nez kāpēc esmu pārliecināts, ka, ja “laikabiedri” būtu spēlējuši lietuviski, “Šillers” būtu saņēmis tādu pašu labvēlību. Maskavas kritiķu šoks no “Maskarādes” daļēji skaidrojams ar to, ka izrāde “nebija mūsu”, un kritiķi varēja brīvi atgulties savos krēslos, tāpat kā skatītāji, lai apbrīnotu izrādes romantisko ainu un nepamanīsi, teiksim, ārprātīgo veidu, ar kādu tika atrisināts Arbenina tēls. Manuprāt, “Masquerade” un “Schiller” stilam ir daudz kopīga. Un tas ir kopīgs - Tumina režijas kvalitāte. Un tas viņu atšķir no Nyakrosius un atceļ viņu aizskarošo salīdzinājumu. Divas līdzīgas lustras dažādu režisoru izrādēs (un, starp citu, pilnīgi atšķirīgas) vēl nav pamats runāt par plaģiātu. Ja "Maskarāde" ir krievu bilde, tad "Spēlēsim... Šillers!" (mākslinieks Adomas Jacovskis) - laikam bilde ir vācu. Fantāzija par vācu romantiķa tēmu ekspresionisma toņos.

Izrādē “Mēs spēlējam... Šilleru!” Fausta Latēna mūzika sitās kā algota slepkavas asmens. Viņa rausta tavu dvēseli, apreibina kā dziru ar ilgām pēc laimes un karājas tavā sirdī. Kopumā skaņu dizains ir visspēcīgākais un nenoliedzamākais šajā izpildījumā. Lokomotīves tvaika nopūtas, perona troksnis. Augstu elegantu glāžu šķindoņa uz paplātes. Graudu šalkoņa, kas plūdīs no spaiņiem, kā asinis no brūces, un viļņos aizsegs mirušos. Graudu un zirņu kristāla klikšķēšana, kas gluži kā Elizabetes asaras piepilda glāzes ar piemiņas straumi. Zosu spalvu čīkstēšana uz papīra, "sieviešu vāvuļošana". Čuksti un kliedzieni, vaidi un šļakatas – tie visi ir nāves soļi, kas, kā ēna pazibējot pāri skatuvei, pieskārās katra klātesošajam apmalei.

Tumiņa izstāde, kā ierasts, ir varens skats. Pēc - gandrīz līdz kulminācijai - spriedze norimst. Atkal simboliskās metaforas nav īpaši caurspīdīgas vai caurspīdīgi biedējošas - kā, piemēram, ķirbis pie pavarda, tas karalienes nocirstās galvas “zemais” rīms. Nevar uzreiz saprast, ka Dmitrija Žamoidas “Galma necilvēks” ir tikai blēņas un kāpēc viņš pārvietojas pa skatuvi cinkotā sile, un kāpēc cita svētā muļķa (Sergejs Juškevičs) Deivisona eja ir tik svinīga. : uz pirkstgaliem, ar lepni paceltu trofeju - gandrīz mītiska vienradža galvu. Atšķetināt visus režisora ​​kodus un salikt visu šarādi ir iespējams tikai pēc beigām, atgriežot savas domas sākumā. Reizēm šķiet, ka šādas vizuālās sarežģītības mērķis ir “pabalstīt” banalitāti zināmā vēsturiskā sižetā, kas kopš Šillera mākslā izmantots ne reizi vien. Un, lai pilnībā mazinātu ierasto romantisko patosu, Tumins cenšas jokot vai būt nepieklājīgi, kas viņam ne vienmēr izdodas. Pāris naturālistiskas ierīces, piemēram, žurka, kuras galva tika sasista ar akmeni, vai Stjuarta medaljons, kas tika turēts tūpļa, izskatās pēc spilgtiem pleķīšiem uz priekšnesuma stilīgajām drēbēm.

Tāpēc par to, kas bija veiksmīgs un kas bija labs. Nu galvenais ir divu karalieņu, Mērijas Stjuartes (Jeļena Jakovļeva) un Elizabetes (Marina Neelova) duelis.

Būtībā abu pasaule ir pasaule bez vīriešiem. Visi vīrieši šeit ir vai nu gļēvuļi, nodevēji, nelieši, vai nožēlojami histēriķi un nožēlojami cilvēki. Bailes izvēlēties lēmumu, uzņemties atbildību sakropļoja visus šeit - ar kaut kādu neprātīgu pazemojumu vīrieši šo dzīves grūtāko dilemmu uztic sievietēm. Viņi spēlējas tikai kopā ar sievietēm, ir novērotāji. Un kurš uzvarēs, Marija vai Elizabete, to izšķirs vai nu izloze, vai Dievs, vai, visticamāk, nejaušība. Kāds izvēlas vienu no viņiem, piemēram, Bērlijs (Mihails Žigalovs) Elizabete vai Mortimers (Iļja Drevnovs) Marija, un kāds, piemēram, Lesters (Igors Kvaša), liek derības uz abiem uzreiz, piemēram, zirgiem.

Tuminam abu karalieņu tiesības uz troni ir ļoti pretrunīgas, un situācija, kas viņus saista, ir strupceļš. Abiem ir tikai viena izeja - sakāve. Sievietes un karalienes uzvedība, cīņa starp karalieni un sievieti situācijā, kad viss ir zaudēts, ir tas, kas interesē Tuminu. Viņam Marija un Elizabete ir kā Siāmas dvīnes: jebkura viena likteņa maiņa automātiski nozīmē otra likteņa iznīcināšanu. Marija dzīvo pēc jūtām, nevis karaliskās, bet sievišķīgās loģikas, tāpēc režisore nolēma viņas lomu atveidot izrādei. (Ekspekcijas aina ir tik iespaidīga, ka izraisa šoku skatītājā, un Jakovļeva to nospēlēja tik liriski, ka izkausē skatītāja līdzjūtību). Elizabete pazemo savu miesu un kaprīzes pienākuma dēļ, tāpēc emocijas tiek dzītas iekšā, tāpēc katrs izskats ir rituāls, kas biedē ar ģeometriju. Taču abām karalienēm sākumā neizdodas nospēlēt lomu, jo tam ir vajadzīga puse sirds, lai klusētu. Marijai tiešām ir apriebusies doma, ka ir jāizliekas. Elizabete kā meitene paklausīgi noslauka kvēlošās asaras un burtiski no zem Bērlija nūjas iemācās staigāt, runāt un rīkoties kā īsta karaliene. Man viņu abus žēl. Divu karalieņu satikšanās aina Tuminam ir sudraba atslēgas pagriešana Šillera lugā. Tajā brīdī viss bija izšķirts, skatītājam jāsaprot. Šajā ainā Marija un Elizabete mēģina apmainīties lomām, taču nekas nelīdz. Elizabete cenšas izskatīties pēc sievietes, Mērija – karaliene. Elizabete – izrādīt līdzjūtību, Marija – pazemību. Bet abu raksturs ir augstāks par kanonu un etiķeti, un ir skaidrs: viņi nevar dzīvot kopā. Viens nogalinās otru, tas nevar nenogalināt. Tas, kurš dzīvo, būs slavens, un tas, kurš mirst, tiks mīlēts. Vai varat pateikt, kura izvēle ir labāka? Pat ir karalienes spēle. Tumiņš to uzskatāmi demonstrē savās metaforiskajās smalkumos, kā šaha partiju uz rūtainā galda. It kā Elizabete savus apvainojumus spļautu Marijai sejā. Lepnums aizmiglo Marijas acis. Dusmās viņa sit ar roku pa ūdeni, un Elizabetes seju un mēteli apkaisa krelles. Tas ir stiprāks par pļauku.

Uzvarētākās šīs stilīgās izrādes ainas tika dalītas ar visiem, izņemot Neelovu. Bet jūs nevarat atraut acis no viņas Elizabetes. Rokas aiz muguras, lai neieslīgtu emocijās, lepnais zods augstāks, balss zemāka. Trauslā figūra ir važās vīrieša mētelī kā gliemežvāks. Cietinātā apkakle nogriež viņa tievo kaklu. Krekls ir arī vīriešiem, cieši sasiets ar tauriņu. Mati ir cieši ķemmēti aiz ausīm. Katru reizi, kad karaliene izmisīgi nogludina kādu spītīgu izklīdušu matu šķipsnu, tā atrodas aiz ausīm, apcietināta, it kā viņa būtu galvenais gļēvulības, neuzvarētā sievietes vājuma pierādījums. Seno klasicisma sižetu “pienākums un sajūta” Marina Ņejolova traktējusi pavisam neromantiski, reizēm pat farsiski. Viņai izdevās spēlēt sievieti bez mīlestības, ko viņa, vienmēr absolūtas sievišķības iemiesojumā kino un teātrī, nekad agrāk nebija darījusi. Aktrise daudzus gadus uzstāja, ka viņa sapņo par kaut ko pārsteigtu sevī, un šajā šķietami “ne viņas” lomā tas notika. Viņas karalienei ir pienākums apglabāt sievieti sevī, un jo ātrāk, jo labāk, jo mīlestība ir karaļu nelaime un karalienēm nepieejamā greznība. Karaliene un sieviete Elizavetā-Ņelovā cīnās katru minūti, un jūs varat redzēt, kā šī cīņa viņu dedzina un tracina no iekšpuses. Karalienes galvenā uzvara ir sievietes galvenā sakāve. Greznā karaliskā kleitā un sarkanā parūkā šis Elizabetes laikmeta seno portretu kokons mūsu priekšā vairs nav sieviete vai karaliene, bet gan niedru lelle, neprāta maska ​​sejas vietā. Vārdi mutē griežas kā dzirnakmeņi. Kājas noliecas kā krājumos. Rokas kustas it kā sapnī, un tās vada (likteņa ironija!) nevis viņa, uzvarētāja, bet gan trakais, blēņas, mēms ar parastu kruķu palīdzību.

N.B. Un šis Tumiņa priekšnesums iztēlē dubultojas. Pārlūkojot savas atmiņas ainas, pēkšņi atceraties kaut ko tādu, ko iepriekš nepamanījāt. Viņi tomēr mainījās vietām: Marija uzkāpa uz sastatnēm kā karaliene, sieviete palika dzīvot. Viņa aizmirsa smaidīt, uzvilka vīrieša mēteli un vēsi ietinās tajā, bet balss, bērnišķīga, vāja un maiga, pēkšņi viņu atdeva. Un, lūgdama atstāt vienu, sieviete iebāza seju sienā, lai neviens neredzētu viņas asaras.

Marina Bareshenkova

Māsas

Ļermontova "Maskarāde", ko Viļņā iestudējis Rimas Tumins Maly teātris un parādīts Maskavā Čehova festivālā (1998), izcēlās ar lirismu un skaistumu (proti "plastisko formu skaistumam" Izrāde saņēma Grand Prix Toruņas-97 festivālā). Tajā sniegotajā “Maskarādē” bija režisora ​​radītais tēls - Ziemas cilvēks. Visu priekšnesumu viņš veidoja sniega piku, kas pieauga, saasinoties kaislībām. "Spēlēsim... Šillers!" tāda novērotāja un diriģenta loma vienā personā tiek atvēlēta mēmam svētlaimīgajam jestram (Dmitrijs Žamoida). Viņa vienaldzīgā jautrība ar izbāztām žurkām pie Elizabetes kājām ir sava veida metafora traģiskai spēlei, kurā nebūs uzvarētāju.

Tāpat kā “Maskarādē”, skatuves žanrs šeit rada metaforiskas virsbūves iespaidu pār literāro tekstu. “Marija Stjuarte”, pēc Tumina domām, ir mistiska traģēdija vai, iespējams, sāga; tajā pašā laikā Šillera patozitāte ir skaidri samazināta un brīžiem šķiet, ka Veimāras klasiķa idejas ir izgājušas cauri Freida psihoanalīzes sietam.

Marija (Jeļena Jakovļeva) un Elizabete (Marina Nejolova) ir deheroizētas, abas karalienes ir upuri. Patiesībā Tuminas stāstu sniedz ne tik daudz par divām karalienēm, bet par divām māsām, sieviešu likteņu traģēdiju, tik atšķirīgu un reizē tik līdzīgu. Abi cieš no laimes nesasniedzamības, mīlestības neiespējamības, no cilvēku pasaules vienaldzības un nežēlības.

Mortimers (Maksims Razuvajevs), kas vēlas glābt Mariju Stjuarti, nolemj viņu, kaut arī negribot, nāvei, un grāfs Lesters (Igors Kvaša) kļūst par Elizabetes nāvējošās greizsirdības cēloni: viņa dēļ viņa nogalina savu māsu. Vīriešu svīta ir nenozīmīgi cilvēki: no manekena volāniņā Obepina (Aleksandrs Nazarovs) līdz nožēlojamam, iepriecinošam gļēvulim Lesteram; no potenciālā diktatora augstos kirzačos un militārajā jakā Bērlija (Mihails Žigalovs) līdz gudrajam diplomātam Šrūsberijam (Rogvolds Suhoverko). Viņi visi nav pelnījuši neko vairāk kā karikatūrisku skatuves skici.

Karjerisms, nodevība un izsmalcināta nodevība sasniedz kulmināciju ainā, kurā Marijas vēstule tiek nodota viņas hipotētiskajam glābējam. Lesters paņem vēstuli un tai pievienoto amuletu no... Mortimera dibena. Riskants farsisks gājiens, huligānisms ar tādu pašu mērķi - izcelt varoņus no autobusa un piešķirt “pieaugušajai” ainai rotaļīgu vai, varētu teikt, bērnišķīgu vieglumu.

Režisors parasti pievēršas bērnības tēmai. "Maskarādē" ir virkne bērnu palaidnību: no skrituļslidošanas līdz meitenei, kas nosalusi pie kapakmens ar saldējumu. "Spēlēsim... Šillers!" Bērnu dēkas ​​un kaprīzums vieno kronētos sāncenšus. Tās ir kā vienas monētas divas puses. Tāpēc spogulis lugā tiek uztverts kā semantiska zīme: viena ciešanas atspoguļojas otra dzīvē. Elizabete paskatās spogulī, domās salīdzinot sevi ar māsu, tad abas pielīdzina nežēlīgā realitāte. Nīstais glābējs un iespējamais izvarotājs Mortimers cenšas nomierināt histērisko Mariju, jo Bērlijs vēlāk apspiedīs saplīst Elizabete. Spoguļidentitātes princips tikai uzsver reālo konfrontāciju. Šķiet, ka izspūrušas sarkanās parūkas pušķi, šis klauna atribūts, Skotijas karalieni sākotnēji atšķir no kronētās radinieces, tāpat kā viņas pārgalvīgā, izvirtīgā pagātne atšķiras no puritāniskās Elizabetes tagadnes un nākotnes. Taču, noņēmusi parūku, Marija kļūst līdzīga savai māsai, tāpat kā Elizabete parūkā it kā atgūst savu kaislību un rīcības brīvību.

Nejolovas-Elizavetas kaprīzi mīlīgās intonācijas, uzveduma sākumā vēdinot franču valodā, nomaina asarainas un aizvainotas tirādes, kas adresētas cilvēces vīrišķajai pusei. Tad, tiekoties ar māsu, viņas balsī parādās blāvs tērauds, un pēdējā monologa teikumā runas kļūme: asaras iznīcina vārdus, skaņas un pašu varones apziņu.

Jakovļevas-Marijas lomas intonācijas modelis ir mazāk uzkrītošs. Balss vai nu uzplaiksnās ar neprātīgu cerību, tad aizrīties no histērijas. Māsai adresēto lūgumu nomaina pārmetumu sauciens, un finālā klusā gribas apņēmība tik tikko savalda kūstošo dabu.

Šīm divām nelaimīgajām sievietēm būtībā nerūp ne varas iestādes, ne cilvēku bezsejainošā griba. Viņiem ir tikai savs duelis. Un, ja vienam ir lemts triumfēt, tad otram ir lemts iet bojā. Kas nepadara uzvarētāju laimīgāku.

Slavenajā abu karalieņu satikšanās ainā melnā tērptā Elizabete, it kā paklausot žēlsirdības instinktam, kautrīgi piedāvā māsai sniegbaltu cimdu, taču jau nākamajā mirklī, nespējot tikt galā ar savu lepnumu, viņa steidzīgi paslēpj roku aiz muguras. Tādā pašā veidā, nespēdama apvaldīt savu sašutumu, Marija savā apsūdzošajā pārmetumā neapdomīgā drosmē sadedzina visus tiltus: apvainojot Elizabeti, viņa zaudē cerību uz piedošanu un pašu dzīvi. Bet vispirms es gribēju samierināšanos...

Ņejolovas un Jakovļevas duets izrādē ir galvenais un interesantākais. Tomēr ne tikai aktrises ir interesantas. Viņi neeksistē paši par sevi.

Šī nav pirmā reize, kad komponists Faustas Latēns sadarbojas ar Tumiņu. Viņš rakstīja mūziku savam “Ķiršu dārzam” un sadarbojās ar citiem lietuviešu režisoriem. Muzikālās ainas izrādē veido savu paralēlo pasauli: no biedējošās rīvēšanās un trokšņa, kad parādās Elizabete, līdz klusinātai ģitāras stīgu sadursmei, kas aizēno Mortimera iemīļoto iedvesmu, no Elizabetes galma leļļu teātra tēmas, kas stilizēta kā viduslaiku muca. ērģeles, līdz dvēseli satraucošām minimālisma melodijām, kad parādās Marija Stjuarte. Latēna mūzika ir vientulības un skaistuma lūgšanas balss. Viņa noved priekšnesumu līdz harmoniskam noslēgumam. Tāpat kā Adoma Jacovska scenogrāfija, kas spēcīgi un dabiski ieausta izrādes audumā: šeit objekti vada savu kluso un totālo dialogu. Krēslu rindas, kūpojošs tvertns un caurule ar āķi virs troņa, sastatņu sijas dziļumā, divi šūpojošie cilindri uz šūpuļa, siena kaudze, kurā varones pamīšus apglabājas... Vēl viena detaļa vai cita atmiņas par iespējamo greznību - vientuļa piekārta lustra, kas nekad neiedegsies. Tam ir cits mērķis: vienreiz un vienīgo reizi lustra kalpos kā lifts, kas nolaidīs Mēriju Stjuarti no sastatnēm uz zemes.

Objekti-simboli, objekti-metaforas, ar kurām priekšnesums ir piesātināts, ir priekšā verbālām cīņām. Apgāzts krēsls ir brīdinājuma zīme: sirdsmiers ir zudis, un Elizabete nevar izvairīties no sirdsapziņas mokām. Amulets, kas atrodas zem krēsla, runā par gaidāmajām traģiskajām pārmaiņām Marijas liktenī. Uz restēm piekārts krēsls pilda cirvja lomu – tas ar rūkoņu nokrīt, un aktrise tikai noliec galvu pie pleca: tas ir nāvessods.

Skotijas karalienes spēka simbols ir pusapaļa bumba, dzīvības rūgtais kauss. Pārklāta ar baltu salveti, bļoda vispirms atgādina stīpu, pēc tam izrādās akvārijs. Tikai caur ūdens šļakatām var iznākt Marijas kaislīgā daba (ūdens stihija, tāpat kā sniega stihija Maskarā, ir ne tikai noteikta lomas semantiskā krāsa, bet izrādes aktīvā, dzīvā miesa, līdzvērtīga varoņiem ); nāvessoda ainā ūdens no bļodas izplūst pa skatuvi - dzīve atstāj Mariju Stjuarti.

Anglijas karaliene saskaras arī ar dabas elementiem. It kā uzvilkta, viņa staigā šurpu turpu pa skatuvi, turot uz izstieptām rokām paplāti ar divām kristāla glāzēm, kas pilnas ar mitrumu. Brilles krīt un saplīst, karalienes acis piepildās aizvainojuma asaras. Ūdens glāzēs simbolizē pašas karalienes brīvības trūkumu. Elizabete atrod sev tuvu elementu... graudos. Viņa apglabā tajās Mortimera ķermeni un piepilda ar tām glāzes. Kā šļakatas graudi uzlido, riņķo un nosēžas.

Parakstījusi māsas nāves orderi, Elizaveta-Ņejolova kļūst traka. Vārdu precizitāte izplēn, runa pārvēršas neizteiksmīgā vāvuļošanā, loģika padodas neprāta haosam; juceklis runas ritms gandrīz fiziski liek sajust varones traģismu. Viņas seja, vēl nesen tik kustīgā, pārvēršas par masku, bezjēdzīgu mazuļa masku.

Jeļena Jakovļeva spēlēja, iespējams, savu labākā loma. Viņas dusmīgie monologi un pārmetumi ir uz spēka robežas; Jo klusāki un atdalītāki ir vārdi, jo vairāk tiek atklāta iekšējā brūce. Marija Stjuarte nokāpj no ešafota kā cilvēks, kurš ir uzzinājis nāves noslēpumu. Uzvilkusi baltu vesti ar rožukroni rokās, viņa staigā pa skatuvi uz pirkstgaliem. Svētīts. Ciešanas stiprina viņas lepno garu. Marijas atvadu monologs izklausās pēc rituāla sazvērestības. Viņa ir rituālais upuris. Viņš skatās pa kreisi un pa labi un atkārto to pašu jautājumu: "Kāpēc tu raudi?" Uz skatuves tiek celta degoša svece un akmeņi. Tā īsa - "Ardievu visiem!" izrāde beidzas.

Teātris, 3. numurs, 2000. gada oktobris

Gaļina Makarova

Izslēgšanas spēle

"Spēle ir senāka par kultūru, jo kultūras jēdziens, lai cik nepilnīgi tas būtu definēts, jebkurā gadījumā paredz cilvēku kopienu..."
Johans Huizinga

"...Cilvēks spēlē tikai tad, kad viņš ir vīrietis šī vārda pilnā nozīmē, un viņš ir pilnībā cilvēks tikai tad, kad viņš spēlē."
Frīdrihs Šillers

Teātra jaunās izrādes stils un izskats Mūsdienu"Mēs spēlējam... Šilleru!" pieļauj (un pat liek) pieņemt, ka tās nosaukums ir sava veida droša rīcība un, iespējams, neaizskaramības garantijas prasība. Tajā pašā laikā - un brīdinājums: spēlēsim, un nejauši aizrausīsimies. Jau nosaukumā ir apslēpts (šifrēts, slēpts zemtekstā) trieciens ilūzijām un cerībām tiem, kuri pirms teātra apmeklējuma plānoja pārlasīt Šillera lugu. Labāk to nedarītu neviens: ne zinātkāri amatieri, ne profesionāļi, ne konservatīvie, ne liberāļi, ne jauni, ne veci. Jo tā ir spēle! Spēle paredz brīvību, savus noteikumus, un ir spēles bez noteikumiem.

Aiz vārda “spēle” ir elipsi, kas nav līdz galam skaidrs: kāda šeit ir intriga? Teātra izrāde ir spēle; semantika ir acīmredzama, atgriežoties laika dziļumos. Un Šillers ir spēlēts jau divsimt gadus. Viņi spēlē dažādi, daudz un ar prieku, kā viens no gleznainākajiem klasiskās dramaturgiem. Pats Gēte nevarēja piedot savam Veimāras draugam šo īpašību (histrionika), dažkārt šaubīdamies par Šillera diženumu. Skatuve bija ļoti piemērota Šillera traģēdijām, viņa lugas bija ļoti atklāti pielāgotas skatuves standartiem. Turklāt spēles jēdziens nav atdalāms no Šillera personības, no viņa darba estētikas jomā. Pateicoties bijušajam Štürmeram, kurš nomira kā Veimāras klasicists, vārds “spēle” uz visiem laikiem tika nostiprināts filozofiskajās vārdnīcās (lai gan palīdzēja arī Spensers). Spēle ir kļuvusi par filozofisku kategoriju: spēle ir izglītojoša, atbrīvojoša, pārveidojoša, dziedinoša; jūs nekad zināt, kas vēl!

Vācu valodā traģēdija (arī Marija Stjuarte) tiek apzīmēta ar vārdu “Trauernspiele”, tas ir, sērīga, skumja spēle, precīzāk, nāvējoša, ar letālu iznākumu. Bet spēle tomēr.

Tātad, noņemsim punktus. Un vispār, kur un kāpēc tas viss pēkšņi parādījās: garantijas, droša rīcība, indulgences? Darbībai turpinoties, kļūst acīmredzams, ka “Mērijas Stjuartes” skatuves versijas veidotāji pat nedomāja par attaisnošanos. Gluži pretēji, viņi enerģiski un agresīvi cenšas mūs iesaistīt savās dīvainajās spēlēs, kas ir iecerētas un veiktas ne bez izdomas, drūmās un nogurdinoši bezkrāsainās. Spilgts plankums parādīsies tikai vienu reizi - Marijas sarkanā šalle pirms nāvessoda izpildes. Ir skaidrs, kāpēc. Protams, simbols, zīme un metafora. Metaforas problēma tādās izrādēs kā Rimas Tumina darbs tiek risināts pilnīgi oriģināli, pat asprātīgi. Ir acīmredzama interpretācija, kas tiek uzsvērta gandrīz ņirgājoties: galva ir ķirbis, pareizāk sakot, ķirbis ir galva, ūdens ir dzīvība vai atkal dzīvība ir ūdens, un akmeņi ir esamības smagums, esības nasta. Šādas zīmes pastāvīgi atgādina par sevi, dažos brīžos darbība novērš uzmanību ne tikai no sižeta, bet, kas ir pilnīgi nevietā, no aktieriem. Kad Elizaveta-Marina Ņejolova pirms liktenīgā sprieduma parakstīšanas iet pa rampu ar brillēm uz paplātes, aktrisei nav laika aktiermākslai: ir grūti neizliet ūdeni, un skatītāju uzmanība neizbēgami pievēršas atrakcijai.

Pēdējos gados atrakciju uzstādīšanas princips kļūst arvien kaitīgāks un režisoriem gandrīz liktenīgs - un Šillera izrāde nav izņēmums, drīzāk tas apstiprina dažas bailes, kas šodien nav dzimušas.

Tumiņa iestudējums, neskatoties uz šķietamo neparastumu, nav gluži seriāls, bet mūsdienu skatuvei raksturīgs tieši savā neindividualitātē. "Tomēr tendence..." saka viens ne tik smalks melns joks. Patiešām, tā ir tendence, kad daži simboli un metaforas tiek atšifrēti, kā saka, uzreiz, bet citi nekad nav lemti atšifrēt. Ir izskaidrojums, ka bez iracionālā elementa skatuves māksla izskatās plakana un garlaicīga. Mēs piekrītam. Bet, kad ārkārtīgi racionāls gājiens tiek pasniegts kā mistisks un zemapziņā, tas vairs nav šamanisms, bet gan kaut kas tuvs šarlatānismam.

Tumina uzstāšanās tika veidota nopietni, ar pārliecību par tiesībām uz piedāvāto risinājumu: viņi ar mums spēlē godīgu spēli, kopumā atklājot pazīstamu ainu, kas ar Šilleru ir tāda pati kā ar Šekspīru, Sofoklu vai Beketu. Skatuves telpas risinājums kļūst līdzīgs instalācijai, kas spēj uzņemt visu. Izrādes tēls ir kaut kas starp pazemi un raganu virtuvi: tur ir gan tvertne, gan āķi, gan bruģakmeņi, un žurkas, un pīpes mute. Un viņi visi izskatās kā bendes un viņu rokaspuiši - ar novilktiem vāciņiem pār ausīm. Kosmoss dzīvo. Tvertne kūp, caurule ar āķi šūpojas, dažreiz kulminācijas brīžos, dažreiz neatkarīgi no tā, kas notiek. Atkal viss iekļaujas “tipiskā” mūsdienu izrādes shēmā, kad scenogrāfs (iestudējuma dizainers Adomas Jacovskis) sāk gravitēt uz “dizainu”. Kolēģi kritiķi jau atzīmējuši, ka pati skatuves aktīvā telpa ar biedējošām objektu-zīmēm ir atbruņojoši neitrāla ne tikai attiecībā uz dramatisko materiālu, bet arī uz skatuves darbību. Jūs varat nedaudz piepūlēties, novērst uzmanību no spēlētā Šillera un iedomāties, ka Antigone cieš zem šūpojoša graudu spaiņa, bet trakā Ofēlija uz siena kaudzes ļaujas nepiedienīgiem sapņiem. Taču pēdējos gados arvien biežāk nākas pie sevis pielikt savādākas pūles, veikt citu garīgo (virtuālo, ja vēlaties) operāciju un kārtējo reizi sev kā sava veida atkārtot kādu labi zināmu tēzi. Profesionālā moto (vai kā burvestība no Makbeta raganām): mākslinieks ir jāvērtē saskaņā ar likumiem, ko viņš ieviesa pār sevi. Vēl nesen tēze šķita aksioma, bet tagad gribas apšaubīt tās beznosacījumu. Lai gan - ne gluži taisnība. Gribētos spriest pat ne par mākslinieku, bet tieši par šiem likumiem, kas visiem kļuvuši vienādi. Sava veida režisoru konstitūcija, kas neveicina teātra mākslas uzplaukumu un daudzveidību. Ir izdomāta forma, ar noteiktu obligātu paņēmienu kopumu un mizanscēnām, pēc iespējas riskantāka. Tāpēc, ja filmēšanas laukumā ir siena roka, kā Tuminam, tad tieša tēlu mīlas kaislības ilustrācija ir neizbēgama: stulbais pāraugušais Mortimers mēģina pēc kārtas “izdrāzīt” Elizabeti un Mariju. Kaut kā neomulīgi tad arī bez neliela striptīza, lai gan “Mēs spēlējam... Šilleru!” šķiet, ka tas ir saistīts ar sižetu: patiesībā, kā slepus piegādāt vēstuli? (Tas, kurš redzēja izrādi, zina.)

Uzvedumam virzoties uz finālu, kritēriji pilnībā mainās, un kļūst arvien grūtāk atbrīvoties no domas, ka šodien ir nepieciešams risks un drosme... tradicionālā skatuves domāšana. Un... ak šausmas!.. Gribu redzēt kaut ko kulturālu un akadēmisku, ar vēsturiskiem tērpiem, bez salmiem, graudiem un žurkām, kas skrien no sētas.

Ar telpiskiem incidentiem un lugas “Mēs spēlējam... Šilleru!” metaforisko nekonsekvenci. būtu pilnīgi iespējams samierināties, ja pati darbība, kaut arī daļēji, absorbētu kaut ko no Šillera traģēdijas. Jo divu karalieņu duelis līdz nāvei ir ne tikai vīriešu mīlētāju cīņa, bet izrādās, ka tā arī ir. Teksts ir rediģēts tā, lai Elizabete izvirzās priekšplānā: Šillerā Marijai vispirms vajadzētu parādīties skatītāju priekšā (viņa ir varone, izrāde nosaukta viņas vārdā, un teātra likumi pieprasa viņas izskatu). Tumina izrādē Elizaveta Ņejolova it kā aizmirstot par režisora ​​norādījumiem pārspēj Mariju Jakovļevu. Devis priekšroku Elizabetei, atstājot viņai pietiekami daudz skatuves laika, režisors tomēr šķiet apzināti traucēt aktrisei; vai nu minētajā ainā ar brillēm, vai arī acīmredzami citējamajā tērpu epizodē. Grūti saprast, vai tas ir apzināts citāts (uz parodijas robežas) par pāvesta tērpiem Brehta “Galileo dzīvē”, kas iekļauts visās režijas mācību grāmatās, vai tas ir nejaušs, vai arī tā ir ironija. (varētu pieņemt) uz tradicionālo kostīmu teātri. Vai varbūt ne viens, ne otrs, ne trešais - tikai patvaļīgs pieskāriens.

AR viegla roka Frīdriha Direnmata frāze "mēs spēlējam lugas vārdā" (Dirrenmatt, kā zināms, spēlēja Strindbergu) atrodas uz pasaules pilsētu plakātiem, ļaujot izveidot pilnīgi brīvas slavenu lugu skatuves versijas. Patiesībā izrāde nav ideja, bet gan teksts, man mēģināja ieskaidrot jaunais kolēģis, ne visai precīzi citējot Rolandu Bārtu. Kāds cits kolēģis lika saprast, ka ideju un jēgas meklējumi, kā arī skatuves darbības atbilstība autora vārdam, ar kuru eksperimentē, ir neizskausts hēgelisms un novēlots sešdesmitais. Mūsdienās režisors piedāvā darbību-briļļu, kurā visas sastāvdaļas veic dialogu savā starpā, un šī sistēma ir noslēgta; Viņa ir vai nu Šillers, vai Sorokins – viss ir pa vecam.

Vai lugas veidotāji apzināti spēlēja spēli līdz nāvei, atstājot Šilleru, tradīcijas un dažreiz arī mākslu? Vai viņus nav aizkustinājusi vai aizkustinājusi dzeja? (Pants nav jūtams ritms, dzejolis nav dzirdams tiešā, nevis pārnestā nozīmē.) Un tad kāpēc kritiķi neatlaidīgi raksta par romantiskā patosa norietu, kad Šillers uzrakstīja klasicisma lugu visos aspektos, un tajā ietvertās pretrunas tikai pareģoja romantismu, noliedzot dzēlienu?

Vai šī spēle tiešām ir jautra?!

P.S. Pirms izrādes viņi lūdz papildu biļeti, uzņēmīgi tālākpārdevēji piedāvā pārmērīgas cenas, cerot, ka teātra fani un cienītāji maksās pārmērīgas cenas. Beigās ir ziedi un aplausi. Vārdu sakot, teātra dzīve rit kā parasti.