Fotografia abstrakcyjna to odejście od rzeczywistości, od rozpoznawania obiektów, kiedy cała uwaga skupia się na szczegółach, cechach, fakturze, kolorze. Nie ma ustalonych zasad, nie ma fabuły, ale zawsze jest pomysł, znaczenie i tajemnica. Można sfotografować wszystko, różnymi technikami, najprostszym aparatem i uzyskać ciekawe, oryginalne zdjęcia.
Ponieważ fotografia abstrakcyjna obejmuje wiele technik i kierunków, nie ma szczegółowego przewodnika po zasadach uprawiania tego rodzaju fotografii. Jeść ogólne zalecenia, co może być przydatne na początku.
Co fotografować podczas fotografowania abstrakcyjnego?
Dlatego ciekawe jest to, że obiektem do fotografowania może być absolutnie wszystko – przedmioty, cienie, faktura, kolor. Użyj swojej wyobraźni. Znajdź wokół siebie rzeczy, na które inni nie zwracają uwagi, szukaj czegoś wyjątkowego w zwykłych przedmiotach, zwracaj uwagę na szczegóły. Czy coś Cię zainteresowało, sprawiło, że zatrzymałeś się i przyjrzałeś się bliżej? Być może – to jest fotografia przyszłości – w fotografii abstrakcyjnej dominuje zasada „filcu – strzału”. Niezwykłe wzory można spotkać wszędzie– na wzór piasku na plaży kora drzewa, w płatku kwiatu liście. Jeśli jesteś na wybrzeżu, poszukaj miejsc, w których woda zebrała liście i kamienie, sfotografuj mokre kamyki, ślady stóp na piasku, wzory przypływów i odpływów oraz odbicia na wodzie. Miasto to także świetne miejsce na fotografię abstrakcyjną. Nowoczesne budynki często tak mają niezwykły kształt, dziwne kąty, krzywizny, kolorowe plamy, dużo szkła. Spróbuj fotografować z niskich i wysokich punktów, sfotografuj ulice, koronkę kutych ogrodzeń, wzory zniszczonych ścian. I oczywiście makrofotografia! Znajduje się tu wiele ciekawych obiektów, które łatwo rozpoznać na zdjęciach wykonanych z dużej odległości. Jeśli jednak sfotografujesz ten sam obiekt w trybie makro lub sfotografujesz tylko określony obszar, otrzymasz niezwykłe abstrakcyjne zdjęcie.
Kolor i światło.
W fotografii abstrakcyjnej kolor jest najważniejszy potężny sposób wpływ na widza i najłatwiejszy sposób na uatrakcyjnienie zdjęcia. Fotografując abstrakcje, nic Cię nie ogranicza. Niezależnie od tego, czy kolory są harmonijne, czy też nacisk położony jest na kontrast, zdjęcie może być jasne, kolorowe lub monochromatyczne, aby podkreślić fakturę obiektów. Jedną z kreatywnych technik jest podkreślanie koloru. Na przykład sfotografuj drzewo, na którym jeszcze nie zakwitły liście na tle niebieskie niebo. Lub jasny obiekt na białym tle.
Jak usunąć abstrakcję?
Punktem wyjścia dobrego abstrakcyjnego obrazu powinna być dobra fotografia, odpowiednio ustawiona, naświetlona, wykadrowana. Nie należy polegać na programach graficznych - jeśli obraz jest początkowo zły, to żadne efekty nie są w stanie go poprawić. Patrz przez wizjer, a nie przez wyświetlacz aparatu. Jeśli fotografujesz w trybie makro, wizjer musi być całkowicie wypełniony obiektem - w przeciwnym razie na zdjęciu pojawią się luki. Fotografując krajobrazy obiektywem szerokokątnym (jeśli fotografujesz przed sobą z bliskiej odległości), nie zapomnij rozejrzeć się po wizjerze – przy szerokim kącie Twoje stopy mogą również znaleźć się w kadrze. Jeśli chodzi o zasady ekspozycji i kompozycji, fotografia abstrakcyjna może kierować się ustalonymi kanonami lub je naruszać. Pracuj w trybie ręcznym, fotografuj z różnymi czasami otwarcia migawki i przysłoną. Eksperyment!
Z czego strzelać?
Nie musisz mieć w swoim arsenale obiektywu makro. Abstrakcyjne zdjęcie można wykonać przy użyciu dowolnej optyki. Fotografując architekturę miejską, teleobiektyw pozwoli zagęścić perspektywę i zbliżyć do siebie kolorowe plamy i obiekty. Dzięki szerokiemu kątowi możesz fotografować z bliska i na tle błękitnego nieba. Stały 50 mm jest bardzo wygodny w użyciu. Obiektyw ma szeroką przysłonę, zdjęcia będą kolorowe i artystyczne.
Czy fotografia abstrakcyjna jest warta Twojego czasu?
Nie każdy potrafi dostrzec niezwykłość w prostocie i nie każdego widza interesują fotografie, w których niewiele jest jasne. Jeśli zdecydujesz się spróbować swoich sił w tego typu fotografii, bądź przygotowany na to, że nie każdy zrozumie i doceni Twoje arcydzieło. Wyobraźnia każdego działa inaczej i tylko nieliczni zobaczą to, co chcesz pokazać na zdjęciu.
Fotografia abstrakcyjna wydaje się być czymś nieuchwytnym i trudnym do opisania konkretnym terminem. Być może wynikało to z abstrakcyjnego charakteru idei „abstrakcji” i zakorzenionych w społeczeństwie błędnych przekonań na temat tego typu fotografii.
Wiele opisanych ten temat z mojego subiektywnego punktu widzenia, a w tym artykule spróbuję przedstawić strukturę mojej pracy z fotografią abstrakcyjną. Nie będzie to ani dobre, ani złe, ale można je zastosować w swojej pracy, procesie myślowym i kreatywnych pomysłach.
Czym jest abstrakcja? Od tego pytania można rozpocząć całą dyskusję. Fotografowie są na zawsze przywiązani do fotografowanych obiektów. Nierozerwalne połączenie z „rzeczywistością” stwarza iluzję, że zawsze widzimy przed sobą fotografię wszystko a to czasami nadaje ton zdjęciu lub całkowicie je psuje. Ten sposób patrzenia na fotografię polega na dostrzeganiu tematu w otaczającym go świecie, na ich wzajemnym powiązaniu.
W Ogólny zarys abstrakcja to proces, podczas którego informacje są starannie usuwane, pozostawiając jedynie kontury i osłabiając połączenie obiektu ze zdjęciem. Na przykład weź kartkę papieru i długopis, rozłóż dłoń z rozstawionymi palcami i prześledź ją.
Teraz masz tylko zarys, model dłoni bez tekstury skóry, koloru, głębi kształtu itp. Ona nawet nie ma odcisków palców! Tak mniej więcej działa abstrakcja, odrzucamy część informacji i zostawiamy tylko to, czego potrzebujemy. Kontur pokazany na powyższym zrzucie ekranu niekoniecznie jest moją ręką. W ten sposób zostaje utracone połączenie między obiektem a obrazem.
Abstrakcyjne idee są bardziej uogólnione niż ich oryginalne tematy. Na przykład pojęcie „żywności” jest bardziej abstrakcyjne niż „owoc”, ale „jabłko” jest już konkretne. Może istnieć jeszcze bardziej szczegółowa opcja - „ zielone jabłko" W ten sposób następuje przejście od abstrakcji do precyzyjnego pojęcia.
Możesz powiedzieć: „Ale rysunek wyraźnie pokazuje, że to jest ręka. Jak to może być abstrakcyjnym obrazem? Jest to pułapka nieporozumień, w którą wpada wielu. Obrazy stają się abstrakcyjne nie dlatego, że nie są już rozpoznawalne. Dzieje się tak dlatego, że przekazują nie sam przedmiot, ale jego inne cechy - linie, faktury, kolor, kształt, wzory, rytm itp.
Sposoby tworzenia abstrakcyjnej fotografii
Jeśli abstrakcja oddala się od rzeczy pewnych i konkretnych, jak pokierować jej ruchem? Powiem tak: wszystkie fotografie są w pewnym stopniu abstrakcyjne! Za każdym razem, gdy robisz zdjęcie, kierujesz obiektyw na trójwymiarowy świat i wychodzi dwuwymiarowy, płaski obraz. Właśnie opuściłeś jeden wymiar za sobą. To jeden poziom abstrakcji, mimo że jesteśmy już do tego przyzwyczajeni.
Ponadto, jeśli zrobisz kolorowe zdjęcie i przekonwertujesz je na czarno-białe, wyrzucisz informację o kolorze. Jednak prawdziwe znaczenie fotografii abstrakcyjnej sięga znacznie głębiej niż w powyższych przykładach.
Abstrakcja poprzez izolację lub wykluczenie
Patrząc na obiekt, możesz dostrzec możliwość stworzenia abstrakcyjnej fotografii, ponieważ niektóre obszary mogą zawierać kontrastujące linie, tekstury, kolory, kształty lub formy, które są oddzielone od samego obiektu. Można to zrobić podczas kręcenia lub przycinając w postprodukcji, aby wyizolować interesujące obszary.
Powyższe ujęcie jest jednym z rodzajów abstrakcji, w którym przedmiot znajdujący się pod spodem, czymkolwiek by nie był, jest wycinany. Na koniec pozostały nam dwie mocne linie o ostrych krawędziach i ciekawej błyszczącej fakturze. To już nie jest fotografia „czegoś”, ale coś przedstawionego jako niezależna część, oddzielona od głównego tematu i opierająca się wyłącznie na liniach, kształtach, wzorach, fakturze, kolorze, rytmie i strukturze.
Abstrakcje poprzez zwiększenie odległości
W miarę oddalania się od tematu informacje giną. Może to być szczególnie widoczne na długie dystanse na przykład podczas fotografii lotniczej, gdzie widoczność zmniejsza się wraz ze wzrostem wysokości.
Powyższe zdjęcie jest jedną z prac z mojego cyklu Krajobrazy w podczerwieni(Krajobraz w podczerwieni). Zrobiłem je z okna samolotu podczas lotu z Providence do Salt Lake City, używając aparatu umożliwiającego fotografowanie w świetle podczerwonym. Elementy przypominające teksturę składają się z ogromnych wzgórz, gór i dolin. Wszystko wygląda maleńko, jak tekstura skóry pod mikroskopem. Oczywiście gruba pokrywa śnieżna również odegrała rolę w procesie abstrakcji, usuwając niektóre szczegóły.
Abstrakcja poprzez zmniejszenie odległości
Kiedy zbliżymy się do pewnych tematów, rzeczy, które zwykle są subtelne, mogą wydawać się izolowanymi, abstrakcyjnymi szczegółami. Na powyższym zdjęciu znajdują się grube linie wychodzące z łukowatego paska i czarnego konturu. Sam przedmiot staje się niematerialny. Jasny, jednolity pomarańczowy kolor dodatkowo podkreśla abstrakcyjność.
Abstrakcja w ruchu
Innym sposobem na odrzucenie informacji i utworzenie w ten sposób abstrakcyjnej fotografii jest ruch. Sam obiekt, fotograf, aparat lub wszyscy razem mogą się poruszać. Można to osiągnąć na przykład przesuwając aparat w górę podczas fotografowania drzew. Chociaż może to wyeliminować niektóre informacje, drzewa nadal stanowią główny element, choć w bardziej impresjonistyczny sposób. Mówię o ruchu, który w większym stopniu rozpuszcza informacje, pozostawiając po sobie pewne kolory, wzory i linie.
Powyższe zdjęcie zostało zrobione późnym wieczorem z jadącego pociągu, gdzieś pomiędzy Providence a Waszyngtonem. Linie i kolory powstały w wyniku ruchu pociągu i celowego obrotu kamery.
Abstrakcja wykorzystująca losowe wzory
Możesz rozpoznać, co przedstawia ta fotografia, lub nie – to nie ma znaczenia. Kluczowe jest to, że nie miałem kontroli nad powstaniem tego wzoru. Jedynym rozwiązaniem był moment, w którym nacisnąłem spust migawki. Nie opierałem się na tym, co widziałem, ale na moich oczekiwaniach, że aparat powinien uchwycić wzór w ciągu 5-6 sekund, niezależnie od jego kształtu. Podczas fotografowania odrzuciłem wiele klatek, ponieważ z pewnych powodów wynik nie był dla mnie interesujący.
Abstrakcja metodą zmiany
Kolor i odcienie - ważne elementy zdjęcia. Oczekujemy uzyskania pewnego połączenia pomiędzy różnymi częściami obrazu i ich kolorami. Tę oczekiwaną strukturę można zmienić w obróbce końcowej lub podczas fotografowania, tworząc zupełnie inny wygląd fotografii abstrakcyjnej.
Zdjęcie powyżej to kolejna praca z mojego cyklu Krajobrazy w podczerwieni. Do jego wykonania wykorzystano kamerę czułą na światło podczerwone. Zdjęcia te zazwyczaj mają różne kolory w zależności od interakcji ze światłem podczerwonym i czujnikiem aparatu. Sama też zmieniłam kolorystykę, dodając surrealizmu. Rezultatem jest migawka nienazwanego obszaru, wypełnionego trudnymi do rozpoznania szczegółami. Tekstury, wzory, linie i nowy kolor stały się elementami konstrukcyjnymi, a nie konkretnym miejscem na mapie. Nawet prosta inwersja może stworzyć ciekawe abstrakcyjne obrazy z niektórych fotografii.
wnioski
Rozpoznawanie obiektów nie ma tu nic do rzeczy fotografia abstrakcyjna. Uważam, że zasadnicza różnica polega na tym, czy artysta przedstawia przedmiot, czy inną strukturę graficzną. Spójrzcie na pracę Aarona Siskinda, na której widać łuszczącą się farbę lub stertę kamieni. W miarę jak to rozpoznawanie szybko zanika, powierzchnia zdjęcia i jego zawartość są oddzielone od obiektu. Innym przykładem jest fotografia ściany domu autorstwa André Kertésza, która wyraźnie pokazuje, że przed nami jest budynek, ale nie ma sensu się na tym skupiać, bo kadr jest pełen różnych figury geometryczne, tworząc mocną konstrukcję. Zdjęcie może mieć cechy abstrakcyjne lub być odczytywane na wiele różnych sposobów.
Nakreśliłem moje poglądy na temat tworzenia fotografii abstrakcyjnych, dając do myślenia. Używam tej samej struktury, patrząc na abstrakcyjne prace innych fotografów. To podejście może być przydatne do pracy lub zrozumienia fotografii abstrakcyjnej, ale może być bezużyteczne. W każdym razie chętnie wysłucham Waszych opinii w komentarzach.
Na początku XX wieku sztuka abstrakcyjna stała się dla fotografii szansą na penetrację obszaru malarstwa. Chociaż i tutaj pojawiła się pewna dwoistość: z jednej strony fotografia pomogła malarstwu zachodniemu położyć kres obsesyjnemu pragnieniu realizmu i być może sprowokowała pojawienie się malarstwa nieobiektywnego, a z drugiej strony stopniowo się zaczęła pędzić w stronę abstrakcji. Obszerną definicję tego kierunku w sztuce, całkiem odpowiedniego dla fotografii, podał Herbert Read w dziele „Sztuka nowoczesna” z 1948 roku: „Abstrakcją nazywamy wszystkie te dzieła sztuki, które choćby opierały się na artystycznym wyobrażeniu o dowolny przedmiot świat zewnętrzny, nabywają następnie samodzielną i samowystarczalną wartość estetyczną, nieopartą na żadnej obiektywnej rzeczywistości.”
W najszerszym rozumieniu fotografia abstrakcyjna jest bardzo różnorodną kategorią obrazów tworzonych za pomocą różne techniki i techniki, ale główna zasada dla którego jest odejściem od reprezentacji symbolicznej. Fotografia abstrakcyjna odrzuca pogląd, że należy przedstawić coś rozpoznawalnego, woląc zamiast tego obrać za temat sam obraz i proces jego powstawania. Dlatego do wczesnych przykładów fotografii abstrakcyjnej zaliczają się fotogeniczne rysunki Henry'ego Foxa Talbota, chronografy Etienne-Julesa Mareya i pejzaże miejskie Alfreda Stieglitza z początku XX wieku.
Sztuka abstrakcyjna jako ruch ostatecznie ukształtowała się w latach 1910–20 i obejmowała dosłownie wszystkie rodzaje sztuki, od malarstwa po fotografię. W jego głębi narodziło się wiele ruchów i tzw. „izmów”: kubizm, futuryzm, konstruktywizm i inne.
W 1913 roku Alvin Langton Coburn, kilka lat po abstrakcyjnych eksperymentach malarskich Wassily'ego Kandinsky'ego, umieścił serię pięciu fotografii zatytułowanych „Nowy Jork z góry” na swojej indywidualnej wystawie w Goupil Gallery w Londynie. To były widoki miasta zaczerpnięte wysoka temperatura i w dodatku ze zniekształconą perspektywą, co stworzyło iście abstrakcyjny rysunek placów i budynków.
Wśród autorów znajduje się awangarda fotografii tamtych czasów: Laszlo Moholy-Nagy, Erich Mendelsohn, Alexander Rodchenko i inni. Ale sława ojca fotografii abstrakcyjnej przypadła Coburnowi, a jego „vortografy” z 1917 roku otrzymały tytuł pierwszych fotografii abstrakcyjno-programowych. Aby je stworzyć, kierował kamerę na różne obiekty poprzez trójkątny pryzmat luster. Rok później Kritsian Schad całkowicie porzucił użycie aparatu przy tworzeniu obrazu – w ten sposób opracowano metodę znaną dziś jako fotogram.
Autor nazywał swoje prace „szadografami” i wzorując się na artystach abstrakcjonistów, zamiast tytułów, po prostu numerował obrazy. Wynalazek Schada opierał się na zasadzie zastosowanej przez Talbota w jego pierwszych eksperymentach z rysunkiem fotogenicznym: skrawki papieru i płaskie przedmioty umieszczane są na naświetlonym, światłoczułym papierze, w wyniku czego powstają sylwetki często przypominające malownicze kolaże kubistów. Fotograf przez całe życie pozostał wierny swojej technice, tworząc „shadografię” zarówno w 1917, jak i w 1977 roku. Wielu artystów, m.in. Man Ray, El Lissitzky, Laszlo Moholy-Nagy, Franz Roch, podjęło rodzący się fotogram jako najodpowiedniejszą i najbardziej wyrazistą technikę eksperymentalnych poszukiwań w obszarze form abstrakcyjnych.
Solaryzacja, „reiografia”, wielokrotne naświetlanie, techniki cliché-verre i fotomontaż stały się narzędziami tworzenia „nieobiektywnych” obrazów i nowego rozumienia świata. Powstałe w ten sposób nieprzewidywalne, abstrakcyjne wzory, zmierzające w stronę dwuwymiarowości, powierzchownie przypominały uporządkowane i przemyślane dzieła Wassilego Kandinsky'ego, Kazimierza Malewicza i Maxa Webera. Druga połowa XX wieku kontynuowała tę listę z luminogramem Kiliana Breuera i chemigramem Pierre’a Cordiera.
Tworzenie abstrakcyjnych obrazów nie ogranicza się jednak wyłącznie do manipulacji światłem i chemikaliami w ciemnym pomieszczeniu. Kolejną „odgałęzienie” fotografii abstrakcyjnej można nazwać „realizmem abstrakcyjnym”. Jej pierwszym przedstawicielem jest być może Paul Strand, ideolog ruchu „czystej” sztuki fotograficznej. Jego praca „Abstrakcja krzesła” z 1916 roku zdaje się deklarować podstawowe techniki realizujące dążenie do abstrakcji i charakterystyczne dla tej „branży”: filmowanie zbliżenie, niezwykłe kąty, efekty świetlne i wyraziste naturalne właściwości samych fotografowanych obiektów. W podobny sposób można było zmienić znajomy wygląd obiektów. Modelem mogą być dowolne obiekty z otaczającej rzeczywistości – od wzoru na liściach po ścianę domu.
Abstrakcyjne prace fotograficzne to rodzaj sztuki fotograficznej, która opiera się na postrzeganiu nie szczegółów i obiektów, jak w zwykłym obrazie, ale kształtu, koloru i linii. Aby nauczyć się postrzegać kolor i kształt, fotograf musi odejść od zwykłego postrzegania rzeczywistości, co często jest trudne. W artykule opisano metody uzyskiwania fotografii abstrakcyjnej.
Czym są zdjęcia abstrakcyjne?
Nie ma ogólnie przyjętej definicji fotografii abstrakcyjnej. Trudno zdefiniować coś abstrakcyjnego, dlatego będziemy się kierować niektórymi ogólne zasady i załóżmy, że:
- Fotografia abstrakcyjna nie przedstawia tematu w jego pełnej formie
- Opiera się nie na przedmiotach, ale na kształcie, kolorze i liniach.
Z tej definicji można wyciągnąć bardzo ważny wniosek: ponieważ mózg postrzega kształt i kolor, a nie przedmioty, logiczne myślenie w odbiorze takich fotografii jest on zaangażowany w mniejszym stopniu. Zatem fotografia abstrakcyjna pozwala oku lepiej zobaczyć kompozycję fotografii, a jeśli jest dobra, fotografia wywołuje w człowieku pozytywne emocje. A emocje, jak wiemy, wpływają na ludzkie zachowanie silniej niż logika.
Tym samym fotografia abstrakcyjna, podkreślając kształt, kolor i linie, wywołuje reakcję mentalną związaną między innymi z układem nerwowym człowieka. Na przykład dobrze wiadomo, że ludzki układ nerwowy w taki czy inny sposób reaguje na obiekty o określonym kolorze i kontraście.
Warto zaznaczyć, że fotografia abstrakcyjna nie zawsze jest czymś nierozpoznawalnym. Bardzo często jest to część obiektu lub miejsca znanego widzowi.
Dlaczego fotografia abstrakcyjna jest potrzebna?
Istnieje wiele innych kierunków w fotografii, które są nie mniej atrakcyjne niż fotografia abstrakcyjna. A jednak, oprócz piękna kształtów i linii, abstrakcyjne fotografie są bardzo wygodne dla myślącego fotografa. Aby uzyskać piękne krajobrazy i egzotyczne miejsca, musisz podróżować i mieć na to środki, ale abstrakcyjne ujęcie można wykonać na rogu własnego domu.
Podstawowe zasady
Ponieważ fotografia abstrakcyjna opiera się na formie, linii i kolorze, wymaga od fotografa głębokiego zrozumienia tych aspektów.
Formularz
Ciekawy kształt mogą mieć dowolne obiekty w otaczającej fotografa rzeczywistości. Forma może służyć jako podstawa kompozycji. Generalnie to forma tworzy kompozycję obrazu, a linie i kolor ją uzupełniają. Zatem dobra fotografia abstrakcyjna musi zaczynać się od dobrej formy. Można go znaleźć w obiektach dynamicznych, przyjemnych lub po prostu ciekawy kształt. Nie ma żadnych kryteriów wyboru formy. Jeśli jednak forma wywołuje u fotografa emocje, a na fotografii jest zrównoważona kompozycyjnie, to może wywołać taką samą reakcję u widza.
Kolor
Kolor często przyciąga uwagę człowieka i go podnieca. system nerwowy. W fotografii abstrakcyjnej do osiągnięcia najlepszy efekt kolor można zwiększyć nasyceniem za pomocą edytora graficznego.
Kontrast
Innym sposobem tworzenia dynamicznych zdjęć jest użycie w nich kontrastu. Bardzo prosta w kompozycji rama może przykuć uwagę jedynie dzięki kontrastowi.
Linie
Linie zawsze czynią fotografię abstrakcyjną bardziej interesującą. Za ich pomocą kontrolowany jest ruch oczu. Istnieje kilka sposobów wykorzystania linii. Pierwszym z nich jest skierowanie linii do wizualnego środka obrazu (do środka, w którym znajduje się interesujący obiekt). Na przykład na tym zdjęciu są schody prowadzące do centrum wizualnego (stos trzech jabłek). Linie te kierują wzrok widza na semantyczne centrum obrazu.
Drugi sposób użycia linii nie polega na kierowaniu ich w stronę centrum wizualnego, ale po prostu na narysowaniu ich w poprzek kadru. Linie zawsze zmuszają oko do analizy fotografii, a jeśli nie ma centrum wizualnego, oko może wędrować po obrazie przez bardzo długi czas. Jednak pomimo dopuszczalne użycie tej techniki w fotografii abstrakcyjnej, w fotografii klasycznej lepiej jej nie stosować, bo psuje to wrażenie zdjęcia.
Brytyjczyk Josh Adamski zyskał sławę dzięki sztuce fotografii konceptualnej. Urodził się i spędził większość swojego życia w Wielkiej Brytanii, ale obecnie mieszka w Izraelu. Duża część prac Adamskiego skupia się wokół wody, gdyż mieszka on blisko plaży i czerpie inspiracje z tematu morza. W swoich pracach ważna rola odgrywa abstrakcję. Josh przetwarza swoje zdjęcia w edytorach zdjęć, aby uczynić je jeszcze bardziej abstrakcyjnymi i wyrazistymi. Miasto, wybrzeże, parki i skwery – wszystko to, co jest tu i teraz, z pewnością znajduje odzwierciedlenie w niesamowitych, fantastycznych fotografiach tego autora. Dają nie tylko zachwyt, ale i inspirację.
(Łącznie 29 zdjęć)
1. Josh Adamski urodził się w 1948 roku w Wielkiej Brytanii, gdzie spędził większość swojego życia.
2. Josh zaczął interesować się fotografią od dzieciństwa, często błagając ojca o aparat do pierwszych eksperymentów.
4. Dziś nazwisko Josha Adamskiego wymieniane jest w gronie mistrzów współczesnej fotografii, artystów-fotografów, którzy nie tylko umiejętnie prezentują swoje prace, udoskonalając je cyfrową obróbką, ale także nadają im sens, pomysł i duszę.
5. Za swoje motto uważa stwierdzenie Ansela Adamsa „Nie robisz zdjęcia, robisz to”, co można przetłumaczyć jako „Nie powinieneś robić zdjęcia, powinieneś zrobić zdjęcie” i specjalizuje się w oszałamiająca, imponująca, konceptualna fotografia pejzażu miejskiego.
6. Josh Adamski jest pewien, że nie ma zasad na zrobienie dobrego zdjęcia: są tylko zasady. dobrzy fotografowie, których prace zapierają dech w piersiach nawet wtedy, gdy powstają z pominięciem wszelkich obowiązujących zasad.
7. Josh Adamski rejestruje wspaniałe panoramy i zamienia je w dzieła sztuki w swoim niezwykłym, abstrakcyjnym stylu.
8. Odległe sylwetki dodają intrygi, a gładkie linie i rozmycie pewnej części obrazu wprowadzają tajemniczy spokój.
10. Miękkie linie i rozmyte sylwetki nadają pracom atmosferę spokoju, a mistrzowskie wykorzystanie koloru pozwala widzowi skierować percepcję fotografii we właściwym kierunku.
12. Fotografie Adamskiego pozwalają przenieść się w inny świat, pełen nie tylko ciszy i spokoju, ale także szczególnej mocy, która zapiera dech w piersiach i nie pozwala oderwać wzroku od fantastycznych zdjęć.
