Ursula Abres urodziła się w Argentynie i wychowała w Chile. Z czasem przeniosła się do Stanów Zjednoczonych, aby studiować na uniwersytecie, a jeszcze później przeniosła się na stałe do Kanady. Nadal mieszka w Kolumbii Brytyjskiej w Kanadzie. To piękna prowincja. Tutaj krajobraz górski jest rozcieńczony dużą liczbą drzew, jezior i rzek, wodospadów, skał i dzika przyroda. To miejsce jest idealne do zamieszkania dla Urszuli.
Jest mężatką, a ich rodzina ma pięcioro dzieci. Edukacja Ursuli Abresch jest związana ze sztuką i historią, ale w w tej chwili większość swojego czasu poświęca fotografii.
2) Co poprzedza powstanie tak pięknych dzieł?
Głównym zadaniem jest poszukiwanie i odkrywanie tego, co stanowi przedmiot. Są to pewne podstawowe cechy każdego przedmiotu, które pozwalają przeniknąć do jego istoty. Zidentyfikuj coś podstawowego na dany temat. Nie oznacza to, że powinieneś patrzeć tylko na drzewa i wodę. Chodzi bardziej o percepcję emocjonalną, o nastrój. Ursula lubi myśleć o wszystkich tych obiektach jako o abstrakcjach. Może więc umieścić je na obrazie, a jednocześnie zmienia się jej percepcja, zaczyna je widzieć, słyszeć i czuć.
Poza tym, aby stworzyć takie fotografie, muszą one przynajmniej budzić sympatię. Podobnie jak niektórzy wolą fotografię czarno-białą, portrety lub krajobrazy. Musisz pokochać abstrakcję. To wpływa na światopogląd i sposób myślenia. Możesz docenić inne kierunki, ale abstrakcja powinna budzić szczególny zachwyt. To powinien być powód, dla którego się tego podejmujesz. Właściwie ta definicja jest typowa dla każdego Twojego działania.
3) Obróbka końcowa obrazów
Obecnie Ursula Abresch fotografuje wyłącznie aparatem cyfrowym i bardzo to uwielbia. W końcu daje to znacznie większe możliwości eksperymentowania, jakich nigdy nie uzyskasz kamerą filmową. Technologie cyfrowe otwierają przed wieloma ludźmi nowe sposoby wyrażania siebie.
Podczas fotografowania dowolnym aparatem ostateczna wersja obrazu jest nadal nieznana. W tego typu fotografii po prostu nie ma możliwości ostatecznego wyświetlenia obrazu na wydruku lub na monitorze bez użycia Photoshopa lub innego oprogramowania fotograficznego do edycji zdjęć na pewnym etapie. Ostatecznym celem procesu filmowania jest drukowanie lub filmowanie obrazu, a w cyfrowym świecie nie da się tego zrobić bez późniejszej obróbki.
Nawet podczas fotografowania należy pamiętać, że będziesz przetwarzać końcowo i prezentować możliwa opcja ostateczny obraz.
Niektórzy fotografowie uważają, że używając złego zdjęcia jako obrazu bazowego, można je przetworzyć i zamienić w arcydzieło. Ale najlepiej będzie, jeśli zaczniesz od dobrego zdjęcia, a następnie je poddasz edycji, aby wydobyć z niego to, co najlepsze. Przetwarzanie końcowe jest niezła część tworząc ostateczny obraz. Sztuka polega na określeniu, jak mało lub ile zmian wymaga dane ujęcie. Przecież bardzo łatwo jest go nie dokończyć, a także przesadzić z obróbką.
Czasami proces przetwarzania przebiega bardzo szybko. Czasami obraz w ogóle nie wymaga edycji. Jest piękny sam w sobie, bez modyfikacji. W innych przypadkach proces może zająć trochę czasu, podczas którego określisz, które zmiany są istotne dla konkretnego obrazu. Zdarza się, że aby poprawić zdjęcie trzeba je dość długo przetwarzać.
Obróbka końcowa obrazu nie jest procesem twórczym. W końcu nie tworzysz niczego, ale wydobywasz z każdego obrazu to, co najlepsze. Nieważne, jak mało i jak wiele pracy potrzeba, aby osiągnąć swój cel.
4) Sprzęt fotograficzny i akcesoria do fotografowania
Ursula Abresch tworzy swoje piękne zdjęcia przy użyciu następujących materiałów:
Kamery: Nikon D7000, Nikon D200, Lumix DMC-TS4 (na spacery i dla nostalgii)
Soczewki: Sigma 150mm f/2.8 Macro, Nikon E series MF 75-150mm f/3.5 zoom, Lensbaby 2.0, Sigma 70-300mm f/4-5.6 APO DG Macro, Tokina AF 12-24mm F/4 DX, Nikon AF 50mm f /1,8.
Akcesoria:
Statyw Vanguard Alta z głowicą statywową serii Manfrotto 486RC2
Flash Metz 36 AF-5
Torba Kata Light Pic 60-DL.
Oprogramowanie bezpieczeństwo
aby edytować zdjęcia: Adobe Photoshopie CS6 i Photomatix na 27-calowym iMacu
Drukarka Hewlett Packard Photosmart Pro B9180
papier Ursula obecnie preferuje Ilford Gold Fibre.
5) Wskazówki dla początkujących fotografów zainteresowanych fotografią abstrakcyjną
Standardowe porady dotyczące każdego rodzaju fotografii:
Dokładnie poznaj swój sprzęt i jego potencjał. Ćwicz jak najwięcej. I maksymalne eksperymenty.
I zawsze pamiętaj, że aspekty techniczne są bardzo ważne, ale najważniejsza jest Twoja percepcja artystyczna. To właśnie tworzy fotografię.
Odnośnie konkretnie abstrakcyjny zdjęcia , wówczas bardziej szczegółowa znajomość wszystkich form sztuki abstrakcyjnej przyniesie ci ogromne korzyści. Zacznij oglądać i czytać na ten temat. Zinternalizujesz ten sposób myślenia i włączysz go do swojego światopoglądu i swojej pracy.
I jeszcze jedno bardzo ważny punkt w fotografii abstrakcyjnej. Rzecz w tym, że to, że zdjęcie jest piękne, nie oznacza, że widz będzie nim przesiąknięty. Zazwyczaj prace abstrakcyjne wykraczają poza zwykłe piękno wizualne. Dominują tu uczucia, nastrój, historia. Niesamowita atrakcyjność wizualna w połączeniu z wyraźnym nastrojem, historią i uczuciami to składniki, które tworzą imponujący abstrakcyjny obraz.
W ubiegłym stuleciu ruch abstrakcyjny stał się prawdziwym przełomem w historii sztuki, ale było to całkiem naturalne – ludzie zawsze poszukiwali nowych form, właściwości i idei. Ale nawet w naszym stuleciu ten styl sztuki rodzi wiele pytań. Czym jest sztuka abstrakcyjna? Porozmawiajmy o tym dalej.
Sztuka abstrakcyjna w malarstwie i sztuce
Stylowy abstrakcjonizm artysta posługuje się wizualnym językiem kształtów, konturów, linii i kolorów, aby zinterpretować temat. Kontrastuje to z tradycyjnymi formami sztuki, które przyjmują bardziej literacką interpretację tematu - przekazując „rzeczywistość”. Abstrakcjonizm odsuwa się jak najdalej od klasycznej sztuki pięknej; reprezentuje świat obiektywny zupełnie inaczej niż w prawdziwym życiu.
Sztuka abstrakcyjna rzuca wyzwanie umysłowi obserwatora i jego emocjom – aby w pełni docenić dzieło sztuki, obserwator musi uwolnić się od potrzeby zrozumienia tego, co artysta chce powiedzieć, ale musi sam poczuć emocję odpowiedzi. Wszystkie aspekty życia nadają się do interpretacji poprzez sztukę abstrakcyjną - wiara, lęki, namiętności, reakcje na muzykę lub przyrodę, obliczenia naukowe i matematyczne itp.
Ten nurt w sztuce narodził się w XX wieku wraz z kubizmem, surrealizmem, Dadaizmem i innymi, choć dokładny czas nieznany. Za głównych przedstawicieli nurtu sztuki abstrakcyjnej w malarstwie uważa się takich artystów, jak Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimierz Malewicz, Frantisek Kupka i Piet Mondrian. Porozmawiamy dalej o ich twórczości i ważnych obrazach.
Malarstwo znanych artystów: sztuka abstrakcyjna
Wasilija Kandinsky’ego
Kandinsky był jednym z pionierów sztuki abstrakcyjnej. Poszukiwania rozpoczął od impresjonizmu, a dopiero potem doszedł do stylu abstrakcjonizmu. W swojej twórczości wykorzystywał relację między kolorem i formą, aby stworzyć przeżycie estetyczne, które obejmowało zarówno wizję, jak i emocje widza. Uważał, że całkowita abstrakcja daje pole do głębokiej, transcendentnej ekspresji, a kopiowanie rzeczywistości tylko zakłóca ten proces.
Malarstwo było dla Kandinsky’ego głęboko duchowe. Starał się przekazać głębię ludzkich emocji za pomocą uniwersalnego języka wizualnego abstrakcyjnych kształtów i kolorów, który przekraczałby granice fizyczne i kulturowe. Widział abstrakcjonizm jako idealny tryb wizualny, który może wyrazić „wewnętrzną potrzebę” artysty oraz przekazać ludzkie idee i emocje. Uważał się za proroka, którego misją było dzielenie się tymi ideałami ze światem dla dobra społeczeństwa.
„Kompozycja IV” (1911)
Ukryte w jasnych kolorach i wyraźnych czarnych liniach przedstawiają kilku Kozaków z włóczniami, a także łodzie, figurki i zamek na szczycie wzgórza. Jak wiele obrazów z tego okresu, przedstawia apokaliptyczną bitwę, która doprowadzi do wiecznego pokoju.
Aby ułatwić rozwój nieobiektywnego stylu malarstwa, opisanego w dziele O duchowości w sztuce (1912), Kandinsky redukuje przedmioty do symboli piktograficznych. Usuwając większość odniesień do do świata zewnętrznego Kandinsky wyraził swoją wizję w bardziej uniwersalny sposób, przekładając duchową istotę podmiotu poprzez wszystkie te formy na język wizualny. Wiele z tych symbolicznych postaci zostało powtórzonych i udoskonalonych w jego późniejszych pracach, stając się jeszcze bardziej abstrakcyjnymi.
Kazimierz Malewicz
Poglądy Malewicza na temat formy i znaczenia w sztuce w jakiś sposób prowadzą do koncentracji na teorii abstrakcyjnego stylu artystycznego. Malewicz współpracował różne style w malarstwie, ale najbardziej skupiał się na badaniu czystych kształtów geometrycznych (kwadratów, trójkątów, kół) i ich wzajemnych relacji w przestrzeni obrazu.
Dzięki kontaktom na Zachodzie Malewicz mógł przekazywać swoje idee malarskie przyjaciołom artystów w Europie i Stanach Zjednoczonych, a tym samym wywarł głęboki wpływ na ewolucję sztuki współczesnej.
„Czarny kwadrat” (1915)
Ikoniczny obraz „Czarny kwadrat” został po raz pierwszy pokazany przez Malewicza na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 roku. Praca ta ucieleśnia teoretyczne zasady suprematyzmu rozwinięte przez Malewicza w jego eseju „Od kubizmu i futuryzmu do suprematyzmu: nowy realizm w malarstwie”.
Na płótnie przed widzem pojawia się abstrakcyjna forma w postaci czarnego kwadratu narysowanego na białym tle – jest to jedyny element kompozycji. Choć obraz sprawia wrażenie prostego, pod czarnymi warstwami farby widoczne są takie elementy jak odciski palców i pociągnięcia pędzla.
Dla Malewicza kwadrat oznacza uczucia, a biel oznacza pustkę, nicość. Postrzegał czarny kwadrat jako boską obecność, ikonę, jakby mógł stać się nowym sakralnym obrazem dla sztuki niefiguratywnej. Nawet na wystawie obraz ten został umieszczony w miejscu, w którym zwykle umieszcza się ikonę w rosyjskim domu.
Pieta Mondriana
Piet Mondrian, jeden z założycieli holenderskiego ruchu De Stijl, jest ceniony za czystość swoich abstrakcji i metodyczną praktykę. Dość radykalnie upraszczał elementy swoich obrazów, aby oddać to, co widział, nie bezpośrednio, ale w przenośni, a także stworzyć w swoich płótnach jasny i uniwersalny język estetyczny.
W swoich najsłynniejszych obrazach z lat dwudziestych Mondrian zredukował formy do linii i prostokątów, a paletę do najprostszej. Zastosowanie równowagi asymetrycznej stało się podstawą rozwoju sztuki współczesnej, a jego kultowe abstrakcyjne prace pozostają wpływowe w projektowaniu i są znane dzisiejszej kulturze popularnej.
„Szare drzewo” (1912)
„Szare drzewo” jest przykładem wczesnego przejścia Mondriana do stylu abstrakcjonizm. Trójwymiarowe drewno zredukowane jest do najprostszych linii i płaszczyzn, używając jedynie szarości i czerni.
Obraz ten należy do serii dzieł Mondriana, które powstały w bardziej realistycznym podejściu, gdzie np. drzewa są przedstawione w sposób naturalistyczny. Podczas gdy późniejsze prace stawały się coraz bardziej abstrakcyjne, na przykład linie drzewa są redukowane, aż kształt drzewa jest ledwo zauważalny i wtórny w stosunku do ogólnej kompozycji linii pionowych i poziomych.
Tutaj także widać zainteresowanie Mondriana porzuceniem zorganizowanej organizacji linii. Ten krok był znaczący dla rozwoju czystej abstrakcji Mondriana.
Roberta Delaunaya
Delaunay był jednym z pierwszych artystów sztuki abstrakcyjnej. Jego twórczość wpłynęła na rozwój tego kierunku, opartego na napięciu kompozycyjnym, jakie wywoływało przeciwstawienie kolorów. Szybko wpadł pod wpływy neoimpresjonistycznej kolorystyki i bardzo ściśle przestrzegał kolorystyki dzieł utrzymanych w stylu abstrakcjonizmu. Kolor i światło uważał za główne narzędzia, za pomocą których można wpływać na rzeczywistość świata.
Do 1910 roku Delaunay wniósł swój własny wkład w kubizm w postaci dwóch serii obrazów przedstawiających katedry i Wieżę Eiffla, które łączyły w sobie kubiczne formy, dynamikę ruchu i jasne kolory. Ten nowy sposób Zastosowanie harmonii kolorów pomogło oddzielić ten styl od ortodoksyjnego kubizmu, otrzymując miano orfizmu, i natychmiast wpłynęło na europejskich artystów. Żona Delaunaya, artystka Sonia Turk-Delone, nadal malowała w tym samym stylu.
„Wieża Eiffla” (1911)
Główne dzieło Delaunaya poświęcone jest Wieży Eiffla, słynnemu symbolowi Francji. Jest to jeden z najbardziej imponujących z serii jedenastu obrazów poświęconych Wieży Eiffla w latach 1909–1911. Pomalowany jest na jaskrawą czerwień, co od razu odróżnia go od szarości otaczającego miasta. Imponujący rozmiar płótna jeszcze bardziej zwiększa majestat tego budynku. Wieża niczym duch wznosi się ponad okoliczne domy, metaforycznie wstrząsając fundamentami starego porządku.
Malarstwo Delaunaya oddaje poczucie bezgranicznego optymizmu, niewinności i świeżości czasów, które nie były jeszcze świadkami dwóch wojen światowych.
Franciszek Kupka
František Kupka to czechosłowacki artysta malujący w tym stylu abstrakcjonizm, absolwentka Praskiej Akademii Sztuk Pięknych. Jako student głównie czerpał motywy patriotyczne i pisał kompozycje historyczne. Jego wczesne prace miały charakter bardziej akademicki, jednak z biegiem lat jego styl ewoluował i ostatecznie przeniósł się w stronę sztuki abstrakcyjnej. Napisane w sposób bardzo realistyczny, już wczesne jego dzieła zawierały mistyczne, surrealistyczne motywy i symbole, które zachowały się podczas pisania abstrakcji.
Kupka wierzył, że artysta i jego dzieło biorą udział w ciągłej działalności twórczej, której charakter jest nieograniczony, niczym absolut.
„Amorfa. Fuga w dwóch kolorach” (1907-1908)
Począwszy od lat 1907-1908 Kupka zaczął malować cykle portretów dziewczynki trzymającej w dłoni piłkę, jakby miała się nią bawić lub tańczyć. Następnie opracowywał coraz bardziej schematyczne obrazy, aż w końcu otrzymał serię całkowicie abstrakcyjnych rysunków. Wykonano je w ograniczonej palecie czerwieni, błękitu, czerni i bieli.
W 1912 roku w Salonie d'Automne jedna z tych abstrakcyjnych prac została po raz pierwszy publicznie wystawiona w Paryżu.
Styl abstrakcjonizmu nie traci swojej popularności w malarstwie XXI wieku - miłośnicy sztuki współczesnej nie mają nic przeciwko dekorowaniu swojego domu takim arcydziełem, a dzieła w tym stylu chodzą pod młotek na różnych aukcjach za bajeczne sumy.
Poniższy film pomoże Ci dowiedzieć się jeszcze więcej o abstrakcjonizmie w sztuce:
Fotografia abstrakcyjna wydaje się być czymś nieuchwytnym i trudnym do opisania konkretnym terminem. Może to wynikać z abstrakcyjnego charakteru idei „abstrakcji” i zakorzenionych błędnych przekonań na temat tego typu fotografii.
Wiele opisanych ten temat z mojego subiektywnego punktu widzenia, a w tym artykule spróbuję przedstawić strukturę mojej pracy z fotografią abstrakcyjną. Nie będzie to ani dobre, ani złe, ale można je zastosować w swojej pracy, procesie myślowym i kreatywnych pomysłach.
Czym jest abstrakcja? Od tego pytania można rozpocząć całą dyskusję. Fotografowie są na zawsze przywiązani do fotografowanych obiektów. Nierozerwalne połączenie z „rzeczywistością” stwarza iluzję, że zawsze widzimy przed sobą fotografię wszystko a to czasami nadaje ton zdjęciu lub całkowicie je psuje. Ten sposób patrzenia na fotografię polega na dostrzeganiu tematu w otaczającym go świecie, na ich wzajemnym powiązaniu.
W ogólny zarys abstrakcja to proces, podczas którego informacje są starannie usuwane, pozostawiając jedynie kontury i osłabiając połączenie obiektu ze zdjęciem. Na przykład weź kartkę papieru i długopis, rozłóż dłoń z rozstawionymi palcami i prześledź ją.
Teraz masz tylko zarys, model dłoni bez tekstury skóry, koloru, głębi kształtu itp. Ona nawet nie ma odcisków palców! Tak mniej więcej działa abstrakcja, odrzucamy część informacji i zostawiamy tylko to, czego potrzebujemy. Kontur pokazany na powyższym zrzucie ekranu niekoniecznie jest moją ręką. W ten sposób zostaje utracone połączenie między obiektem a obrazem.
Abstrakcyjne idee są bardziej uogólnione niż ich oryginalne tematy. Na przykład pojęcie „żywności” jest bardziej abstrakcyjne niż „owoc”, ale „jabłko” jest już konkretne. Może istnieć jeszcze bardziej szczegółowa opcja - „zielone jabłko”. W ten sposób następuje przejście od abstrakcji do precyzyjnego pojęcia.
Możesz powiedzieć: „Ale rysunek wyraźnie pokazuje, że to jest ręka. Jak to może być abstrakcyjnym obrazem? Jest to pułapka nieporozumień, w którą wpada wielu. Obrazy stają się abstrakcyjne nie dlatego, że nie są już rozpoznawalne. Dzieje się tak dlatego, że przekazują nie sam przedmiot, ale jego inne cechy - linie, faktury, kolor, kształt, wzory, rytm itp.
Sposoby tworzenia abstrakcyjnej fotografii
Jeśli abstrakcja oddala się od rzeczy pewnych i konkretnych, jak pokierować jej ruchem? Powiem tak: wszystkie fotografie są w pewnym stopniu abstrakcyjne! Za każdym razem, gdy robisz zdjęcie, kierujesz obiektyw na trójwymiarowy świat i wychodzi dwuwymiarowy, płaski obraz. Właśnie opuściłeś jeden wymiar za sobą. To jeden poziom abstrakcji, mimo że jesteśmy już do tego przyzwyczajeni.
Ponadto, jeśli zrobisz kolorowe zdjęcie i przekonwertujesz je na czarno-białe, wyrzucisz informację o kolorze. Jednak prawdziwe znaczenie fotografii abstrakcyjnej sięga znacznie głębiej niż w powyższych przykładach.
Abstrakcja poprzez izolację lub wykluczenie
Patrząc na obiekt, możesz dostrzec możliwość stworzenia abstrakcyjnej fotografii, ponieważ niektóre obszary mogą zawierać kontrastujące linie, tekstury, kolory, kształty lub formy, które są oddzielone od samego obiektu. Można to zrobić podczas kręcenia lub przycinając w postprodukcji, aby wyizolować interesujące obszary.
Powyższe ujęcie jest jednym z rodzajów abstrakcji, w którym przedmiot znajdujący się pod spodem, czymkolwiek by nie był, jest wycinany. Na koniec pozostały nam dwie mocne linie o ostrych krawędziach i ciekawej błyszczącej fakturze. To już nie jest fotografia „czegoś”, ale coś przedstawionego jako niezależna część, oddzielona od głównego tematu i opierająca się wyłącznie na liniach, kształtach, wzorach, fakturze, kolorze, rytmie i strukturze.
Abstrakcje poprzez zwiększenie odległości
W miarę oddalania się od tematu informacje giną. Może to być szczególnie widoczne na duże odległości na przykład podczas fotografii lotniczej, gdzie widoczność zmniejsza się wraz ze wzrostem wysokości.
Powyższe zdjęcie jest jedną z prac z mojego cyklu Krajobrazy w podczerwieni(Krajobraz w podczerwieni). Zrobiłem je z okna samolotu lecącego z Providence do Salt Lake City, używając aparatu umożliwiającego fotografowanie w świetle podczerwonym. Elementy przypominające teksturę składają się z ogromnych wzgórz, gór i dolin. Wszystko wygląda maleńko, jak tekstura skóry pod mikroskopem. Oczywiście gruba pokrywa śnieżna również odegrała rolę w procesie abstrakcji, usuwając niektóre szczegóły.
Abstrakcja poprzez zmniejszenie odległości
Kiedy zbliżymy się do pewnych tematów, rzeczy, które zwykle są subtelne, mogą wydawać się izolowanymi, abstrakcyjnymi szczegółami. Na powyższym zdjęciu znajdują się grube linie wychodzące z łukowatego paska i czarnego konturu. Sam przedmiot staje się niematerialny. Jasny, jednolity pomarańczowy kolor dodatkowo podkreśla abstrakcyjność.
Abstrakcja w ruchu
Innym sposobem na odrzucenie informacji i utworzenie w ten sposób abstrakcyjnej fotografii jest ruch. Sam obiekt, fotograf, aparat lub wszyscy razem mogą się poruszać. Można to osiągnąć na przykład przesuwając aparat w górę podczas fotografowania drzew. Chociaż może to wyeliminować niektóre informacje, drzewa nadal stanowią główny element, choć w bardziej impresjonistyczny sposób. Mówię o ruchu, który w większym stopniu rozpuszcza informacje, pozostawiając po sobie pewne kolory, wzory i linie.
Powyższe zdjęcie zostało zrobione późnym wieczorem z jadącego pociągu, gdzieś pomiędzy Providence a Waszyngtonem. Linie i kolory powstały w wyniku ruchu pociągu i celowego obrotu kamery.
Abstrakcja wykorzystująca losowe wzory
Możesz rozpoznać, co przedstawia ta fotografia, lub nie – to nie ma znaczenia. Kluczowe jest to, że nie miałem kontroli nad powstaniem tego wzoru. Jedynym rozwiązaniem był moment, w którym nacisnąłem spust migawki. Nie opierałem się na tym, co widziałem, ale na moich oczekiwaniach, że aparat powinien uchwycić wzór w ciągu 5-6 sekund, niezależnie od jego kształtu. Podczas fotografowania odrzuciłem wiele klatek, ponieważ z pewnych powodów wynik nie był dla mnie interesujący.
Abstrakcja metodą zmiany
Kolor i odcienie są ważnymi elementami fotografii. Oczekujemy uzyskania pewnego połączenia pomiędzy różnymi częściami obrazu i ich kolorami. Tę oczekiwaną strukturę można zmienić w obróbce końcowej lub podczas fotografowania, tworząc zupełnie inny wygląd fotografii abstrakcyjnej.
Zdjęcie powyżej to kolejna praca z mojego cyklu Krajobrazy w podczerwieni. Do jego wykonania wykorzystano kamerę czułą na światło podczerwone. Zdjęcia te zazwyczaj mają różne kolory w zależności od interakcji ze światłem podczerwonym i czujnikiem aparatu. Sama też zmieniłam kolorystykę, dodając surrealizmu. Rezultatem jest migawka nienazwanego obszaru, wypełnionego trudnymi do rozpoznania szczegółami. Tekstury, wzory, linie i nowy kolor stały się elementami konstrukcyjnymi, a nie konkretnym miejscem na mapie. Nawet prosta inwersja może stworzyć ciekawe abstrakcyjne obrazy z niektórych fotografii.
Wnioski
Rozpoznawanie obiektów nie ma nic wspólnego z fotografią abstrakcyjną. Uważam, że zasadnicza różnica polega na tym, czy artysta przedstawia przedmiot, czy inną strukturę graficzną. Spójrzcie na pracę Aarona Siskinda, na której widać łuszczącą się farbę lub stertę kamieni. W miarę jak to rozpoznawanie szybko zanika, powierzchnia zdjęcia i jego zawartość są oddzielone od obiektu. Innym przykładem jest fotografia ściany domu autorstwa André Kertésza, która wyraźnie pokazuje, że przed nami znajduje się budynek, ale nie ma sensu się na tym skupiać, bo kadr jest pełen różnych kształty geometryczne, tworząc mocną konstrukcję. Zdjęcie może mieć cechy abstrakcyjne lub być odczytywane na wiele różnych sposobów.
Nakreśliłem moje poglądy na temat tworzenia fotografii abstrakcyjnych, dając do myślenia. Używam tej samej struktury, patrząc na abstrakcyjne prace innych fotografów. To podejście może być przydatne do pracy lub zrozumienia fotografii abstrakcyjnej, ale może być bezużyteczne. W każdym razie chętnie wysłucham Waszych opinii w komentarzach.
W moskiewskim środowisku kulturalnym trudno zaskoczyć fotografią abstrakcyjną, ale jednocześnie nie ma jeszcze stałego kierunku, który byłby rozpoznawalny i mógłby się głośno zadeklarować. Może to wynikać z czegokolwiek, ale nie z braku wybitnych fotografów, zwłaszcza jeśli mówimy o Moskwie. Artykuł ten jest próbą uzupełnienia istniejącej luki informacyjnej w tym kierunku. Być może tak przyzwyczailiśmy się bać czegoś niezwykłego, że próby wyrwania się z ustalonych ram w jakimkolwiek obszarze odbierane są jako bunt i coś wrogiego.
Abstrakcja, a w szczególności fotografia abstrakcyjna, to właśnie odrzucenie normy, jako łańcuchów krępujących artystę. Taką sztukę tworzyli na przykład Man Ray, Georgie Kepes i Moholy-Nagy. W pewnym momencie poczuli się ciasni w zwykłych gatunkach i chcieli uciec od niekończących się pejzaży i portretów. Sama fotografia szybko rozwinęła unikalne metody wytwarzania obrazów, takie jak solaryzacja, fotogram, izohel i autografia. A teraz o wyglądzie technologie cyfrowe, dając ogromne możliwości obróbki obrazu, widzimy szał na fotografię, ale jednocześnie sztuka abstrakcyjna pozostaje czymś elitarnym i niedostępnym. Współczesna fotografia rozwija się w tempie XXI wieku i nie może się doczekać, aż społeczeństwo dojrzeje. Pod tym względem Stowarzyszenie Fotografii Abstrakcyjnej „Ecole d`essai photo”, utworzone niedawno w Moskwie, przyciąga uwagę ze względu na swoją odmienność od ogólnego trendu.
Ośmiu fotografów zjednoczyło się pod auspicjami „Ecole d`essai photo”, a związek ten stale uzupełnia się o nowych członków. Za stosunkowo krótki czas Odbyły się już trzy wystawy, a każda z nich wniosła do życia kulturalnego stolicy nowe rozumienie współczesnej fotografii i abstrakcji jako takiej. W marcu 2016 roku ich prace można było oglądać w Centrum Sztuki Współczesnej Zverev, w maju w galerii LitKabinet, a w sierpniu w Centralnym Domu Architektów.
Członkowie Stowarzyszenia: Georgy Avetisov, Victor Vinokurov, Alexander Gusiew, Dmitry Zolotarev, Vladimir Alexandrov, Anna Basova, Svetlana Ivushkina, Alla Andersen - ich prace są wyjątkowe, a wyróżnia ich wspólna chęć poszukiwania nowych form i nadawania nowych znaczeń do ustalonych. Co przyciąga sztukę abstrakcyjną i co współcześni artyści chcą przekazać widzowi? Aby to trochę zrozumieć, zwracamy uwagę na wywiad z niektórymi członkami Stowarzyszenia: Georgy Avetisovem, Dmitrijem Zolotarevem, Anną Basovą.
Wywiad z Georgy Avetisovem (absolwentem Moskiewskiego Państwowego Uniwersytetu Kultury, muzykiem, fotografem, członkiem Rosyjskiej Akademii Sztuk)
Witaj, Georgy. Mówi się o Tobie jako o założycielce Stowarzyszenia Fotograficznego, dlatego od razu chciałbym zadać kilka zasadniczych pytań z tym związanych. Jednocześnie obawiam się, że regularny format komunikacja może nie być odpowiednia. Przecież fotograf często używa aparatu, aby opowiedzieć światu o sobie, a teraz my spróbujemy zrobić to samo, ale w gatunku wywiadu. O czym najlepiej porozmawiać z fotografem, aby w ten sposób wyrazić swoją kreatywność? Przecież pytania bezpośrednie nie zawsze nadają się do odzwierciedlenia subtelnych motywów świadomości i nie każdy jest gotowy, aby uzyskać jasną i precyzyjną odpowiedź.
Tak czy inaczej, każdy twórca mówi światu, co jest w nim. On po prostu wybiera formę opowieści. Nie sądzę, że w ten sposób można wyrazić swoją wizję świata w rozmowie. Słowa są często puste lub odwrotnie, wywiad jest pełen terminów z zakresu historii sztuki lub filozofii. Staramy się tego unikać i nie wnosić do rozmowy o twórczości dodatkowych literackich rozkoszy. Twój pogląd na świat powinien być ukazany na fotografiach albo jako podpowiedź, albo mała podpowiedź, bez ostatecznego dekodowania.
Cienki. Spróbujmy porozmawiać bez niepotrzebnej „ładności”, ale zapytajmy wprost: kiedy pojawia się chęć stworzenia czegoś abstrakcyjnego? Jakie było Twoje pierwsze doświadczenie z tym gatunkiem?
Pragnienie jest prawie zawsze obecne, ale nie zawsze jesteś w tym natchnionym stanie, w którym możesz pozwolić sobie na zanurzenie się w tym nieoczekiwanym świecie, nie oglądając się za siebie. Wiele rzeczy staje na przeszkodzie: zwykła forma przedmioty, tradycje, inercja myślenia, wątpliwości - czy to się uda? Tak. Zawsze pojawiają się wątpliwości: czy jest to właściwy obraz, czy jest w nim jakaś wewnętrzna treść i rozwój. Ale kiedy „odpuścisz” sobie, zaczniesz widzieć.
Zacząłem od abstrakcyjnej natury, kiedy jeszcze kręciłem film. Fascynował mnie stan poszczególnych liści, gałęzi, źdźbeł trawy, ich indywidualność, zwykle niewidoczna wśród milionów tego rodzaju. Fotografowałem przez trzy lata, starannie dobierając zdjęcia.
Rezultatem była duża i dość nietypowa seria. Wszystko w niej jest takie zwiewne, dziewicze, poetyckie. Charakterem bliski jest impresjonizmowi, takiej naturalnej grafice i grze światła i koloru. Potem próbowałem dalej pracować w tym kierunku, ale okazało się, że już tam wszystko znalazłem i zaczęły się już samopowtórzenia. Dopiero dwa lata później przeniosłem się do miasta, gdzie niespodziewanie odkryłem wiele ciekawych materiałów, niewidocznych w codziennym zgiełku. To wydarzyło się w Paryżu. Już w Moskwie obejrzałem materiał i zdałem sobie sprawę, że jest tu coś nowego. Zacząłem nad tym myśleć i pracować. Tak powstały moje pierwsze abstrakcje miejskie.
Nie każdy człowiek w Rosji, nawet w XXI wieku, jest w stanie dostrzec sztukę abstrakcyjną. Jaką percepcję powinien mieć idealny koneser fotografii abstrakcyjnej i jaki wpływ estetyczny ma na niego oddziaływać? Czy jest tam element duchowy?
Sztuka abstrakcyjna jest bardzo popularna w Europie. Przynajmniej jeśli chodzi o dekorowanie ścian mieszkań i domów. Tutaj jest dużo gorzej. Ludzie chcą zobaczyć coś rozpoznawalnego: portrety, martwe natury, pejzaże, sceny miejskie. Myślę, że nie trzeba mieć szczególnej wrażliwości, żeby patrzeć na abstrakcyjne fotografie. To wszystko na poziomie fantazji i emocji. Przecież wiele naszych prac odsyła człowieka do pewnego prymitywnego stanu lub do dzieciństwa, kiedy fantazja nie zna granic, a każdego dnia odkrywa się coś niezwykłego i ekscytującego.
Teraz o duchowości. To trudne pytanie. Mogę opowiedzieć ci zabawną historię. Jakieś trzy lata temu spacerowałem po moskiewskich galeriach z moim cyklem abstrakcyjnej przyrody i zaproponowałem zorganizowanie wystawy. A od jednego z właścicieli galerii usłyszałam następującą konkluzję na temat moich prac: „Są piękne, szczere, ale nie uduchowione”. Rozumuj to tak, jak chcesz!
W malarstwie abstrakcyjnym głównymi przedmiotami sztuki była figura (kubizm, abstrakcja geometryczna) i kolor (rayonizm, suprematyzm), poprzez które artysta przekazał swoją wizję świata. Jaki uniwersalny model świata wyraża fotografia abstrakcyjna?
Musimy wyjaśnić. W malarstwie abstrakcyjnym nie ma postaci, ale kształty geometryczne i kombinacje kolorów. Suprematyzm charakteryzuje się kombinacjami wielokolorowych płaszczyzn i znowu najprostszych kształtów geometrycznych - linii, kwadratu, trójkąta, koła. Jak widać, kolor i linie są najważniejsze. To samo dotyczy fotografii abstrakcyjnej. Oczywiście przycisk aparatu nie może znajdować się na tym samym poziomie, co pędzel i dłoń artysty. Pod tym względem fotograf jest znacznie bardziej ograniczony w pokazywaniu swojej wizji świata. Dlatego wzywa do pomocy techniczne przetwarzanie obrazu. Nie ma znaczenia, czy robi się to w analogowym studiu fotograficznym, czy na domowym komputerze. I nie ma modele uniwersalne pokój. Fotograf opiera się wyłącznie na swoich uczuciach, doświadczeniu, wypracowanym guście i wykształceniu. Na przykład świat fotografa technicznego jest bardziej konstruktywistyczny niż świat fotografa-muzyka. Będzie więcej emocji i improwizacji.
W takim przypadku od razu pojawia się pytanie: jakie tematy są Ci najbliższe w fotografii abstrakcyjnej?
Fascynuje mnie gra polegająca na odnajdywaniu i rozszyfrowywaniu pewnych wiadomości znikąd, które czasami odkrywam w różnych miastach. Z reguły są to podpowiedzi niektórych zwierząt, twarze ledwo widoczne przez warstwę farby, albo jakieś dosłowne bitwy kosmiczne, albo sceny biblijne na powierzchniach metalowych lub kamiennych. Są krótkotrwałe i następna wizyta Z tego samego miejsca ryzykujesz, że niczego nie znajdziesz. Dlatego należy zwracać szczególną uwagę na każdy najmniejszy szczegół.
Czy Twoje prace były wystawiane i jak publiczność przyjęła Twoje wystawy?
Zorganizowaliśmy już trzy wystawy, wszystkie miały miejsce w 2016 roku. Śmiało mogę powiedzieć, że zainteresowanie było bardzo duże. Wielu było po prostu zakłopotanych: co to jest, jak, skąd bierze się taka wyobraźnia, tak niezwykłe techniki? Najlepsze jest to, że dość doświadczeni fotografowie byli mile zaskoczeni, że wzięliśmy się za to i skutecznie zrealizowaliśmy nasze fantazje w tak złożonym gatunku - fotografii abstrakcyjnej. Wszyscy życzyli nam sukcesów, co cieszy.
Rozumiem ich. Chcielibyśmy także „wniknąć” głębiej w Twoją twórczość. Na przykład, aby zrozumieć: czy fotografia oznacza uchwycony moment, czy też jest to nastrój inspirowany długim okresem czasu?
To nie jest ani chwila, ani nastrój. Jeśli znajdę jakąś historię, mogę stać i patrzeć na nią przez długi czas, próbując zrozumieć treść w niej kryjącą się. Wtedy mogę poczekać na odpowiednie oświetlenie, zrobić jedno zdjęcie, a dziesięć minut później kolejne.
Cały czas myślę o tym jak to będzie wyglądać w finalnej wersji. Czasami odpowiedź nie pojawia się od razu i trzeba ją znaleźć w domu. Najczęściej fabuła ma już nastrój, w przeciwnym razie nie zwracasz na nią uwagi i idziesz dalej ulicą w poszukiwaniu czegoś nowego.
Na wystawie „Dekonstrukcja ß” powiedziałaś, że starasz się unikać rozpoznawania na fotografii znanych obiektów: domów, życia codziennego, twarzy; porozmawiajcie o tym, jak można w ten sposób oderwać się od tradycyjnej kreatywności. Czy Twoją motywacją twórczą jest raczej odrzucenie otaczającej rzeczywistości, czy raczej poszukiwanie nowych dróg rozwoju?
Rzeczywistość taka jaka jest, nikogo już nie interesuje. Spójrz tylko, jak ludzie zniekształcają zdjęcia na Instagramie. Nawet na zdjęciach domowych i codziennych dodają linie, kropki, przetarcia, załamania obrazu, przekręcają kolor, zamieniają obraz na sepię lub czarno-biały... Każdy chce uzyskać coś oryginalnego i innego nawet od zwykłej fotografii. Robią to błyskawicznie, korzystając z gotowych wtyczek. Oni się po prostu dobrze bawią i nie ma w tym żadnego szukania. Poszukiwania rozpoczynają się, powiedzmy, kiedy przechodzisz od tańca do piosenki i od piosenki do muzyki. Fotografia już dawno przestała pełnić swoje podstawowe funkcje, czyli tzw. transmisja czegoś dokumentalnego. Można zatem powiedzieć, że poszukujemy nowych sposobów na rozwój tego gatunku.
Co sądzisz o kliszach w fotografii abstrakcyjnej? W jaki sposób jest to możliwe, gdy mamy do czynienia z indywidualnym światopoglądem artysty?
Jestem pewien, że klisze i fotografia abstrakcyjna nie idą w parze. Przyznam, że we współczesnym świecie, ze względu na obfitość informacji (w tym dużą liczbę fotografów i fotografii), trudno uniknąć powtórzeń. Jeśli podążanie za stereotypami pozwala fotografowi szybciej osiągnąć sukces, to jest to jego droga. Oczywiście niezależna indywidualna świadomość jest całkowicie niemożliwa. Może tylko na bezludnej wyspie... Wszyscy oglądamy filmy, obrazy, fotografie. Tutaj ważne jest, aby być ze sobą szczerym i nie pozwalać sobie na szpiegowanie innych, na kompromis w imię wyimaginowanej popularności.
Co świat straciłby bez fotografii abstrakcyjnej?
Nie będzie mógł jej stracić, bo ma taką możliwość abstrakcyjne myślenie jest jednym z charakterystyczne cechy osoba.
Wywiad z Dmitrijem Zolotarevem (absolwentem Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego, konserwatorem, fotografem Państwowego Muzeum Historycznego)
Dmitrij, witaj. Jesteś znany jako fotograf abstrakcji, ale zawodowo zajmujesz się także restauracją w Państwowym Muzeum Historycznym. Jakie jest Twoje hobby i co jest Twoim dziełem życia?
W życiu były już trzy rzeczy: geologia, profesjonalna fotografia i restauracja. A równolegle do tych działań zawsze była pasja fotografii „dla duszy”: eksploracyjnej, nieodpowiedzialnej, w dobrym tego słowa znaczeniu.
Obecnie trudno młodych ludzi zachwycić czymkolwiek dla „duszy”, zwłaszcza w kilku obszarach jednocześnie. Znając Państwa, możemy się domyślić, że były też inne zajęcia, bo w tym czasie dzieci aktywnie działały w różnych klubach i sekcjach. Co z tego pozostało i wpłynęło na Twoją ścieżkę twórczą?
Podobnie jak wielu moich rówieśników, rozpoczęliśmy naukę fotografii pod okiem naszych ojców i dziadków w szkole średniej. Dziadkowie przekazali nam przechwycone niemieckie aparaty fotograficzne, a ojcowie ostrożnie przekazali nam swoje cenne Zenity i Federale. Ale nie wyobrażaliśmy sobie fotografii jako zawodu. No bo jak to było wtedy, w latach 70., 80., porównywać fotografa z marynarzem, pisarzem, fizykiem, muzykiem rockowym, dyplomatą, lekarzem? Inne zainteresowania były wspólne dla chłopców tego pokolenia. Czytanie, muzyka, lutownice, żarówki, znaczki, dziewczyny, hokej, akwaria itp. Prawdopodobnie każde przeżyte doświadczenie wpływa w takim czy innym stopniu na wybrane ścieżki, w tym na kreatywność.
Jak można scharakteryzować swoją twórczość - jako rodzaj chwilowej refleksji stan wewnętrzny czy ściśle skonstruowana kompozycja, przemyślana i tworzona w określonym czasie, spełniająca postawione zadania twórcze?
Nie ma wątpliwości, że wszystkie prace z cyklu „Nowy Kalejdoskop” to improwizacje „zatrzymaj się na chwilę!” Technologia fotograficzna samego projektu sprawia, że każdy obraz jest wyjątkowy, chwilowy. Kadr jest jedynie projekcją stanu wewnętrznego w danym momencie. Dzień później fabuła mogłaby zostać zrealizowana np. w zupełnie innej wersji kolorystycznej.
Postrzegając przedmioty sztuki, człowiek zawsze szuka logicznych motywów w każdym dziele, nawet w sztuce abstrakcyjnej. Czujesz wewnętrzną logikę każdego dzieła, ale dość trudno jest przekazać w języku powstałe uczucie. Wydaje mi się, że istnieje pewien konflikt – kształty, kolory, linie, a tymczasem każda fotografia wyraża swoje znaczenie. Czy mógłbyś to wyjaśnić, czy też Twoje fotografie oddziałują na widza w jakiś inny sposób, gdzie intencja autora nie jest tak istotna?
Prawdę mówiąc, robiąc zdjęcie, nie szukam w nim sensu. Jeśli podoba mi się połączenie wszystkiego na zdjęciu, naciskam spust migawki aparatu. Czasami pojawiają się jakieś skojarzenia, ale nie dopasowuję do nich kadru. Nie zmuszam. Nie narzucam znaczeń ani sobie, ani potencjalnemu widzowi. Z reguły każdy widz widzi na obrazie swój własny wizerunek, a ja lubię być tym zaskakiwany. Wiele osób, w tym ja, nie widzi w pracach żadnego sensu. Po prostu uwielbiamy połączenie wszystkiego na płaszczyźnie papieru fotograficznego. To rodzaj gry polegającej na wyłączeniu analizy. Podoba mi się ta praca, ale trudno mi dokładnie wytłumaczyć dlaczego. I ta tajemnica jest fascynująca. Może coś w rodzaju miłości...
Czy są chwile, kiedy abstrakcja staje się nudna i chcesz czegoś bardziej przystępnego?
Jedno drugiemu nie przeszkadza. Lubię robić fotografię klasyczną: krajobrazową, inscenizowaną itp. Każdą fotografię kreatywną uważam za eksperyment, który może zaskoczyć, uspokoić, zdenerwować swoimi wynikami, w ogóle może wiele.
Dla sztuki istotnym kryterium jest przede wszystkim nowość. Szukasz czegoś nowego w fotografii abstrakcyjnej? Czy znasz dzieła nowe lub już uznane?
Interesują mnie możliwości techniczne fotografii, co często prowadzi do odkrycia nowego narzędzia wizualnego, a nawet nowego pomysłu twórczego. Otrzymawszy interesujący mnie wynik, staram się zrozumieć estetyczną przyczynę satysfakcji z pracy. Ale często tego nie robię i po prostu eksperymentuję dalej.
Wywiad z Anną Basovą (profesjonalną fotografką, projektantką, członkinią TSHR)
Jesteś młodą i bystrą artystką, która ma na swoim koncie już ponad 13 wystaw. W związku z tym interesujące byłoby poznanie Twojej opinii na temat właściwości talentu: po pierwsze, czy jest to dar, czy naturalny wynik pracy? Jakie cechy powinien mieć utalentowany fotograf?
To trudne pytanie. Wydaje mi się, że najsłuszniej byłoby uznać to za połączenie dwóch czynników: ciągłej chęci uczenia się nowych rzeczy, a co za tym idzie uczenia się i podejmowania wysiłków, aby osiągać rezultaty oraz swojej „wizji” świata. Na przykład zawsze byłem zdumiony, że gdy jest wiele podobnych zdjęć atrakcji świata, zawsze można znaleźć nowy kąt widzenia i nowy punkt widzenia na ten sam obiekt. Ale nie zawsze jest to łatwe. To jest rodzaj „dzieła” artysty.
Wśród Twoich prac pojawiają się motywy ludzi, miast i przyrody. Dlaczego nagle zapragnąłeś spróbować fotografii abstrakcyjnej?
Nigdy nie ukrywałem, że z początku jestem portrecistą i początkowo zajmuję się ilustracyjną fotografią inscenizowaną. Ta preferencja wynika z zamiłowania do literatury, kina i muzyki figuratywnej. Ale przestrzeń twórcza nie jest jednowymiarowa. Czasem, aby wyrazić uczucia, spróbować ucieleśnić coś iluzorycznego i nieuchwytnego, inscenizacja nie wystarczy. Co więcej, jedno może współistnieć jednocześnie z drugim, a nawet uzupełniać się. Często sięgam po abstrakcyjne techniki fotografii w ramach. prace portretowe i serie. Nie widzę sensu się w tym względzie ograniczać.
Pewnego zimowego poranka szłam z córką do szkoły, a ona przez przypadek nacisnęła przycisk aparatu. telefon komórkowy, na którym uchwycono piękne zimowe ujęcie: ośnieżone drzewo, domy, droga, tramwaj, przechodnie na tle padającego dużymi płatkami śniegu. Istnieje również historia, gdy młody mężczyzna podczas parady 9 maja zrobił przypadkowe zdjęcie płaczącego weterana (sam młody człowiek chciał zrobić coś w rodzaju selfie), a zdjęcie to zostało następnie zwycięzcą konkursu fotograficznego i wzięło udział w wystawy poświęcone Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej. Wojna Ojczyźniana. Jaki wpływ, Twoim zdaniem, na sztukę miał skok technologiczny w dziedzinie fotografii, tzw. przejście na cyfrowość, rozwój Internetu i fotoedytorów? Jak odróżnić amatora od artysty, skoro technologia pozwala temu pierwszemu naśladować zarówno jakość, jak i oryginalność widzenia?
W dziedzinie fotografii cieszę się z każdego postępu. Daje nam to po prostu więcej możliwości kreatywności na różne sposoby. Niemniej jednak, nadmierne hobby Nie akceptuję na przykład fotoedytorów w fotografii portretowej. Albo po prostu klasyfikuję to jako ilustrację, sztukę cyfrową. Jeśli chodzi o drugie pytanie, może to zabrzmi trochę ostro, ale tym, co odróżnia amatora od profesjonalisty, jest „losowość” wyniku. Nawet profesjonalista fotografii ulicznej będzie miał czas, aby w ciągu minuty zauważyć wszystko, skupiając się na kadrze: jak pada cień, z której strony pada światło, odblaski, jak wykadrować kadr.
Proszę opowiedzieć o swoim udziale w wystawach fotografii abstrakcyjnej. Jakie oczekiwania zostały spełnione, jakie nadzieje pozostały nadziejami? Czy jest jakaś różnica w porównaniu z bardziej tradycyjnymi wystawami fotograficznymi?
Nie było żadnych oczekiwań jako takich. Interesuje mnie po prostu udział w ciekawych projektach i wspieram ten kierunek, jak tylko mogę. Z wystawami nie obyło się bez problemów, ale to naturalne. Uwierz mi, ani jedno takie wydarzenie, nawet jeśli odbywa się po raz setny, nie przebiega bez komplikacji i zamieszania. Różnica polega na pewnym ogólnym nastroju i duchu, który jest trudny do opisania. Przytulny i filozoficzny zarazem. Ludzie nie boją się wyrażać swoich opinii i dzielić się wrażeniami.
Jaka jest Twoja pasja do fotografii i kiedy zdałeś sobie sprawę, że stała się ona Twoim powołaniem? Jak poważnie możesz teraz traktować sztukę?
Maluję już dość długo, poszłam nawet na studia plastyczne, ale nie wyszło. Potem instytut grupa muzyczna. Malowanie wciąż zajmuje więcej czasu. Najpierw wpadło mi w ręce tylko mydełko, potem Zenit mojego taty. Swoją drogą to właśnie doświadczenie w obsłudze filmu bardzo ułatwiło mi dalsze szkolenie. Ponieważ po prostu nie ma bardziej wizualnego „symulatora” do ćwiczenia podstaw. Moje próby przerodziły się w coś poważnego, gdy świadomie zdecydowałam się na skorzystanie z kursów Marianny Kornilovej. Od razu zacząłem od fotografii portretowej. Do sztuki możesz podejść w dowolny sposób, w ramach indywidualnego odbioru.
Fotografia jest obecnie bardzo popularna, dlatego wiele osób, które choć raz chwyciły za aparat z twórczym zapałem, od razu zaczyna się zastanawiać nad pytaniem – kto może być tym zainteresowany? W związku z tym chciałbym poznać Twoją opinię: co dla Ciebie oznacza określenie „fotograf mody” i czy masz jakieś sukcesy w dziedzinie fotografii abstrakcyjnej?
Fotograf mody to niestabilna koncepcja; dziś jesteś modny, jutro jesteś poza modą. I to naturalny proces. Najczęściej są to profesjonaliści, którzy zarabiają pieniądze. I to działa w obie strony. Zarówno sam fotograf, jak i ci, którzy go zatrudniają lub kupują fotografie, zarabiają pieniądze. Na polu fotografii abstrakcyjnej można znaleźć wiele sukcesów: Thomas Ruff, Laszlo Moholy-Nagy, Wolfgang Tillmans (otrzymał jedną z najbardziej prestiżowych nagród w sztuce – Turner Prize).
Próbujesz bardziej pracować z naturą lub przekształcić uchwycony moment w edytorze graficznym? Co to daje?
Natura nadal jest najważniejsza. Staram się od razu wykonać ujęcie możliwie najbliższe wyrazowi finalnego pomysłu. Ale jeśli moja wyobraźnia każe mi coś zmienić, nie odmawiam.
Jest wiele ulubionych zdjęć; jeśli podasz konkretne przykłady, zasypię Cię linkami. Wszystkie należą do różnych gatunków. To nie tylko fotografia abstrakcyjna czy portretowa. Podziwiam każde chwytliwe ujęcie, które ma punktm. Najdokładniej opisano to w książce Rolanda Barthesa „Camera Lucida”. Uwielbiam japońskich fotografów, zawsze mają wyjątkowe spojrzenie na świat, patrzą nie tylko na zewnątrz, ale także do wewnątrz. Ślimaki czy ciasto francuskie, wiele skojarzeń.
O swojej pasji do fotografii abstrakcyjnej. Postanowiliśmy wrócić do tego tematu i porozmawiać o nim szerzej.
-Vlad, co cię przyciąga do tematów abstrakcyjnych?
Czasami w najzwyklejszych rzeczach, w tym, co nas otacza, można odnaleźć niespodziewane i bardzo ciekawe historie. Patrząc na nie zapomina się, że jest to coś zwyczajnego i nudnego, a widzi się magię przekształcenia czegoś niepozornego w dzieło twórcze. Ciekawe ujęcie można spotkać dosłownie wszędzie – w domu, w pracy, na spacerze, niezależnie od pory dnia, oświetlenia i pogody. Często w takich scenach manifestuje się wdzięk i zwięzłość przedmiotów.
Można je zobaczyć także w naturze - we wzorze śniegu, wody, piasku, układzie gałęzi, trawy i tym podobnych. Można je dostrzec także w tym, co stworzył człowiek. Może to być abstrakcja, w której najważniejszy jest kolor, połączenie i położenie względne obiekty różne kolory, a może jest kadr, w którym najważniejszy jest kształt i geometria, gdzie kolor tylko odwraca uwagę od najważniejszego i w tym przypadku zdjęcie musi być wykonane w czerni i bieli.
- Jak długo kręcisz podobne historie i czy pamiętasz, gdzie zaczęło się twoje zainteresowanie nimi?
Nie pamiętam dokładnie, gdzie zaczęło się moje zainteresowanie. Oczywiście tak się stało; nie było ostrego przejścia od kręcenia innych gatunków do abstrakcji. Jedno z pierwszych takich zdjęć zrobiłem w 2004 roku moim pierwszym cyfrowym aparatem typu „wyceluj i zrób zdjęcie” o rozdzielczości 3,2 megapiksela. Co zaskakujące, nadal podoba mi się ta praca, czego nie mogę powiedzieć o wielu innych moich zdjęciach wykonanych później i lepszym sprzętem fotograficznym.
Czy dostrzegasz je od razu, czy dosłownie rzucają się w oczy, czy też zauważasz je już w procesie kręcenia i obróbki?
Większość tych scen widzę od razu, ale niestety nie zawsze udaje mi się dokładnie oddać i ująć w finalnym kadrze to, co znalazłem i chciałem pokazać. Część scen można zobaczyć już podczas oglądania materiału, w tym także zdjęć innych gatunków.
- Opowiedz nam o geografii swoich abstrakcyjnych fotografii. Gdzie są robione?
Wszędzie tam, gdzie miałem aparat pod ręką – w mieszkaniu, podczas spacerów, wycieczek do miast i krajów; nawet w szpitalu po operacji próbowałam coś takiego sfilmować, walcząc z nudą i ogólną atmosferą szpitalnych korytarzy.
- Jak hojne są rosyjskie miasta z abstrakcyjnymi tematami?
Nie potrafię wyróżnić żadnego konkretnego miasta, takie historie można spotkać niemal wszędzie i zawsze, a jeśli to się sprawdza, to jestem zachwycona. Oczywiście Moskwa jest w nich bogata: dzięki różnorodności form architektonicznych współistnieją tu antyk i XXI wiek. Naprawdę zazdroszczę niektórym fotografom, którzy szczególnie dobrze radzą sobie z odnajdywaniem abstrakcji w stolicy. Choć łatwiej mi to robić w małych miasteczkach i na wsiach.
- Czy pamiętasz jakąś podróż lub wydarzenie, szczególnie bogate w abstrakcyjne tematy?
Być może trochę częściej niż zwykle fotografowałem je podczas wyjazdu do Republiki Komi. Pamiętam pewien marcowy dzień pod Syktywkarem: pochmurne niebo, dodatnie temperatury, kałuże na drogach i śnieg na polach, pod względem ciekawych krajobrazów nie wyróżniało się niczym. I tak przejeżdżając obok takiego pola, nagle zapragnąłem wysiąść z samochodu i przejść się nim. Poszedłem drogą, znalazłem się po kolana w śniegu, a przede mną była duża biało-biała równina i ciemne, pochmurne niebo, chmura śniegu. Bardzo spodobała mi się ta przestrzeń, kontrast, balans światła i ciemności, chciałam zrobić dziwne dwukolorowe ujęcie z horyzontem pośrodku.
- Czy masz wzór do naśladowania w fotografii abstrakcyjnej?
Bardzo lubię abstrakcje różnych autorów, niektórych znam z publikacji, serwisów fotograficznych, innych osobiście. Ale nie lubię naśladować i staram się tego nie robić. Fotograf stara się włożyć w zdjęcie część swojej duszy, swojej wizji; Po co miałabym go naśladować, skoro jesteśmy inni i każdy z nas może stworzyć coś swojego, niepowtarzalnego? Ludzie są różni i to jest wspaniałe.
Niedawno powiedziano mi o jednej fotografii, która przypomina serię prac dwóch interesujących autorów – Hiroshiego Sugimoto i Marka Rothko. Z jednej strony miło, że u jednego z uznanych mistrzów pomysł poszedł w tym samym kierunku, z drugiej strony szkoda, że ktoś miał już coś podobnego, choć ja o tym nie wiedziałem, nie wiedziałem zobaczyć ich pracę. Niektórzy mogą pomyśleć, że po prostu naśladowałem.
- Jaki jest Twój procent abstrakcyjnych zdjęć w całej sesji?
Trudno powiedzieć. Zdarzają się strzelaniny, w których w ogóle nie ma abstrakcyjnych ujęć, a czasami z całej sesji podobają się tylko takie prace, powstałe przez przypadek. W ogóle prawie zawsze fotografuję abstrakcję i geometrię spontanicznie, kiedy patrząc na coś, nagle przychodzi mi do głowy pewna myśl.
Co oznacza dla Ciebie fotografia abstrakcyjna – pokazanie oka fotografa, pokazanie geometrii i kształtów, a może coś więcej?
Wizja autora, demonstracja jego poglądu, ucieleśnienie idei. Możliwość pokazania kawałka świata innym ludziom takim, jakim go widzę na własne oczy. W niektórych abstrakcjach najważniejszy jest minimalizm, który w kadrze bardzo szanuję. W innych panuje pewien chaos obiektów czy kolorów, co jednak składa się na całościowy, pojedynczy i ciekawy obraz .
- Czy w większości przypadków przycinasz zdjęcia podczas post-processingu?
Nie w większości, ale się zdarza. Czasami nie można obejść się bez przycinania - gdy chcesz zrobić kwadratową ramkę; kiedy w momencie fotografowania nie można było zrobić tego od razu tak, jak chciałeś, i dostają się do niego ciała obce.
- Jakiej rady możesz udzielić początkującym fotografom, którzy również interesują się abstrakcją?
Bardzo pomocna w tej kwestii jest chęć fantazjowania, poszukiwania i tworzenia. Strzelaj dla siebie, kieruj się swoimi uczuciami, ale jednocześnie zrozum swoje działania i pożądany rezultat. Zawsze warto oglądać i studiować prace artystów, fotografów, projektantów i architektów.
- Dziękuję za rozmowę i życzę nowych, atrakcyjnych historii!
