10 pangunahing gawa ng sining ng simbahan: mga kuwadro na gawa, mga icon at mosaic
Inihanda ni Irina Yazykova
1. Roman catacomb
Sining ng sinaunang Kristiyano
Pagkain. Fresco mula sa mga catacomb nina Peter at Marcellinus. IV siglo DIOMEDIAHanggang sa simula ng ika-4 na siglo, ang Kristiyanismo ay inuusig sa Imperyo ng Roma, at madalas na ginagamit ng mga Kristiyano ang mga catacomb para sa kanilang mga pagpupulong - mga underground na sementeryo ng mga Romano - kung saan noong ika-2 siglo ay inilibing nila ang kanilang mga patay. Dito, sa mga labi ng mga martir, ginanap nila ang pangunahing Kristiyanong sakramento - ang Eukaristiya Eukaristiya(Griyegong “pasasalamat”) ay isang sakramento kung saan ang mananampalataya, sa ilalim ng pagkukunwari ng tinapay at alak, ay binibigyan ng tunay na Katawan at tunay na Dugo ng Panginoong Hesukristo., gaya ng pinatunayan ng mga imahe sa mga dingding ng mga catacomb. Ang mga unang pamayanan, na binubuo ng mga Hudyo, ay malayo sa pinong sining, ngunit habang lumalaganap ang apostolikong pangangaral, parami nang parami ang mga pagano na sumapi sa Simbahan, kung saan pamilyar at naiintindihan ang mga imahe. Sa kata-combs matutunton natin kung paano ipinanganak ang Kristiyanong sining.
Sa kabuuan, mayroong higit sa 60 catacomb sa Roma, ang kanilang haba ay halos 170 kilometro. Ngunit ngayon iilan lamang ang magagamit Catacombs ng Priscilla, Callistus, Domitilla, Peter at Marcellinus, Commodilla, catacombs sa Via Latina at iba pa.. Ang mga underground mustaches na ito ay mga gallery o corridors, sa mga dingding kung saan may mga libingan sa anyo ng mga niches na natatakpan ng mga slab. Minsan ang mga corridors ay lumalawak, na bumubuo ng mga bulwagan - mga cubicle na may mga niches para sa sarcophagi. Sa mga dingding at vault ng mga bulwagan na ito, sa mga slab, mga kuwadro na gawa at mga inskripsiyon ay napanatili. Ang hanay ng mga larawan ay mula sa primitive na graffiti hanggang sa kumplikadong plot at pandekorasyon na komposisyon na katulad ng mga Pompeian fresco.
Ang sining ng sinaunang Kristiyano ay nababalot ng malalim na simbolismo. Ang pinakakaraniwang simbolo ay isda, angkla, barko, baging, tupa, basket ng tinapay, phoenix bird at iba pa. Halimbawa, ang isda ay nakita bilang simbolo ng bautismo at Eukaristiya. Nakita namin ang isa sa mga pinakaunang larawan ng isda at isang basket ng tinapay sa mga catacomb ng Callistus; Sinasagisag din ng isda si Kristo mismo, dahil ang salitang Griyego na “ichthyus” (isda) ay binasa ng mga unang Kristiyano bilang isang acronym kung saan ang mga titik ay lumaganap sa pariralang “Jesus Christ God's Son the Savior” (Ἰησοὺς Χριστὸς Θεoς νς Σς νς νς νς .
Isda at basket ng tinapay. Fresco mula sa mga catacomb ng Callista. ika-2 siglo Wikimedia Commons
Mabuting Pastol. Fresco mula sa mga catacomb ng Domitilla. III siglo Wikimedia Commons
Panginoong Hesukristo. Fresco mula sa mga catacomb ng Commodilla. Huling bahagi ng ika-4 na siglo Wikimedia Commons
Orpheus. Fresco mula sa mga catacomb ng Domitilla. III siglo Wikimedia Commons
Mahalagang tandaan na ang imahe ni Kristo hanggang sa ika-4 na siglo ay nakatago sa ilalim ng iba't ibang mga simbolo at alegorya. Halimbawa, ang imahe ng Mabuting Pastol ay madalas na nakatagpo - isang batang pastol na may tupa sa kanyang mga balikat, na tumutukoy sa mga salita ng Tagapagligtas: "Ako ang mabuting pastol..." (Juan 10:14). Ang isa pang mahalagang simbolo ni Kristo ay isang tupa, na kadalasang inilalarawan sa isang bilog na may halo sa paligid ng ulo nito. At sa ika-4 na siglo lamang lumilitaw ang mga imahe kung saan kinikilala natin ang mas pamilyar na imahe ni Kristo bilang ang Diyos-tao (halimbawa, sa mga catacomb ng Commodilla).
Madalas na muling binibigyang kahulugan ng mga Kristiyano ang paganong mga imahe. Halimbawa, sa vault sa mga catacomb ng Domitilla, inilalarawan si Orpheus na nakaupo sa isang bato na may lira sa kanyang mga kamay; nasa paligid niya ang mga ibon at hayop na nakikinig sa kanyang pag-awit. Ang buong komposisyon ay nakasulat sa isang octagon, kasama ang mga gilid kung saan mayroong mga eksena sa Bibliya: Daniel sa yungib ng leon; Si Moises ay naglalabas ng tubig mula sa isang bato; muling pagkabuhay ni Lazar-rya. Ang lahat ng mga eksenang ito ay isang prototype ng imahe ni Kristo at ang Kanyang muling pagkabuhay. Kaya't si Orpheus sa kontekstong ito ay nakakaugnay din kay Kristo, na bumaba sa impiyerno upang ilabas ang mga kaluluwa ng mga makasalanan.
Ngunit mas madalas sa pagpipinta ng mga catacomb ang mga eksena sa Lumang Tipan ay ginamit: si Noe kasama ang arka; sakripisyo ni Abraham; hagdan ni Jacob; Si Jonas ay nilalamon ng isang balyena; Daniel, Moses, tatlong kabataan sa maapoy na hurno at iba pa. Mula sa Bagong Tipan - ang pagsamba sa mga Magi, ang pakikipag-usap ni Kristo sa babaeng Samaritana, ang muling pagkabuhay ni Lazarus. Mayroong maraming mga larawan ng mga pagkain sa mga dingding ng mga catacomb, na maaaring bigyang-kahulugan bilang parehong Eukaristiya at mga pagkain sa libing. Kadalasan mayroong mga larawan ng mga taong nagdarasal - mga orants at orants. Ang ilang mga babaeng imahe ay nauugnay sa Ina ng Diyos. Dapat sabihin na ang imahe ng Ina ng Diyos ay lumilitaw sa kata-combs mas maaga kaysa sa imahe ni Kristo sa anyong tao. Ang pinakasinaunang imahe ng Ina ng Diyos sa mga catacomb ni Priscilla ay nagsimula noong ika-2 siglo: Si Maria ay kinakatawan dito na nakaupo kasama ang Sanggol sa kanyang mga bisig, at sa tabi niya ay nakatayo ang isang binata na nakaturo sa isang bituin (iba't ibang mga bersyon ang ipinahayag. : ang propetang si Isaias, si Balaam, ang asawa ni Maria na si Joseph the Betrothed).
Sa pagsalakay ng mga barbaro at pagbagsak ng Roma, nagsimula ang pagnanakaw ng mga libing, at ang mga libing ay tumigil sa mga catacomb. Sa utos ni Pope Paul I (700-767), ang mga papa na inilibing sa mga catacomb ay inilipat sa lungsod at ang mga templo ay itinayo sa ibabaw ng kanilang mga labi, at ang mga catacomb ay isinara. Kaya, sa ika-8 siglo, ang kasaysayan ng mga catacomb ay nagtatapos.
2. Icon na “Christ Pantocrator”
Monastery of St. Catherine sa Sinai, Egypt, ika-6 na siglo
Monasteryo ng St. Catherine sa Sinai / Wikimedia Commons
"Christ Pantocrator" (Griyego: "Pantocrator") - ang pinakatanyag na icon ng pre-Nobonic period Iconoclasm- isang heretikal na kilusan na ipinahayag sa pagtanggi sa pagsamba sa mga icon at pag-uusig sa kanila. Sa panahon mula ika-8 hanggang ika-9 na siglo ay nakatanggap ito ng opisyal na pagkilala sa Simbahang Silangan ng ilang beses.. Ito ay nakasulat sa isang pisara gamit ang encaustic technique Encaustic- isang pamamaraan ng pagpipinta kung saan ang panali ng pintura ay waks sa halip na langis, tulad ng, halimbawa, sa pagpipinta ng langis., na matagal nang ginagamit sa sinaunang sining; lahat ng mga unang icon ay ipininta gamit ang pamamaraang ito. Ang icon ay hindi masyadong malaki, ang laki nito ay 84 × 45.5 cm, ngunit ang likas na katangian ng imahe ay ginagawang monumental. Ang imahe ay nakasulat sa isang libre, medyo nagpapahayag ng painterly na paraan; pasty strokes Past smear- isang makapal na pahid ng undiluted na pintura. malinaw na nililok ang hugis, na nagpapakita ng lakas ng tunog at three-dimensionality ng espasyo. Wala pa ring pagnanais para sa flatness at conventionality, dahil magkakaroon ng mamaya sa canonical icon painting. Ang artista ay nahaharap sa gawain ng pagpapakita ng katotohanan ng Pagkakatawang-tao, at hinangad niyang ihatid ang pinakamataas na sensasyon ng laman ng tao ni Kristo. Kasabay nito, hindi niya pinalampas ang espirituwal na bahagi, na nagpapakita sa kanyang mukha, lalo na sa kanyang titig, lakas at kapangyarihan na agad na nakakaapekto sa manonood. Ang imahe ng Tagapagligtas ay medyo tradisyonal na sa iconographically at sa parehong oras ay hindi karaniwan. Ang mukha ni Kristo, na naka-frame ng mahabang buhok at isang balbas, na napapalibutan ng isang halo na may nakasulat na krus, ay kalmado at mapayapa. Si Kristo ay nakasuot ng isang madilim na asul na tunika na may ginintuang clave Klav- dekorasyon na natahi sa anyo ng isang patayong guhit mula sa balikat hanggang sa ilalim na gilid ng damit. at isang lilang balabal - ang mga damit ng mga emperador. Ang pigura ay inilalarawan mula sa baywang pataas, ngunit ang angkop na lugar na nakikita natin sa likuran ng Tagapagligtas ay nagmumungkahi na siya ay nakaupo sa isang trono, sa likod kung saan ang asul na kalangitan ay umaabot. Sa kanyang kanang kamay (kanang kamay) si Kristo ay nagpapala, sa kanyang kaliwang kamay ay hawak niya ang Ebanghelyo sa isang mahalagang frame na pinalamutian ng ginto at mga bato.
Ang imahe ay marilag, kahit na matagumpay, at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang kaakit-akit. Mayroong isang pakiramdam ng pagkakaisa sa loob nito, ngunit ito ay higit na binuo sa mga dissonance. Hindi maiwasang mapansin ng manonood ang halatang asymmetry sa mukha ni Kristo, lalo na sa paraan ng pagpinta ng mga mata. Ipinapaliwanag ng mga mananaliksik ang epektong ito sa iba't ibang paraan. Ang ilang mga bakas ito pabalik sa mga tradisyon ng sinaunang sining, kapag ang mga diyos ay itinatanghal na may isang mata para sa kaparusahan at ang isa para sa awa. Ayon sa isang mas nakakumbinsi na bersyon, ito ay sumasalamin sa isang polemik sa mga Monophysites, na pinagtibay ang isang kalikasan kay Kristo - banal, na sumisipsip ng kanyang kalikasan ng tao. At bilang tugon sa kanila, inilalarawan ng pintor si Kristo, na binibigyang-diin sa Kanya ang pagka-Diyos at sangkatauhan sa parehong oras.
Tila, ang icon na ito ay ipininta sa Constantinople at dumating sa monasteryo ng Sinai bilang isang kontribusyon mula kay Emperor Justinian, na isang ktitor, iyon ay, isang donor, ng monasteryo. Ang pinakamataas na kalidad ng pagpapatupad at teolohikal na lalim ng pag-unlad ng imahe ay nagsasalita pabor sa metropolitan na pinagmulan nito.
3. Mosaic na “Our Lady on the Throne”
Hagia Sophia - Banal na Karunungan, Constantinople, ika-9 na siglo
Hagia Sophia, Istanbul / DIOMEDIA
Matapos ang isang mahabang iconoclastic na krisis na tumagal ng higit sa isang daang taon, noong 867, sa pamamagitan ng imperyal na utos, ang Katedral ng Hagia Sophia sa Constantinople ay nagsimulang palamutihan muli ng mga mosaic. Ang isa sa mga unang komposisyon ng mosaic ay ang imahe ng Ina ng Diyos na nakaluklok sa kabibe Conha- isang semi-dome ceiling sa ibabaw ng semi-cylindrical na bahagi ng mga gusali, halimbawa apses.. Ito ay lubos na posible na ang imaheng ito ay naibalik ang isang naunang imahe na nawasak ng mga icon fighter. Ang Russian pilgrim mula sa Novgorod, Anthony, na bumisita sa Constantinople noong 1200, ay nag-iwan sa kanyang mga tala ng isang pagbanggit na ang mga mosaic ng altar ng Hagia Sophia ay pinaandar ni Lazarus. Sa katunayan, ang iconographer na si Lazarus ay nanirahan sa Constantinople, na nagdusa sa ilalim ng mga iconoclast, at pagkatapos ng Konseho ng 843, na nagpanumbalik ng pagsamba sa mga icon, nakatanggap siya ng pambansang pagkilala. Gayunpaman, noong 855 siya ay ipinadala sa Roma bilang embahador ni Emperador Michael III kay Pope Benedict III at namatay noong mga 865, kaya hindi siya maaaring ang may-akda ng Constantinople mosaic. Ngunit ang kanyang katanyagan bilang biktima ng mga iconoclast ay konektado sa imaheng ito sa kanyang pangalan.
Ang imaheng ito ng Ina ng Diyos ay isa sa pinakamaganda sa monumental na pagpipinta ng Byzantine. Laban sa isang ginintuang nagniningning na background, sa isang trono na pinalamutian ng mga mamahaling bato, ang Ina ng Diyos ay nakaupong hari sa matataas na unan. Hawak niya sa kanyang harapan ang sanggol na si Kristo, nakaupo sa kanyang kandungan na parang nasa isang trono. At sa mga gilid, sa arko, nakatayo ang dalawang arkanghel sa mga damit ng mga courtier, na may mga sibat at salamin, na nagbabantay sa trono. Sa gilid ng kabibe ay may isang inskripsiyon, halos nawala: "Ang mga imahe na ibinagsak ng mga manlilinlang dito ay ibinalik ng mga banal na pinuno."
Ang mukha ng Ina ng Diyos ay marangal at maganda, wala pa itong asetisismo at kalubhaan na magiging katangian ng mga huling imahe ng Byzantine, mayroon pa itong maraming mga antigong katangian: isang bilugan na hugis-itlog na mukha, magandang tinukoy na mga labi, isang tuwid ilong. Ang titig ng malalaking mata sa ilalim ng mga hubog na arko ng mga kilay ay bahagyang umiwas sa gilid, ito ay nagpapakita ng kalinisang-puri ng Birhen, kung saan nakatutok ang mga mata ng libu-libong tao na pumapasok sa templo. Sa pigura ng Ina ng Diyos ang isang tao ay nakadarama ng maharlikang kadakilaan at sa parehong oras ay tunay na pambabae na biyaya. Ang kanyang malalim na asul na balabal, na pinalamutian ng tatlong ginintuang bituin, ay bumagsak sa malambot na mga fold, na nagbibigay-diin sa monumentalidad ng kanyang pigura. Ang manipis na mga kamay ng Ina ng Diyos na may mahabang daliri ay humahawak sa sanggol na si Kristo, pinoprotektahan Siya at sa parehong oras ay inihayag Siya sa mundo. Ang mukha ng sanggol ay napakasigla, parang bata na mabilog, kahit na ang mga proporsyon ng katawan ay medyo nagdadalaga, ngunit ang ginintuang maharlikang damit, tuwid na tindig at kilos ng pagpapala ay idinisenyo upang ipakita: sa harap natin ay ang tunay na Hari, at Siya ay nakaupo nang may maharlikang dignidad. sa kandungan ng Ina.
Ang iconographic na uri ng Ina ng Diyos na nakaluklok sa sanggol na si Kristo ay nakakuha ng partikular na katanyagan noong ika-9 na siglo, ang post-iconoclastic na panahon, bilang simbolo ng Triumph of Orthodoxy. At kadalasan ay inilalagay ito nang eksakto sa apse ng templo, na nagpapahiwatig ng nakikitang pagpapakita ng Kaharian ng Langit at ang misteryo ng Pagkakatawang-tao. Nakikilala natin siya sa Simbahan ng Hagia Sophia sa Thessaloniki, sa Santa Maria sa Domnica sa Roma at sa iba pang mga lugar. Ngunit ang mga masters ng Constantinople ay nakabuo ng isang espesyal na uri ng imahe kung saan ang pisikal na kagandahan at espirituwal na kagandahan ay nag-tutugma, ang pagiging perpekto ng artistikong at lalim ng teolohiko ay magkakasuwato. Sa anumang kaso, ang mga artista ay nagsusumikap para sa ideal na ito. Ganito ang imahe ng Ina ng Diyos mula kay Hagia Sophia, na naglatag ng pundasyon para sa tinatawag na Macedonian Renaissance - ang pangalang ito ay ibinigay sa sining mula sa kalagitnaan ng ika-9 hanggang sa simula ng ika-11 siglo.
4. Fresco "Muling Pagkabuhay"
Chora Monastery, Constantinople, siglo XIV
Chora Monastery, Istanbul / DIOMEDIA
Ang huling dalawang siglo ng sining ng Byzantine ay tinatawag na Palaiologan Renaissance. Ang pangalang ito ay ibinigay pagkatapos ng naghaharing dinastiya ng Palaiologos, ang huli sa kasaysayan ng Byzantium. Ang imperyo ay bumababa, pinipilit ng mga Turko, ito ay nawawalan ng teritoryo, lakas, at kapangyarihan. Ngunit ang kanyang sining ay tumaas. At ang isang halimbawa nito ay ang imahe ng Muling Pagkabuhay mula sa Chora Monastery.
Ang monasteryo ng Constantinople ng Chora, na nakatuon kay Kristong Tagapagligtas, ayon sa tradisyon, ay itinatag noong ika-6 na siglo ng Monk Savva the Sanctified. Sa simula ng ika-11 siglo, sa ilalim ng Byzantine emperor Alexei Komnenos, ang kanyang biyenan na si Maria Duca ay nag-utos ng pagtatayo ng isang bagong templo at ginawa itong isang maharlikang libingan. Noong ika-14 na siglo, sa pagitan ng 1316 at 1321, muling itinayo at pinalamutian ang templo sa pamamagitan ng pagsisikap ni Theodore Metochites, ang dakilang logothete. Logofet- ang pinakamataas na opisyal (auditor, chancellor) ng royal o patriarchal office sa Byzantium. sa korte ni Andronicus II Andronikos II Palaiologos(1259-1332) - Emperador ng Byzantine Empire noong 1282-1328.. (Sa isa sa mga mosaic ng templo ay inilalarawan siya sa paanan ni Kristo na may templo sa kanyang mga kamay.)
Ang mga mosaic at fresco ng Chora ay nilikha ng pinakamahusay na mga master ng Constantinople at kumakatawan sa mga obra maestra ng huling sining ng Byzantine. Ngunit ang imahe ng Pagkabuhay na Mag-uli ay namumukod-tangi lalo na dahil ito ay nagpapahayag ng mga eschatological na ideya ng panahon sa kahanga-hangang artistikong anyo. Ang komposisyon ay matatagpuan sa silangang pader ng paraklesium (timog na pasilyo), kung saan nakatayo ang mga libingan, na tila nagpapaliwanag sa pagpili ng tema. Ang interpretasyon ng balangkas ay nauugnay sa mga ideya ni Gregory Palamas, isang apologist para sa hesychasm at ang doktrina ng mga banal na enerhiya. Ang hesychasm sa tradisyon ng monastikong Byzantine ay isang espesyal na paraan ng panalangin kung saan ang isip ay tahimik, sa isang estado ng hesychia, katahimikan. Ang pangunahing layunin ng panalanging ito ay upang makamit ang panloob na pag-iilaw gamit ang isang espesyal na ilaw ng Tabor, ang parehong nakita ng mga apostol sa panahon ng Pagbabagong-anyo ng Panginoon..
Ang imahe ng Pagkabuhay na Mag-uli ay matatagpuan sa hubog na ibabaw ng apse, na nagpapahusay sa spatial dynamics nito. Sa gitna ay nakikita natin ang Nabuhay na Mag-uli na Kristo na nakasuot ng puting nagniningning na damit sa likuran ng isang nakasisilaw na puti at asul na mandorla Mandorla(Italian mandorla - "almond") - sa Christian iconography, isang hugis-almond o bilog na ningning sa paligid ng pigura ni Kristo o Ina ng Diyos, na sumisimbolo sa kanilang makalangit na kaluwalhatian.. Ang kanyang anyo ay tulad ng isang namuong enerhiya na kumakalat ng mga alon ng liwanag sa lahat ng direksyon, na nagpapakalat sa kadiliman. Ang Tagapagligtas ay tumatawid sa kailaliman ng impiyerno na may malawak, masiglang mga hakbang, maaaring sabihin ng isa, lumilipad siya sa ibabaw nito, dahil ang isa sa kanyang mga paa ay nakapatong sa sirang pinto ng impiyerno, at ang isa ay umaaligid sa kalaliman. Ang mukha ni Kristo ay solemne at puro. Sa isang makapangyarihang paggalaw, dinala Niya sina Adan at Eva kasama Niya, itinaas sila sa itaas ng mga libingan, at tila lumulutang sila sa kadiliman. Sa kanan at kaliwa ni Kristo ay nakatayo ang mga matuwid na Kanyang inilabas mula sa kaharian ng kamatayan: si Juan Bautista, mga haring David at Solomon, Abel at iba pa. At sa itim na kailaliman ng impiyerno, na bukas sa ilalim ng mga paa ng Tagapagligtas, makikita ng isang tao ang mga kadena, kawit, kandado, sipit at iba pang mga simbolo ng impiyernong pagdurusa, at mayroong isang nakagapos na pigura: ito ang talunang si Satanas, na pinagkaitan ng kanyang lakas. at kapangyarihan. Sa itaas ng Tagapagligtas sa puting mga titik sa isang madilim na background ay ang inskripsiyon na "Anastasis" (Greek "Pagkabuhay na Mag-uli").
Ang iconograpiya ng Pagkabuhay na Mag-uli ni Kristo sa bersyon na ito, na tinawag ding "The Descent into Hell," ay lumilitaw sa sining ng Byzantine noong post-North na panahon, nang ang teolohiko at liturgical na interpretasyon ng imahe ay nagsimulang mangibabaw sa kasaysayan. Sa Ebanghelyo ay hindi tayo makakahanap ng isang paglalarawan ng Pagkabuhay na Mag-uli ni Kristo, ito ay nananatiling isang misteryo, ngunit, na sumasalamin sa misteryo ng Pagkabuhay na Mag-uli, ang mga teologo, at pagkatapos ng mga ito ay mga pintor ng icon, ay lumikha ng isang imahe na nagpapakita ng tagumpay ni Kristo laban sa impiyerno at kamatayan. At ang imaheng ito ay hindi nakakaakit sa nakaraan, bilang isang alaala ng isang kaganapan na naganap sa isang tiyak na sandali sa kasaysayan, ito ay nakadirekta sa hinaharap, bilang ang katuparan ng mga mithiin ng pangkalahatang muling pagkabuhay, na nagsimula sa Muling Pagkabuhay ni Kristo. at nagsasangkot ng muling pagkabuhay ng lahat ng sangkatauhan. Ang kosmikong kaganapang ito ay hindi nagkataon lamang: sa vault ng paraclesia, sa itaas ng komposisyon ng Pagkabuhay na Mag-uli, nakikita natin ang imahe ng Huling Paghuhukom at mga anghel na inililigpit ang balumbon ng langit.
5. Vladimir Icon ng Ina ng Diyos
Unang ikatlo ng ika-12 siglo
Ang imahe ay ipininta sa Constantinople at dinala noong 30s ng ika-12 siglo bilang regalo mula sa Patriarch ng Constantinople sa prinsipe ng Kyiv na si Yuri ang Long-Ruky. Ang icon ay inilagay sa Vyshgorod Ngayon ay isang rehiyonal na sentro sa rehiyon ng Kyiv; matatagpuan sa kanang bangko ng Dnieper, 8 km mula sa Kyiv., kung saan sumikat siya sa kanyang mga himala. Noong 1155, dinala ito ng anak ni Yuri na si Andrei Bogolyubsky sa Vladimir, kung saan nanatili ang icon nang higit sa dalawang siglo. Noong 1395, sa utos ng Grand Duke Vasily Dmitrievich, dinala ito sa Moscow, sa Assumption Cathedral ng Kremlin, kung saan nanatili ito hanggang 1918, nang ito ay kinuha para sa pagpapanumbalik. Ngayon ito ay nasa State Tretyakov Gallery. Ang mga alamat tungkol sa maraming mga himala ay nauugnay sa icon na ito, kabilang ang pagpapalaya ng Moscow mula sa pagsalakay sa Tamerlane noong 1395. Bago sa kanya, napili ang mga metropolitan at patriarch, ang mga monarko ay kinoronahang mga hari. Ang Our Lady of Vladimir ay iginagalang bilang isang anting-anting ng lupain ng Russia.
Sa kasamaang palad, ang icon ay wala sa napakagandang kondisyon; ayon sa gawaing pagpapanumbalik noong 1918, ito ay muling isinulat nang maraming beses: sa unang kalahati ng ika-13 siglo pagkatapos ng pagkawasak ni Batu; sa simula ng ika-15 siglo; noong 1514, noong 1566, noong 1896. Mula sa orihinal na pagpipinta, tanging ang mga mukha ng Ina ng Diyos at ng Batang Kristo, bahagi ng takip at hangganan ng kapa - maforia - ang nakaligtas. Maforius- damit ng isang babae sa anyo ng isang plato, na sumasakop sa halos buong pigura ng Ina ng Diyos. na may gintong tulong Tumulong- sa pagpipinta ng icon, mga stroke ng ginto o pilak sa mga fold ng mga damit, mga pakpak ng mga anghel, sa mga bagay, na sumasagisag sa mga pagmuni-muni ng Banal na liwanag., bahagi ng ocher chiton ni Jesus na may gintong tulong at ang kamiseta na makikita mula sa ilalim nito, ang kaliwang kamay at bahagi ng kanang kamay ng sanggol, ang mga labi ng gintong background na may mga fragment ng inskripsiyon: "MR. .U".
Gayunpaman, napanatili ng imahe ang kagandahan nito at mataas na espirituwal na intensidad. Ito ay itinayo sa kumbinasyon ng lambing at lakas: ang Ina ng Diyos ay niyakap ang kanyang Anak, nais na protektahan siya mula sa hinaharap na pagdurusa, at marahan Niyang pinindot ang kanyang pisngi at inilagay ang kanyang kamay sa kanyang leeg. Ang mga mata ni Hesus ay mapagmahal na nakatuon sa Ina, at ang kanyang mga mata ay tumitingin sa manonood. At sa matalim na tingin na ito ay mayroong isang buong hanay ng mga damdamin - mula sa sakit at pakikiramay hanggang sa pag-asa at pagpapatawad. Ang iconography na ito, na binuo sa Byzantium, ay nakatanggap ng pangalang "Tenderness" sa Rus', na hindi isang ganap na tumpak na pagsasalin ng salitang Griyego na "eleusa" - "mercy", na siyang pangalan na ibinigay sa maraming mga imahe ng Ina ng Diyos. Sa Byzantium, ang iconography na ito ay tinawag na "Glykofilusa" - "Sweet Kiss".
Ang pangkulay ng icon (pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga mukha) ay binuo sa isang kumbinasyon ng mga transparent na ocher at mga lining ng kulay na may mga tonal transition, glazes (floats) at manipis na whitewash stroke ng liwanag, na lumilikha ng epekto ng pinaka-pinong, halos humihinga. laman. Lalo na nagpapahayag ang mga mata ng Birheng Maria; Ang magagandang tinukoy na mga labi ay pininturahan ng tatlong kulay ng cinnabar. Ang mukha ay naka-frame sa pamamagitan ng isang asul na cap na may madilim na asul na mga fold, na nakabalangkas na may halos itim na outline. Ang mukha ng Sanggol ay pininturahan nang mahina, ang transparent na okre at blush ay lumilikha ng epekto ng mainit at malambot na balat ng sanggol. Ang buhay na buhay, kusang pagpapahayag ng mukha ni Jesus ay nalilikha din sa pamamagitan ng masiglang mga haplos ng pintura na naglilok sa anyo. Ang lahat ng ito ay nagpapatotoo sa mataas na kasanayan ng artist na lumikha ng imaheng ito.
Ang madilim na cherry maforia ng Ina ng Diyos at ang ginintuang tunika ng Diyos ng Sanggol ay pininturahan nang mas huli kaysa sa mga mukha, ngunit sa pangkalahatan sila ay magkatugma sa imahe, na lumilikha ng isang magandang kaibahan, at ang pangkalahatang silweta ng mga figure, pinagsama ng niyakap sa isang solong kabuuan, ay isang uri ng pedestal para sa magagandang mukha.
Ang icon ng Vladimir ay dobleng panig, portable (iyon ay, para sa pagsasagawa ng iba't ibang mga prusisyon, mga prusisyon sa relihiyon), sa likod ay isang trono na may mga instrumento ng pagnanasa (unang bahagi ng ika-15 siglo). Sa trono, na natatakpan ng pulang tela na pinalamutian ng mga palamuting ginto at mga hangganan ng ginto, nakahiga ang mga pako, isang korona ng mga tinik at isang aklat na nakatali sa ginto, at sa ibabaw nito ay isang puting kalapati na may gintong halo. Sa itaas ng mesa ng altar ay may tumataas na krus, isang sibat at isang tungkod. Kung babasahin mo ang imahe ng Diyos-te-ri sa pagkakaisa sa turnover, kung gayon ang magiliw na yakap ng Ina ng Diyos at ng Anak ay magiging isang prototype ng hinaharap na pagdurusa ng Tagapagligtas; kayakap ang Sanggol na Kristo sa kanyang dibdib, ang Ina ng Diyos ay nagdadalamhati sa Kanyang kamatayan. Ito ay eksakto kung paano sa Sinaunang Rus' naunawaan nila ang imahe ng Ina ng Diyos na nagsilang kay Kristo para sa isang nagbabayad-salang sakripisyo sa pangalan ng kaligtasan ng sangkatauhan.
6. Icon na “Savior Not Made by Hands”
Novgorod, siglo XII
State Tretyakov Gallery / Wikimedia Commons
Ang dobleng panig na panlabas na icon ng Imahe ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamay na may eksenang "Adoration of the Cross" sa kabaligtaran, isang monumento ng pre-Mongol times, ay nagpapatotoo sa malalim na asimilasyon ng mga pintor ng icon ng Russia ng artistikong at teolohikong pamana ng Byzantium.
Sa pisara, malapit sa isang parisukat (77 × 71 cm), ang mukha ng Tagapagligtas ay inilalarawan, na napapalibutan ng halo na may crosshair. Ang malaki at dilat na mga mata ni Kristo ay bahagyang tumingin sa kaliwa, ngunit sa parehong oras ang manonood ay nararamdaman na siya ay nasa larangan ng pangitain ng Tagapagligtas. Ang matataas na arko ng mga kilay ay nakakurba at binibigyang diin ang talas ng titig. Isang sanga na balbas at mahabang buhok na may ginintuang tulong na nakabalangkas sa mukha ng Tagapagligtas - mahigpit, ngunit hindi mahigpit. Ang imahe ay laconic, pinigilan, napakalawak. Walang aksyon dito, walang karagdagang mga detalye, isang mukha lamang, isang halo na may isang krus at mga titik - IC XC (pinaikling "Jesus Christ").
Ang imahe ay nilikha sa pamamagitan ng matatag na kamay ng isang artist na bihasa sa klasikal na pagguhit. Ang halos perpektong simetrya ng mukha ay nagbibigay-diin sa kahalagahan nito. Ang pinigilan ngunit pinong pangkulay ay itinayo sa banayad na mga paglipat ng okre - mula sa ginintuang dilaw hanggang kayumanggi at olibo, bagaman ang mga nuances ng kulay ay hindi ganap na nakikita ngayon dahil sa pagkawala ng mga itaas na layer ng pintura. Dahil sa mga pagkalugi, ang mga bakas ng imahe ng mga mahalagang bato sa mga crosshair ng halo at ang mga titik sa itaas na sulok ng icon ay halos hindi nakikita.
Ang pangalang "Savior Not Made by Hands" ay nauugnay sa alamat tungkol sa unang icon ni Kristo, na nilikha hindi ng mga kamay, iyon ay, hindi sa pamamagitan ng kamay ng isang artista. Sinasabi ng alamat: Si Haring Abgar ay nanirahan sa lungsod ng Edessa; Nang marinig niya ang tungkol sa pagpapagaling ni Jesu-Kristo sa mga maysakit at pagbangon ng mga patay, nagpadala siya ng isang alipin para sa kanya. Dahil hindi niya nagawang talikuran ang kanyang misyon, gayunpaman ay nagpasiya si Kristo na tulungan si Abgar: Hinugasan niya ang kanyang mukha, pinunasan ito ng tuwalya, at kaagad na ang mukha ng Tagapagligtas ay mahimalang nakatatak sa tela. Dinala ng alipin ang tuwalya (ubrus) kay Abgar, at gumaling ang hari.
Itinuturing ng Simbahan ang mahimalang larawan bilang katibayan ng Pagkakatawang-tao, dahil ipinapakita nito sa atin ang mukha ni Kristo - ang Diyos na naging tao at naparito sa lupa para sa kaligtasan ng mga tao. Ang kaligtasang ito ay naisasakatuparan sa pamamagitan ng Kanyang nagbabayad-salang sakripisyo, na sinasagisag ng krus sa halo ng Tagapagligtas.
Ang komposisyon sa likod ng icon ay nakatuon din sa nagbabayad-salang sakripisyo ni Kristo, na naglalarawan sa krus ng Kalbaryo na may isang korona ng mga tinik na nakabitin dito. Sa magkabilang gilid ng krus ay nakatayo na sumasamba sa mga arkanghel na may mga instrumento ng pagsinta. Sa kaliwa ay si Michael na may sibat na tumusok sa puso ng Tagapagligtas sa krus, sa kanan ay si Gabriel na may tungkod at espongha na ibinabad sa suka, na ipinainom sa ipinako sa krus. Sa itaas ay nagniningas na mga seraphim at mga kerubin na may berdeng pakpak na may mga ripid Ripidy- mga bagay na liturhikal - mga bilog na metal na nakakabit sa mahabang hawakan na may mga larawan ng anim na pakpak na seraphim. sa mga kamay, pati na rin ang araw at ang buwan - dalawang mukha sa bilog na medalyon. Sa ilalim ng krus ay nakikita natin ang isang maliit na itim na kuweba, at dito ay ang bungo at mga buto ni Adan, ang unang tao na, sa pamamagitan ng kanyang pagsuway sa Diyos, ay naglubog sa sangkatauhan sa kaharian ng kamatayan. Si Kristo, ang pangalawang Adan, gaya ng tawag sa Kanya ng Banal na Kasulatan, ay nagtagumpay sa kamatayan sa pamamagitan ng kanyang kamatayan sa krus, na nagbabalik ng buhay na walang hanggan sa sangkatauhan.
Ang icon ay nasa State Tretyakov Gallery. Bago ang rebolusyon, itinago ito sa Assumption Cathedral ng Moscow Kremlin. Ngunit sa una, tulad ng itinatag ni Gerold Vzdornov Gerold Vzdornov(b. 1936) - dalubhasa sa kasaysayan ng sinaunang sining at kultura ng Russia. Nangungunang mananaliksik sa State Research Institute of Restoration. Tagalikha ng Museo ng Dionysian Frescoes sa Ferapontovo., ito ay nagmula sa Novgorod wooden church of the Holy Image, na itinayo noong 1191, na ngayon ay wala na.
7. Malamang, si Theophanes ang Griyego. Icon na "Pagbabagong-anyo ng Panginoon"
Pereslavl-Zalessky, mga 1403
State Tretyakov Gallery / Wikimedia Commons Kabilang sa mga gawa ng sinaunang sining ng Russia na matatagpuan sa mga bulwagan ng Tretyakov Gallery, ang icon na "Transfiguration" ay nakakaakit ng pansin hindi lamang sa malalaking sukat nito - 184 × 134 cm, kundi pati na rin sa orihinal na interpretasyon ng plot ng Ebanghelyo. Ang icon na ito ay dating isang icon ng templo sa Transfiguration Cathedral ng Pereslavl-Zalessky. Noong 1302, ang Pereslavl ay naging bahagi ng Moscow Principality, at halos isang daang taon na ang lumipas, si Grand Duke Vasily Dmitrievich ay nagsagawa ng pagsasaayos ng sinaunang Spassky Cathedral, na itinayo noong ika-12 siglo. At posible na naakit niya ang sikat na pintor ng icon na si Theophan the Greek, na dati nang nagtrabaho sa Novgorod the Great, Nizhny Novgorod at iba pang mga lungsod. Noong sinaunang panahon, ang mga icon ay hindi nilagdaan, kaya ang pagiging may-akda ng Theophanes ay hindi mapapatunayan, ngunit ang espesyal na sulat-kamay ng master na ito at ang kanyang koneksyon sa espirituwal na kilusan, na tinatawag na hesychasm, ay nagsasalita sa kanyang pabor. Ang Hesychasm ay nagbigay ng espesyal na pansin sa tema ng mga banal na enerhiya, o, sa madaling salita, ang hindi nilikha na liwanag ng Tabor, na pinag-isipan ng mga apostol sa panahon ng Pagbabagong-anyo ni Kristo sa bundok. Isaalang-alang natin kung paano lumilikha ang master ng isang imahe ng maliwanag na hindi pangkaraniwang bagay na ito.
Nakikita namin ang isang mabundok na tanawin sa icon na si Jesu-Kristo ay nakatayo sa tuktok ng gitnang bundok, pinagpapala ang kanyang kanang kamay at may hawak na balumbon sa kanyang kaliwa. Sa kanan niya ay si Moises na may tapyas, sa kaliwa niya ay ang propetang si Elias. Sa ilalim ng bundok ay ang tatlong apostol, sila ay itinapon sa lupa, tinakpan ni Santiago ang kanyang mga mata ng kanyang kamay, si Juan ay tumalikod sa takot, at si Pedro, na itinuro ang kanyang kamay kay Kristo, habang ang mga ebanghelista ay nagpapatotoo, ay bumulalas: “Ito. ay mabuti para sa amin dito sa piling Mo, gumawa kami ng tatlong tabernakulo” (Mateo 17:4). Ano ang tumama sa mga apostol, na nagdulot ng samu't saring emosyon, mula sa takot hanggang sa tuwa? Ito, siyempre, ang liwanag na nagmula kay Kristo. Sa Mateo mababasa natin: “At Siya ay nagbagong-anyo sa harap nila, at ang Kanyang mukha ay nagliwanag na gaya ng araw, at ang Kanyang mga damit ay naging puti na parang liwanag” (Mateo 17:2). At sa icon, si Kristo ay nakadamit ng nagniningning na damit - puti na may mga gintong highlight, ang ningning ay nagmumula sa Kanya sa anyo ng isang anim na puntos na puti at gintong bituin, na napapalibutan ng isang asul na spherical mandorla, na tinusok ng manipis na gintong sinag. Puti, ginto, asul - lahat ng mga pagbabagong ito ng liwanag ay lumilikha ng epekto ng magkakaibang ningning sa paligid ng pigura ni Kristo. Ngunit ang liwanag ay higit pa: tatlong sinag ang nagmumula sa bituin, na umaabot sa bawat isa sa mga apostol at literal na ipinako sila sa lupa. May mga repleksyon din ng mala-bughaw na liwanag sa mga damit ng mga propeta at apostol. Ang liwanag ay dumadausdos sa ibabaw ng mga bundok, mga puno, nakahiga kung saan maaari, maging ang mga kweba ay nakabalangkas na may puting balangkas: ang mga ito ay parang mga bunganga ng pagsabog - na parang ang liwanag na nagmumula kay Kristo ay hindi lamang lumiliwanag, ngunit tumagos sa lupa, ito. nagbabago, nagbabago sa uniberso.
Ang espasyo ng icon ay bubuo mula sa itaas hanggang sa ibaba, tulad ng isang batis na umaagos mula sa isang bundok, na handang dumaloy sa lugar ng manonood at isali siya sa kung ano ang nangyayari. Ang oras ng icon ay ang oras ng kawalang-hanggan, dito ang lahat ay nangyayari sa parehong oras. Pinagsasama ng icon ang iba't ibang mga plano: sa kaliwa, si Kristo at ang mga apostol ay umaakyat sa bundok, at sa kanan, sila ay bumababa na mula sa bundok. At sa itaas na mga sulok ay nakikita natin ang mga ulap kung saan dinala ng mga anghel sina Elias at Moises sa Bundok ng Pagbabagong-anyo.
Ang icon na "Transfiguration" mula kay Pereslavl-Zalessky ay isang natatanging akda, na isinulat nang may virtuoso na kasanayan at kalayaan, habang ang hindi kapani-paniwalang lalim ng interpretasyon ng teksto ng Ebanghelyo ay makikita dito at ang mga ideyang ipinahayag ng mga theorists ng hesychasm - Simeon the New Theologian, Gregory Palamas - hanapin ang kanilang visual na imahe , Gregory Sinait at iba pa.
8. Andrey Rublev. Icon na "Trinity"
Maagang ika-15 siglo
State Tretyakov Gallery / Wikimedia Commons Ang imahe ng Holy Trinity ay ang rurok ng pagkamalikhain ni Andrei Rublev at ang rurok ng sinaunang sining ng Russia. Ang "Tale of the Holy Icon Painters," na pinagsama-sama sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ay nagsasabi na ang icon ay ipininta sa pamamagitan ng utos ng abbot ng Trinity Monastery Nikon "sa memorya at papuri kay St. Sergius," na gumawa ng pagmumuni-muni. ng Banal na Trinidad ang sentro ng kanyang espirituwal na buhay. Nagawa ni Andrei Rublev na ipakita sa mga kulay ang buong lalim ng mystical na karanasan ni St. Sergius ng Radonezh - ang tagapagtatag ng monastic movement, na muling binuhay ang madasalin at mapagnilay-nilay na kasanayan, na, sa turn, ay nakaimpluwensya sa espirituwal na muling pagkabuhay ng Rus 'sa dulo. ng ika-14 - simula ng ika-15 siglo.
Mula sa sandali ng paglikha nito, ang icon ay nasa Trinity Cathedral, sa paglipas ng panahon ay nagdilim ito, na-renew ito ng maraming beses, natatakpan ng mga ginintuang damit, at sa loob ng maraming siglo ay walang nakakita sa kagandahan nito. Ngunit noong 1904, isang himala ang nangyari: sa inisyatiba ng pintor ng landscape at kolektor na si Ilya Semenovich Ostro-ukhov, isang miyembro ng Imperial Archaeological Commission, isang pangkat ng mga restorer na pinamumunuan ni Vasily Guryanov ay nagsimulang linisin ang icon. At nang biglang sumilip ang mga rolyo ng repolyo at ginto mula sa ilalim ng madilim na mga layer, ito ay nakita bilang isang kababalaghan ng tunay na makalangit na kagandahan. Ang icon ay hindi nalinis noon; pagkatapos lamang na isara ang monasteryo noong 1918 ay nadala nila ito sa Central Restoration Workshops, at nagpatuloy ang paglilinis. Ang pagpapanumbalik ay natapos lamang noong 1926.
Ang paksa para sa icon ay ang ika-18 kabanata ng Aklat ng Genesis, na nagsasabi kung paano isang araw tatlong manlalakbay ang dumating sa ninuno na si Abraham at binigyan niya sila ng pagkain, pagkatapos ay ang mga anghel (sa Griyego na "angelos" - "mensahero, mensahero") Sinabi nila kay Abraham na magkakaroon siya ng isang anak na lalaki, kung saan magmumula ang isang dakilang bansa. Ayon sa kaugalian, inilalarawan ng mga pintor ng icon ang "The Hospitality of Abraham" bilang isang pang-araw-araw na eksena kung saan nahulaan lamang ng manonood na ang tatlong anghel ay sumisimbolo sa Holy Trinity. Si Andrei Rublev, hindi kasama ang mga pang-araw-araw na detalye, ay naglalarawan lamang ng tatlong anghel bilang isang pagpapakita ng Trinidad, na inihayag sa amin ang lihim ng Banal na trinidad.
Sa isang ginintuang background (ngayon ay halos nawala) ay inilalarawan ang tatlong anghel na nakaupo sa paligid ng isang mesa kung saan nakatayo ang isang mangkok. Ang gitnang anghel ay tumataas sa itaas ng iba, sa likod niya ay tumubo ang isang puno (ang puno ng buhay), sa likod ng kanang anghel ay isang bundok (isang imahe ng makalangit na mundo), sa likod ng kaliwa ay isang gusali (ang mga silid ni Abraham at ang imahe. ng Banal na ekonomiya, ang Simbahan). Nakayuko ang mga ulo ng mga anghel, na parang may tahimik na pag-uusap. Magkatulad ang kanilang mga mukha - parang isang mukha, na inilalarawan ng tatlong beses. Ang komposisyon ay batay sa isang sistema ng mga concentric na bilog, na nagtatagpo sa gitna ng icon, kung saan ang mangkok ay inilalarawan. Sa mangkok ay nakikita natin ang ulo ng guya, isang simbolo ng sakripisyo. Sa harap natin ay isang sagradong pagkain kung saan ang isang nagbabayad-salang sakripisyo ay ginawa. Binasbasan ng gitnang anghel ang kopa; ang taong nakaupo sa kanyang kanan ay nagpapahayag sa isang kilos ng kanyang pagpayag na tanggapin ang tasa; ang anghel na matatagpuan sa kaliwang kamay ng gitnang isa ay inilipat ang tasa sa isa na nakaupo sa tapat niya. Si Andrei Rublev, na tinawag na tagakita ng Diyos, ay ginagawa tayong mga saksi kung paano, sa kaibuturan ng Banal na Trinidad, ang isang konseho ay nagaganap tungkol sa isang nagbabayad-salang sakripisyo para sa kaligtasan ng sangkatauhan. Noong sinaunang panahon ang imaheng ito ay tinawag na "Eternal Council".
Naturally, may tanong ang manonood: sino ang nasa icon na ito? Nakita natin na ang gitnang anghel ay nakasuot ng damit ni Kristo - isang cherry tunic at isang asul na himation Himation(sinaunang Griyego "tela, kapa") - ang mga sinaunang Griyego ay may damit na panlabas sa anyo ng isang hugis-parihaba na piraso ng tela; karaniwang isinusuot sa ibabaw ng tunika.
Chiton- parang sando, madalas walang manggas. Samakatuwid, maaari nating ipagpalagay na ito ang Anak, ang pangalawang persona ng Banal na Trinidad. Sa kasong ito, sa kaliwa ng manonood ay isang Anghel, na nagpapakilala sa Ama, ang kanyang asul na tunika ay natatakpan ng isang pinkish na balabal. Sa kanan ay ang Banal na Espiritu, isang anghel na nakasuot ng asul-berdeng damit (berde ay simbolo ng espiritu, ang muling pagsilang ng buhay). Ang bersyon na ito ang pinakakaraniwan, bagama't may iba pang mga interpretasyon. Kadalasan sa mga icon ang gitnang anghel ay inilalarawan na may hugis-krus na halo at may nakasulat na IC XC - ang mga inisyal ni Kristo. Gayunpaman, ang Stoglavy Council ng 1551 ay mahigpit na ipinagbawal ang paglalarawan ng mga halos hugis-cross at ang inskripsiyon ng pangalan sa Trinity, na ipinapaliwanag ito sa pamamagitan ng katotohanan na ang icon ng Trinity ay hindi naglalarawan sa Ama, Anak at Banal na Espiritu nang hiwalay, ngunit ito ay isang imahe ng banal na trinidad at trinidad ng banal na pag-iral. Sa parehong paraan, ang bawat isa sa mga anghel ay maaaring tila sa amin ay isa o isa pang hypostasis, dahil, sa mga salita ni St. Basil the Great, "Ang Anak ay ang larawan ng Ama, at ang Espiritu ay ang larawan ng Anak." At kapag inilipat natin ang ating mga tingin mula sa isang anghel patungo sa isa pa, makikita natin kung gaano sila magkatulad at kung gaano sila magkaiba - iisang mukha, ngunit iba't ibang damit, iba't ibang kilos, iba't ibang pose. Kaya, ang pintor ng icon ay naghahatid ng misteryo ng hindi pagsasanib at hindi pagkakahiwalay ng mga hypostases ng Holy Trinity, ang misteryo ng kanilang consubstantiality. Ayon sa mga kahulugan ng Stoglavy Cathedral Stoglavy Cathedral- konseho ng simbahan ng 1551, ang mga desisyon ng konseho ay ipinakita sa Stoglav., ang imaheng nilikha ni Andrei Rublev ay ang tanging katanggap-tanggap na imahe ng Trinity (na, gayunpaman, ay hindi palaging sinusunod).
Ang imahe, na ipininta noong mahirap na panahon ng pangunahing alitan ng sibil at ang pamatok ng Tatar-Mongol, ay naglalaman ng tipan ni St. Sergius: "Sa pamamagitan ng pagtingin sa Holy Trinity, ang kinasusuklaman na alitan ng mundong ito ay nagtagumpay."
9. Dionysius. Icon na "Metropolitan Alexy kasama ang kanyang Buhay"
Tapusin XV - unang bahagi ng XVI siglo
State Tretyakov Gallery / Wikimedia Commons
Ang hagiographic icon ng Alexy, Metropolitan ng Moscow, ay ipininta ni Dionysius, na tinawag ng kanyang mga kontemporaryo na "ang kilalang pilosopo" (sikat, tanyag) para sa kanyang husay. Ang pinakakaraniwang pakikipag-date ng icon ay ang 1480s, nang itayo at itinalaga ang bagong Assumption Cathedral sa Moscow, kung saan inatasan si Dionysius na lumikha ng dalawang icon ng mga santo ng Moscow - sina Alexy at Peter. Gayunpaman, ang isang bilang ng mga mananaliksik ay nagpapakilala sa pagpipinta ng icon sa simula ng ika-16 na siglo batay sa istilo nito, kung saan natagpuan ang klasikal na pagpapahayag ng kasanayan ni Dionysius, na ganap na ipinakita sa pagpipinta ng Ferapontov Monastery.
Sa katunayan, malinaw na ang icon ay ipininta ng isang may sapat na gulang na master na master ang parehong monumental na estilo (ang laki ng icon ay 197 × 152 cm) at maliit na pagsulat, na kapansin-pansin sa halimbawa ng mga selyo Mga selyo- maliliit na komposisyon na may independiyenteng balangkas, na matatagpuan sa icon sa paligid ng gitnang imahe - sa gitna.. Ito ay isang hagiographic icon, kung saan ang imahe ng santo sa gitna ay napapalibutan ng mga selyo na may mga eksena ng kanyang buhay. Ang pangangailangan para sa naturang icon ay maaaring lumitaw pagkatapos ng muling pagtatayo ng Katedral ng Chudov Monastery noong 1501-1503, ang nagtatag kung saan ay si Metropolitan Alexy.
Si Metropolitan Alexy ay isang natatanging personalidad. Siya ay nagmula sa boyar na pamilya ng Byakontov, na-tonsured sa Epiphany Monastery sa Moscow, pagkatapos ay naging Metropolitan ng Moscow, gumanap ng isang kilalang papel sa pamamahala sa estado kapwa sa ilalim ni Ivan Ivanovich the Red (1353-1359) at sa ilalim ng kanyang anak na si Dmitry Ivanovich, na kalaunan ay tinawag na Donskoy (1359-1389). Ang pagkakaroon ng regalo ng isang diplomat, pinamamahalaang ni Alexy na magtatag ng mapayapang relasyon sa Horde.
Sa gitna ng icon, ang Metropolitan Alexy ay kinakatawan ng buong haba, sa mga solemne na liturgical vestment: isang pulang sakkos Sakkos- mahaba, maluwag na damit na may malalawak na manggas, ang liturgical vestments ng isang obispo., pinalamutian ng mga gintong krus sa berdeng mga bilog, sa ibabaw nito ay nakasabit ang isang puting stole na may mga krus Nagnakaw- bahagi ng vestment ng mga pari, na isinusuot sa leeg sa ilalim ng chasuble at may guhit na pababa sa ibaba. Ito ay isang simbolo ng biyaya ng pari, at kung wala ito ang pari ay hindi nagsasagawa ng alinman sa mga serbisyo., sa ulo ay may puting sabong Kukol- ang panlabas na kasuotan ng isang monghe na tumanggap ng dakilang schema (ang pinakamataas na antas ng monastic renunciation) sa anyo ng isang matulis na talukbong na may dalawang mahabang piraso ng materyal na nakatakip sa likod at dibdib.. Sa kanyang kanang kamay ay pinagpapala ng santo, sa kanyang kaliwa ay hawak niya ang Ebanghelyo na may pulang gilid, nakatayo sa isang mapusyaw na berdeng panyo (shawl). Ang kulay ng icon ay pinangungunahan ng puti, kung saan maraming iba't ibang mga tono at lilim ang namumukod-tangi - mula sa malamig na berde at mala-bughaw, malambot na rosas at ocher-dilaw hanggang sa maliwanag na mga spot ng kumikislap na iskarlata na cinnabar. Ang lahat ng maraming kulay na ito ay ginagawang maligaya ang icon.
Ang centerpiece ay naka-frame ng dalawampung marka ng buhay, na dapat basahin mula kaliwa hanggang kanan. Ang pagkakasunud-sunod ng mga marka ay ang mga sumusunod: ang kapanganakan ni Eleutherius, ang hinaharap na Metropolitan Alexy; pagdadala sa mga kabataan sa pagtuturo; Ang panaginip ni Eleutherius, na naglalarawan sa kanyang pagtawag bilang isang pastol (ayon sa Buhay ni Alexy, sa kanyang pagtulog ay narinig niya ang mga salitang: "Gagawin kitang mangingisda ng mga tao"); tonsure ni Eleutherius at pagpapangalan sa pangalang Alexy; ang pag-install kay Alexy bilang obispo ng lungsod ng Vladimir; Alexy sa Horde (nakatayo siya na may hawak na libro sa kanyang mga kamay sa harap ng khan na nakaupo sa trono); Hiniling ni Alexy kay Sergius ng Radonezh na ibigay ang kanyang estudyante [Sergius] Andronik na maging abbot sa monasteryo ng Spassky (mamaya Andronikov) na itinatag niya noong 1357; Binasbasan ni Alexy si Andronik upang maging abbess; Nanalangin si Alexy sa libingan ng Metropolitan Peter bago umalis patungo sa Horde; Nakilala ni Khan si Alexy sa Horde; Pinagaling ni Alexy si Khansha Taidula mula sa pagkabulag; Nakilala ng prinsipe ng Moscow at ng kanyang mga mandirigma si Alexy sa kanyang pagbabalik mula sa Horde; Si Alexy, na naramdaman ang paglapit ng kamatayan, ay nag-imbita kay Sergius ng Radonezh na maging kahalili niya, Metropolitan ng Moscow; Si Alexy ay naghahanda ng isang libingan para sa kanyang sarili sa Chudov Monastery; pahinga ni Saint Alexis; pagkuha ng mga labi; karagdagang ang mga himala ng metropolitan - ang himala ng namatay na sanggol, ang himala ng pilay monghe Naum of Miracles at iba pa.
10. Icon na "Juan Bautista - Anghel ng Disyerto"
1560s
Central Museum of Ancient Russian Culture and Art na pinangalanan. Andrey Rublev / icon-art.info Ang icon ay nagmula sa Trinity Cathedral ng Stefano-Makhrishchi Monastery malapit sa Moscow, na ngayon ay matatagpuan sa Central Museum of Ancient Russian Culture na pinangalanang Andrei Rublev. Ang laki ng icon ay 165.5 × 98 cm.
Ang iconography ng imahe ay tila hindi karaniwan: Si Juan Bautista ay inilalarawan na may mga pakpak ng anghel. Ito ay isang simbolikong imahe na nagpapakita ng kanyang espesyal na misyon bilang isang mensahero ("angelos" sa Greek - "mensahero, mensahero"), propeta ng kapalaran at tagapagpauna ng Mesiyas (Kristo). Ang imahe ay bumalik hindi lamang sa Ebanghelyo, kung saan si Juan ay binigyan ng maraming pansin, kundi pati na rin ang propesiya ni Malakias: "Narito, sinusugo Ko ang Aking anghel, at ihahanda niya ang daan sa unahan Ko" (Mr. 3:1). . Tulad ng mga propeta ng Lumang Tipan, nanawagan si Juan para sa pagsisisi, dumating siya bago dumating si Kristo upang ihanda ang daan para sa Kanya (“Nangunguna” ay nangangahulugang “isa na magpapatuloy”), at ang mga salita ni propeta Isaias ay iniugnay din. sa kanya: “Ang tinig ng sumisigaw sa ilang: Ihanda ninyo ang daan ng Panginoon, tuwirin ninyo ang kaniyang mga daan” (Isaias 40:3).
Si Juan Bautista ay lumitaw na nakasuot ng isang kamiseta ng buhok at himation, na may isang balumbon at isang tasa sa kanyang kamay. Sa balumbon ay isang inskripsiyon na binubuo ng mga pira-piraso ng kanyang sermon: “Masdan, nakita at pinatotohanan mo ako, sapagkat masdan, ikaw ang Kordero ng Diyos, na nag-aalis ng mga kasalanan ng mundo. Magsisi, dahil sa takot sa Kaharian ng Langit; ang palakol ay nasa ugat na ng punong kahoy; At bilang isang paglalarawan ng mga salitang ito, doon mismo, sa paanan ng Baptist, ay inilalarawan ang isang palakol sa ugat ng isang puno, ang isang sanga ay pinutol, at ang isa ay nagiging berde. Ito ay isang simbolo ng Huling Paghuhukom, na nagpapakita na ang oras ay malapit na at malapit nang magkaroon ng paghuhukom para sa mundong ito, ang Makalangit na Hukom ay magpaparusa sa mga makasalanan. Kasabay nito, sa mangkok ay nakikita natin ang ulo ni Juan, isang simbolo ng kanyang pagkamartir, na kanyang dinanas para sa kanyang pangangaral. Ang kamatayan ng Forerunner ay naghanda ng nagbabayad-salang sakripisyo ni Kristo, na nagbibigay ng kaligtasan sa mga makasalanan, at samakatuwid sa kanyang kanang kamay ay pinagpapala ni Juan ang mga nananalangin. Sa harap ni Juan, ang asetiko, na may malalim na mga tudling ng mga kulubot, pagdurusa at pakikiramay ay makikita.
Ang background ng icon ay madilim na berde, napaka katangian ng pagpipinta ng icon sa panahong ito. Ang mga pakpak ng okre ni John ay kahawig ng mga kislap ng apoy. Sa pangkalahatan, ang kulay ng icon ay madilim, na naghahatid ng diwa ng panahon - mabigat, puno ng mga takot, masamang mga palatandaan, ngunit umaasa din para sa kaligtasan mula sa itaas.
Sa sining ng Russia, ang imahe ni Juan Bautista, ang Anghel ng Disyerto, ay kilala mula pa noong ika-14 na siglo, ngunit lalo itong naging tanyag noong ika-16 na siglo, sa panahon ni Ivan the Terrible, nang ang still-yen-- -tumaas ang damdamin sa lipunan. Si Juan Bautista ay ang makalangit na patron ni Ivan the Terrible. Ang Stefano-Makhrishchi Monastery ay nasiyahan sa espesyal na pagtangkilik ng Tsar, na kinumpirma ng mga imbentaryo ng monasteryo na naglalaman ng impormasyon tungkol sa maraming maharlikang kontribusyon na ginawa noong 1560-70s. Kabilang sa mga kontribusyong ito ang icon na ito.
Tingnan mo gayundin ang mga materyales na "", "" at ang micro-section "".
Ang lumang pagpipinta ng Russia ay gumaganap ng isang napakahalaga at ganap na naiibang papel sa buhay ng lipunan kaysa sa modernong pagpipinta, at ang papel na ito ay nagpasiya ng katangian nito. Ang taas na nakamit nito ay hindi rin mapaghihiwalay mula sa mismong layunin ng sinaunang pagpipinta ng Russia. Ang natanggap na binyag ni Rus mula sa Byzantium at kasama nito ay minana na ang gawain ng pagpipinta ay "isama ang salita", upang isama ang doktrinang Kristiyano sa mga imahe. Una sa lahat, ito ay Banal na Kasulatan, pagkatapos ay maraming buhay ng mga santo. Nalutas ng mga pintor ng icon ng Russia ang problemang ito sa pamamagitan ng paglikha ng isang masining na sistema na hindi pa nagagawa at hindi na naulit, na naging posible na isama ang pananampalatayang Kristiyano sa isang larawang nakalarawan sa isang hindi pangkaraniwang kumpleto at matingkad na paraan. At samakatuwid, sa lahat ng mga linya at kulay ng mga fresco, nakikita natin ang kagandahan na pangunahing semantiko - "Speculation in colors." Lahat sila ay puno ng mga pagmumuni-muni sa kahulugan ng buhay, tungkol sa mga walang hanggang halaga at puno ng tunay na espirituwal na kahulugan. Ang mga fresco ay nakakaganyak at nakakabighani. Ang mga ito ay tinutugunan sa tao at sa pamamagitan lamang ng katumbas na gawaing espirituwal posible na maunawaan ang mga ito. Sa walang katapusang lalim, ipinarating ng mga pintor ng icon ang pagkakaisa ng tunay na tao at ng banal sa Anak ng Diyos na nagkatawang-tao para sa kapakanan ng mga tao, at kinakatawan ang kalikasan ng tao ng kanyang makalupang Ina bilang malaya sa kasalanan. Ang mga perlas ng sinaunang pagpipinta ng Russia ay napanatili sa aming templo. Tingnan natin ang ilan sa kanila.
Ang nakapagliligtas na kahulugan ng Huling Hapunan ay engrande para sa lahat ng sumunod at sumusunod sa landas ng Panginoon.
Sa hapunan na ito, itinuro ni Jesucristo sa kanyang mga disipulo ang kanyang Tipan, hinulaan ang kanyang pagdurusa at nalalapit na kamatayan, inihayag ang katumbas na kahulugan ng sakripisyong nakapaloob sa kanila: dito ibibigay niya ang kanyang laman, magbubuhos ng dugo kapwa para sa kanila at para sa marami sa pagbabayad-sala para sa mga kasalanan . Ang pagmamahal sa isa't isa, pagmamahal sa mga tao, at paglilingkod ay iniutos ni Jesucristo sa kanyang mga disipulo sa kanyang huling hapunan. At bilang pinakamataas na pagpapakita ng pag-ibig na ito, ipinahayag niya sa kanila ang kahulugan ng kanyang nalalapit na nakatakdang kamatayan. Sa harap namin ay lumitaw ang isang semi-oval na mesa na naka-flat patungo sa manonood, at sa ibabaw nito ay isang mangkok, isang tanda ng pagkain na naganap dito. Sa mesa sa gilid na hugis-itlog ay nakaupo, pinamumunuan ng bendisyong Guro at minarkahan ng solemneng kapayapaan, umupo ang kanyang mga estudyante. At kahit na ang imahe ni Hudas ay hindi sumisira sa pagkakasundo na ito. Ang lalim kung saan ipinahayag ng mga sinaunang artistang Ruso ang maliwanag na prinsipyong nagliligtas na, ayon sa Kristiyanismo, ay kumikilos sa mundo, ang lalim kung saan maaari nilang ilarawan ang mabuti, ay nagpapahintulot sa kanila na malinaw at simpleng ihambing ang kasamaan dito, nang hindi pinagkalooban ang mga maydala nito ng mga katangian ng kakulitan at kakulitan.
Ang minanang sinaunang tradisyon ay nagbigay ng kahanga-hangang kalayaan sa mga panginoon ng Russia. Sa pagsisikap na maiparating at maunawaan ang nilalamang napakahalaga sa kanila, hindi lamang napanatili ng mga artista ang artistikong sistema mismo sa kabuuan, ngunit maingat na pinangalagaan ang lahat ng ginawa ng mga nauna sa kanila. At ang sinaunang karanasang ito, na ginamit bilang isang hindi matitinag na batayan, ay nagbigay-daan sa mga artist na madali at malayang magpatuloy, na nagpapayaman ng mga larawan gamit ang mga bago, dati nang hindi nakikita, banayad na mga lilim. Ngunit marahil ang pinaka-kapansin-pansin na resulta ng pag-unlad ng artistikong sistema na wasto sa pagpipinta ng icon ng Russia ay kung gaano hindi pangkaraniwang malinaw na ginagawang malinaw na ang lahat ng inilalarawan dito ay napakahusay at makabuluhan na tila hindi nangyari sa isang punto ng oras, ngunit upang mabuhay sa walang hanggang alaala ng tao. Ang presensyang ito sa kawalang-hanggan ay napatunayan sa mga icon at fresco ng Russia at ang mga halos sa paligid ng mga ulo ng mga inilalarawan at ang ginto, iskarlata, at pilak na mga background na nakapalibot sa kanila - isang simbolo ng hindi mapawi na walang hanggang liwanag. Ito ay pinatunayan ng mga mukha mismo, na nagpapahayag ng hindi pa naganap na espirituwal na konsentrasyon, hindi naiilaw mula sa labas, ngunit puno ng liwanag na nagmumula sa loob. Ang pakiramdam na ito ay kinumpirma ng katotohanan na ang eksena ng aksyon ay hindi inilalarawan, ngunit, tulad nito, ay ipinahiwatig nang maikli at maikli upang makamit ang lahat ng ito, natutunan ng mga sinaunang Ruso na ikonekta ang mga paggalaw at pagliko ng mga taong pinaghiwalay oras, upang malayang gamitin ang mga proporsyon ng mga numero, malayo sa mga likas sa kanila sa ordinaryong buhay, bumuo ng espasyo ayon sa mga batas ng espesyal na reverse perspective. 
Nakamit nila ang mahusay na utos ng linya, hinasa ang kakayahang gumamit ng maliliwanag, dalisay na mga kulay at itugma ang kanilang mga lilim nang may matinding katumpakan. At kung ano ang maaaring maging pinakamahalaga ay upang subordinate ang lahat ng mga elemento, ang buong imahe sa kabuuan, sa pagkakaisa. Ang mga tagumpay na nakamit ng mga sinaunang Russian masters sa paglutas ng mga problemang kinakaharap ng Orthodox icon painting ay tiyak na ipinanganak sa matinding espirituwal na gawain, sa malalim na pagtagos sa Kristiyanong salita at sa mga teksto ng Banal na Kasulatan. Ang mga artista ay pinalusog ng karaniwang espirituwal na taas na alam ng medieval na Rus, na nagbigay sa mundo ng napakaraming sikat na ascetics.
Ang Ina ng Diyos ay lumilitaw na parang nililok, puno ng makinang na liwanag, hindi maintindihan sa kanyang perpektong kagandahan. Maharlika ang kanyang balingkinitang pigura. Ngunit sa isang mukha na may magagandang malungkot na mga mata at nakapikit na bibig, ang madasalin na pag-igting ay pinagsama sa isang pagpapahayag ng halos masakit na pakikiramay para sa ipinahayag na kailaliman ng kalungkutan ng tao. At ang habag na ito ay nagbibigay ng pag-asa kahit na ang mga kaluluwang pinahihirapan. Hawak ang kanyang sanggol na anak na lalaki malapit sa kanya gamit ang kanyang kanang kamay, dinadala niya ang kanyang kalungkutan sa kanya, ang kanyang walang hanggang pamamagitan para sa mga tao. At magagawang lutasin ang kalungkutan ng ina, upang sagutin ang kanyang panalangin, ang sanggol na Anak ay inilalarawan dito: sa kanyang mukha, ang pagiging bata na kahinahunan at malalim na hindi maipaliwanag na karunungan ay misteryosong pinagsama. At pinatutunayan ang masayang kahulugan ng pagkakatawang-tao na ito, na ipinakikita ang epektibong kapangyarihan ng panalangin ng Ina ng Diyos, ang sanggol, na nakabuka ang dalawang braso, ay tila pinagpapala ang buong mundo.
Ang mga anghel ay kinakatawan sa mga fresco bilang mga mensahero ng Diyos, tagapagdala ng kanyang kalooban at tagapagpatupad nito sa lupa. Ang kanilang paglalarawan sa mga fresco ay lumilikha ng kakaibang pakiramdam ng co-presence, makalangit na paglilingkod, nagpapainit sa puso ng mga Kristiyano na damdamin ng mahiwagang kagalakan at pagiging malapit sa Makalangit na mundo.
Ngunit marahil ang pinaka hindi maintindihan ng mga tao ay ang imahe ng Trinidad. Tatlong anghel ang nakaayos sa kalahating bilog. Ang pakiramdam ng kanilang espesyal na misteryosong kalikasan ay agad na nagsilang sa kanilang hitsura, ang kanilang mga mukha na napapalibutan ng halos ay napakalambot, banayad at sa parehong oras ay hindi naa-access. At, ang pagpaparami ng pakiramdam ng mahiwagang kakanyahan ng mga anghel, kapag tinitingnan ang fresco, ang ideya ng kanilang malalim na pagkakaisa, ng tahimik, at samakatuwid ay kamangha-manghang pag-uusap na nag-uugnay sa kanila, bumangon at unti-unting lumalakas. Ang kahulugan ng pag-uusap na ito ay unti-unting nahayag sa fresco, nakakabighani nito, bumulusok sa lalim nito. Ang artistikong pagiging perpekto ng fresco ay misteryoso din sa sarili nitong paraan, na nagpapahintulot sa lahat na makahanap ng sarili nilang bagay dito, na sumali sa kanilang sariling paraan sa pagkakasundo na nilalaman nito.
Mga opinyon ng mga eksperto sa mga fresco at painting sa aming templo
Tungkol sa mga kaakit-akit na mga pintura sa loob ng templo, ang Konklusyon ng Opisina ng Kontrol ng Estado para sa Proteksyon at Paggamit ng mga Historical at Cultural Monument ay itinatag na: "Sa una, ang templo ay pininturahan kaagad pagkatapos ng pagtatayo, ngunit noong 1813 ang pagpipinta ay na-renew. Ang makabuluhang gawaing pagpipinta ay isinagawa sa gitna at sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Nakasaad na may mga painting sa templo na ginawa sa mataas na antas ng propesyonal at may halagang masining. Ang ideya ng dignidad ng pagpipinta sa templo ay nakumpirma ng mga pagbubukas ng probe na inatasan ng templo ng artist-restorer na si V. Pankratov, pati na rin ang opinyon ng eksperto ng kandidato ng kasaysayan ng sining, artist-restorer na si S. Filatov. Ang mga kuwadro na gawa sa dingding ng bawat volume ng templo ay sumasalamin sa ebolusyon ng estilo ng mga pintura ng simbahan sa buong ika-19 na siglo. Ang mga fragment ng pinakamaagang pagpipinta, mula sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ay napanatili sa Trinity Church, na kinabibilangan ng komposisyon na "Old Testament Trinity" /Hospitality of Abraham/, mga larawan ni St. Helena at iba pang mga martir, tuwalya at mga trim sa ibabang bahagi, pati na rin ang mga fragment ng dekorasyon sa vault . Ang pinaka-kawili-wili ay ang pagpipinta ng refectory ng Catherine Church - ang komposisyon na "The Last Supper" sa kanlurang dalisdis ng vault. Ang pagpipinta ay ginawa sa langis sa isang ginintuan na background sa paraang Palekh, na ginagaya ang sinaunang pagpipinta ng Russia. Sa isang oryentasyon patungo sa "estilo ng akademiko" ng pagpipinta batay sa mga modelo ng Katedral ni Kristo na Tagapagligtas, ang pinakahuling pagpipinta ay ginawa sa altar ng Simbahan ng St. Irina. Isinasaalang-alang ang mga artistikong merito ng ipinahayag na pagpipinta, dapat tandaan na ang kahalagahan ng pagpipinta ay hindi limitado sa pandekorasyon at artistikong pag-andar, ngunit naglalaman ng isang espirituwal at simbolikong programa sa mga plot at eksena ng sagradong kasaysayan, na naglalaman ng ideya ng ang templo bilang isang imahe ng sansinukob. Ang mga pagsisiyasat na isinagawa ay nagpatunay na ang isang kaakit-akit na grupo ay napanatili sa templo, na dapat ibalik." Malamang na ang may-akda ng bahagi ng pagpipinta ng templo ay maaaring pag-aari ni V.M. Vasnetsov at M.V.
Mga Fresco ng Dmitrievsky Cathedral.
Itinayo ni Vsevolod sa pinakadulo ng ika-12 siglo, ang Dimitrovsky Cathedral ay ang pangunahing princely cathedral, habang ang Assumption Cathedral ay ang episcopal cathedral.
Ang katedral ay nakatuon kay Demetrius ng Thessalonica.
Ang panloob na dekorasyon ng katedral ay kawili-wili;
Ang mga fresco ng katedral na ito ay isa sa mga pinaka-kahanga-hangang monumento ng pagpipinta ng pre-Mongol period.
Posible na ang mga fresco na ito ay nakaimpluwensya sa gawain ni Andrei Rublev, lalo na ang mga kuwadro na gawa ng Assumption Cathedral sa Vladimir. Maaari ding ipagpalagay na ang scheme ng kulay ng mga imahe ni Dionysius ay may mga ugat din sa pagpipinta na ito, na nilikha alinman sa katapusan ng ika-12 siglo o sa pinakadulo simula ng ika-13 siglo.
Himala na nakaligtas sa panahon ng pagkawasak at pagkukumpuni ng mga barbaro, bahagya lang silang nakarating sa amin. Ngunit napreserba ang napakakawili-wiling mga eksena. Hindi pa rin nareresolba ang maraming mahahalagang tanong na may kaugnayan sa kanilang iconograpiya, istilo, nilalaman at kahulugan.
Ngayon, kapag ang katedral ay bukas sa publiko, maaari mong makita ang mga fragment
panloob na dekorasyon ng templo, na, inuulit ko, ay, sa kasamaang-palad, ay ganap na napanatili
Medyo.
Ang mga pagpipinta ng ika-12 siglo, na natuklasan noong 1843, ay kabilang sa komposisyon na "The Last Judgment".
Sa gitnang vault sa ilalim ng koro ay may napanatili na mga pigura ng 12 apostol-hukom sa
mga trono at mga anghel sa likod nila.
Detalye ng fresco na "Ang Huling Paghuhukom". Pagpipinta sa hilagang dalisdis ng gitnang nave.
*Mga apostol at mga anghel, hilagang dalisdis, fragment, kaliwang bahagi.
*Mga apostol at mga anghel, hilagang dalisdis, fragment, gitna.
*Mga apostol at mga anghel, hilagang dalisdis, kanang bahagi.
Detalye ng fresco na "Ang Huling Paghuhukom". Pagpinta sa timog na dalisdis ng gitnang nave.
*Mga apostol at mga anghel, timog na dalisdis, fragment, kaliwang bahagi.
*Mga apostol at mga anghel, timog na dalisdis, fragment, gitna.
*Apostles at anghel, southern slope, fragment, right side.
Sa maliit na vault sa ilalim ng koro ay mga tanawin ng langit:
trumpeting anghel, ang Apostol Pedro na humantong ang mga banal na babae sa langit, ang mabait
ang magnanakaw, "Abraham's Bosom" kasama ang mga ninunong sina Abraham, Isaac at Jacob, at
gayundin ang Our Lady Enthroned.
Ang mga painting ng St. Demetrius Cathedral ay isang orihinal na bersyon
klasikal na istilong Byzantine noong huling bahagi ng ika-12 siglo. Ang pinagkaiba nila ay
espirituwalidad ng mga imahe, plasticity ng mga figure, banayad na kumbinasyon ng mga kulay.
Ang perpektong kagandahan ng mga mala-anghel na mukha ay lalong kapansin-pansin.
*Anghel. Demetrius Cathedral Ang southern slope ng western arch ng central nave.
*Anghel. Demetrius Cathedral Ang southern slope ng western arch ng central nave.
*Anghel. Demetrius Cathedral sa southern slope ng western arch, southern nave.
*Anghel. Hilagang dalisdis..
*Anghel. Hilagang dalisdis.
Dapat ding tandaan na, hindi karaniwan para sa panahong iyon, ang pagiging totoo sa
paglalarawan ng mga apostolikong mukha na may mga indibidwal na katangian.
*Apostle Pedro. Dmitrievsky Cathedral. Western vault ng southern nave, hilagang slope.
* Apostol Pablo. Dmitrievsky Cathedral. Hilagang dalisdis ng kanlurang arko ng gitnang nave.
* Apostol Simon. Dmitrievsky Cathedral. Northern slope ng western arch ng central nave.
*Si Apostol Tomas. Dmitrievsky Cathedral. Ang timog na dalisdis ng kanlurang arko ng gitnang nave.
*Apostle Andres. Western vault. Timog nave Timog na dalisdis. Dmitrievsky Cathedral.
*Apostle James. Timog nave Timog na dalisdis. Dmitrievsky Cathedral.
Mga tanawin ng paraiso: mga anghel na tumututugtog ng trumpeta, pinangungunahan ni apostol Pedro ang mga banal na babae patungo sa paraiso, ik, “Abraham’s Bosom” kasama ang mga ninunong sina Abraham, Isaac at Jacob.
*Ttrumpeting angel Northern slope ng southern nave.
*Si Apostol Pedro, na inaakay ang matuwid na babae sa langit. Fragment.
Ang dibdib ni Abraham.
*Abraham's Bosom. Kaliwang bahagi ng fresco.
* Bosom ni Abraham, kanang bahagi ng fresco.
*Ang ninunong si Abraham na may sanggol.
*Ang ninunong si Jacob.
*Ang ninunong si Isaac.
Kakaiba rin ang detalyadong larawan ng Hardin ng Eden: mga puno na may mga puno ng palma
mga sanga; trellis na sumusuporta sa mga baging; mga ibong tumutusok
ubas.
*Hardin ng Eden.
Ang kasaysayan ng pagpapanumbalik ng mga fresco ay kawili-wili, kung saan magiging malinaw kung bakit kakaunti ang mga orihinal na fresco ng ika-12 siglo ang nananatili.
Noong ika-18 siglo, ang mga fresco ng katedral ay muling isinulat sa langis. Sa panahon ng pagpapanumbalik ng 1839-1843. sila ay ibinagsak, at ang mga dingding ay "pinutol" para sa isang bagong "iskedyul". Noong nag-aalis ng mga oil painting noong 1839, ang mga tunay na fresco noong ika-12 siglo ay aksidenteng natuklasan sa ilalim ng dalawang layer ng plaster. Noong 1840, iniulat ito ni Arsobispo Parthenius sa Synod. Sinuri ng Synod noong 1843 ang ulat ni Parthenius at nagpasiya: "Upang mapanatili ang pagpipinta na hindi sinasadyang natuklasan sa Vladimir Demetrius Cathedral ... upang maimbestigahan ito nang eksakto kung anong oras ito maiuugnay." Nag-ulat sila kay Nicholas I kasama ang hierarchical chain Nagbigay siya ng naaangkop na mga order at ang artist-archaeologist na si F.G. Solntsev. Sinuri niya ang mga fresco, gumawa ng mga kopya at ipinagkatiwala ang paglilinis kay Safonov sa ilalim ng pangangasiwa ni Parfeniy. Natapos ang paglilinis noong 1844. Hanggang 1890, walang gumalaw sa kanila. Ngunit noong 1890, ayon sa I.E. Grabar, "na-renovate" muli ang mga fresco.
Ang unang siyentipikong pagpapanumbalik ay isinagawa noong 1918 ng All-Russian Commission for the Discovery and Preservation of Painting Monuments, na pinamumunuan ni Grabar. Hindi lahat ng mga fresco na natuklasan noon ay napreserba. Kapag inihambing ang mga talaan ng Grabar at kung ano ang mayroon tayo ngayon, nawawala ang ilang mga fragment. Nawala. Ang painting na I.E. Kinilala ito ni Grabar bilang resulta ng pagsulat ni Safonov.
Noong 1919, ang templo ay isinara para sa pagsamba at inilipat sa Vladimir Museum.
Noong 1948-50. Ang oil painting na ginawa ni M. Safonov ay inalis.
Noong 1952, nang alisin ang "mga bookmark" ng ladrilyo, natuklasan ang isa pang fragment ng isang pagpipinta ng ika-12 siglo. - bahagi ng palamuti at kalangitan.
Ang tanong ng mga master author ay ang pinaka malabo. Wala pa ring pinagkasunduan sa kanilang numero o pinagmulan. Ginawa ni Grabar ang mga unang pagpapalagay. Naniniwala siya na mayroong dalawang may-akda at sila ay mga Griyego. Ang opinyon na ito ay pinagtatalunan ng maraming mga eksperto sa sinaunang sining ng Russia, dahil nagkamali siya sa pagpapalagay ng mga fresco kahit sa yugto ng pagpapanumbalik noong 1918. (A.I. Anisimov. "The Pre-Mongol period of Old Russian painting" M. 1928, pp. 111-119). Samakatuwid, sa pagtukoy ng pagiging may-akda, ang opinyon ng A.I. Anisimov at V.N. Lazarev, na naniniwala na mayroong hindi bababa sa limang mga masters at kasama nila ay mayroong isang Russian master. (N.V. Lazarev. "Russian medieval painting" M. 1970, pp. 28-42).
* Vault na may fragment ng fresco sa southern slope ng central nave ng western vault.
Sa aking mensahe ay gumamit ako ng mga materyales mula sa mga libro:
V. Plugin na "FRESCOES OF DMITRIEVSKY CATHEDRAL" 1974, sa mga pahina kung saan isinagawa ang unang kumpletong publikasyon ng mga fresco sa kulay.,
N.V. Lazarev. "Russian medieval painting" 1970
G.N. Wagner "Mga lumang lungsod ng Russia", 1984
A.I. Anisimov. "Ang pre-Mongol na panahon ng sinaunang pagpipinta ng Russia" 1928
Ang mga larawang may icon na * ay kinunan nina V. Monin at Yu.
Ang natitirang mga larawan ay mula sa Internet.
Paano makapunta doon:
Address: Rehiyon ng Vladimir, Vladimir, Cathedral Square
Bus: direktang at transit na mga serbisyo ng bus mula sa Moscow
Frescoes (pagpinta gamit ang mga pintura ng tubig sa basang plaster)
Pinalamutian ng mga fresco ang lahat ng dingding sa gilid noong sinaunang panahon St. Sophia Cathedral, mga gallery, mga tore at mga koro. Noong ika-17 siglo, ang orihinal na pagpipinta ay bahagyang na-update gamit ang pandikit na pintura sa panahon ng mga pagsasaayos. Sa pagliko ng ika-17-18 siglo, ang mga sinaunang tao mga fresco ng St. Sophia Cathedral sa Kyiv, na nasira noong panahong iyon, ay naplaster at pinaputi. Noong ika-18 siglo, ang mga bagong larawan ng langis ay ginawa sa orihinal na mga mural, na nakakatugon sa mga kinakailangan ng panahon. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga fresco ay tinanggal mula sa ilalim ng ika-18 siglo na pagpipinta at muling natatakpan ng pagpipinta ng langis, na hindi nakikilala sa pamamagitan ng artistikong halaga, bagaman ang mga paksa nito ay karaniwang inuulit ang iconographic scheme ng mga sinaunang fresco na nakaligtas noon. oras.
Transept. Hilagang bahagi. Layout ng fresco:
Transept. Bahaging timog. Layout ng fresco:
Sa proseso ng modernong pagpapanumbalik ng trabaho sa Mga fresco ng St. Sophia Cathedral Ang mga gusali ng ika-11 siglo ay inalis mula sa ilalim ng mga susunod na layer, at ang mga lugar kung saan natuklap ang fresco plaster ay pinalakas. Ang mga huling pagpipinta ay iniwan sa mga lugar kung saan nawala ang mga fresco upang mapanatili ang pagkakaisa ng steno-painting ensemble St. Sophia Cathedral. Sa ilang mga lugar, ang mga komposisyon mula sa ika-17 at ika-18 na siglo ay napanatili.
fresco "Ang Pagbaba ni Kristo sa Impiyerno" ("Pagbaba sa Impiyerno"). Transept. Hilagang bahagi:
fresco "Ang Pagbaba ni Kristo sa Impiyerno". Mga Propeta. Fragment
Fresco "Ang Pagbaba ng Banal na Espiritu". Fragment. Transept. Bahaging timog:
Sa sistema fresco painting ng St. Sophia Cathedral may kasamang multi-figure na mga eksena, full-length na larawan ng mga santo, kalahating figure ng mga santo, at maraming palamuti.
Sa gitnang puwang ng simboryo ay nakikita natin ang mga eksena sa ebanghelyo na may maraming pigura - tungkol sa mga gawa at sakripisyo ni Kristo, tungkol sa paglaganap ng doktrinang Kristiyano. Noong sinaunang panahon, ang mga komposisyon ay inilalagay sa magkakasunod na pagkakasunud-sunod sa isang bilog, mula kaliwa hanggang kanan, mula sa itaas hanggang sa ibaba sa tatlong rehistro. Ang mga pambungad na eksena ng cycle ay inilalarawan sa vault ng transept at sa kanlurang bahagi ng central nave. Wala sa mga upper register fresco ang nakaligtas hanggang ngayon.
Ang mga eksena sa gitnang rehistro ay inilalagay sa ilalim ng vault sa itaas ng triple arcade at nagsisimula sa hilagang bahagi ng transept na may dalawang komposisyon - "The Denial of Peter" at "Christ before Caiphas". Susunod, ang salaysay ay lumipat sa katimugang bahagi ng transept, kung saan matatagpuan ang komposisyon na "The Crucifixion". Ang natitirang mga fresco ng gitnang rehistro ay hindi nakaligtas.
Ang lower register frescoes ay inilalagay sa itaas ng octagonal pillars ng transept. Sa hilagang pader St. Sophia Cathedral Ang mga eksena ng “The Descent of Christ into Hell” at “The Appearance of Christ to the Myrrh-Bearing Women” ay napanatili sa timog - “The Belief of Thomas” at “Sending the Disciples to Preach.” Kasama ang huling komposisyon sa katabing pader ay makikita natin ang huling eksena ng buong cycle ng ebanghelyo - "Ang Pagbaba ng Banal na Espiritu".
Sa partikular na halaga sa mga fresco ng St. Sophia Cathedral bumubuo ng isang larawan ng grupo ng pamilya ni Yaroslav the Wise. Ang komposisyon ay matatagpuan sa hilagang, kanluran at timog na mga pader ng pangunahing nave. Ang gitnang bahagi ng komposisyon na ito, na inilagay sa kanlurang pader, na hindi pa nakaligtas, ay kilala mula sa pagguhit ni Abraham noong 1651. Ang larawan ay nagpapakita kay Yaroslav the Wise na may isang modelo St. Sophia Cathedral sa kamay, ang asawa ni Yaroslav na si Princess Irina. Pumunta sila sa pigura ni Kristo, na, marahil, ay tumayo sina Prince Vladimir at Olga - ang mga tagapagtatag ng Kristiyanismo sa Rus '. Sina Yaroslav at Irina ay sinundan sa isang solemne na prusisyon ng mga anak na lalaki at babae. Mula sa malaking komposisyon na ito, apat na pigura ang nabubuhay sa timog na pader ng gitnang nave at dalawa sa hilaga.
Fresco Portrait ng pamilya ni Yaroslav the Wise. Mga fragment. Central nave:
Fresco Portrait ng pamilya ni Yaroslav the Wise:
1. Muling pagtatayo ni V. Lazarev: sa kaliwa ni Kristo ay si Prinsesa Irina kasama ang kanyang mga anak na babae, sa kanan ay si Yaroslav the Wise kasama ang kanyang mga anak na lalaki
2. Muling pagtatayo ng S. Vysotsky: sa kaliwa ni Kristo ay sina Prinsipe Vladimir at Yaroslav kasama ang kanilang mga anak na lalaki, sa kanan ay sina Prinsesa Olga at Prinsesa Irina kasama ang kanilang mga anak na babae
3. Reconstruction ni A. Poppe: sa kaliwa ni Kristo ay si Yaroslav kasama ang kanyang mga anak na lalaki at babae, sa kanan ay si Prinsesa Irina kasama ang kanyang mga anak na babae
Ang fresco ay lubhang nagdusa sa panahon ng pagpapanumbalik ng ika-19 na siglo. Sa tuktok ng katimugang pader, ang fresco ay naglalarawan ng mga pigura ng mga dakilang martir sa langis, at sa hilagang pader - mga santo. Ang paglilinis ng mga fresco na ito ay isinagawa pagkatapos ng organisasyon Sofia Reserve noong 1934-1935. Sa hilagang pader St. Sophia Cathedral Bilang karagdagan sa fresco, makikita ang tatlong pigura na inilalarawan noong ika-18 siglo at ang ulo ng isang santo noong ika-19 na siglo.
Ang katotohanan na ang komposisyon ng fresco ay hindi gaanong napanatili at ang kakulangan ng mga orihinal na inskripsiyon ay nagpapahirap sa muling pagtatayo ng buong eksena at kilalanin ang bawat isa sa mga figure. Bagama't ang apat na pigura sa katimugang pader ay malawak na kilala bilang mga larawan ng mga anak na babae ni Yaroslav, may mga siyentipikong hypotheses na nagpapakilala sa mga larawang ito bilang lalaki (sa partikular, ang unang dalawang pigura na may mga kandila sa kanilang mga kamay). Ang larawan ng pamilya ni Yaroslav the Wise, na inilagay sa gitna ng katedral, ay nagsilbi upang maitatag ang kapangyarihan ng prinsipe. At ngayon, tinitingnan ang mga taong inilalarawan sa larawan, naaalala namin ang mga koneksyon ng Kyiv princely house na may pinakamalaking estado ng Europa. Ang asawa ni Yaroslav the Wise na si Irina (Ingigerd) ay isang Swedish prinsesa, ang kanyang mga anak na sina Svyatoslav at Vsevolod ay nagpakasal sa mga prinsesa ng Greek, at ang kanyang mga anak na babae - sina Elizabeth, Anna at Anastasia - ay mga reyna ng Norway, France at Hungary. Larawan ng fresco ng pamilya ni Yaroslav the Wise ay isang natatanging monumento ng sinaunang larawan ng Russia na monumental na pagpipinta.
Iba pang mga mural sa unang palapag St. Sophia Cathedral may relihiyosong kahulugan. Ang mga fresco ng side altar nina Joachim at Anna ay nagsasabi tungkol sa Birheng Maria at sa kanyang mga magulang, ang mga fresco ng altar nina Peter at Paul ay nagsasabi tungkol sa mga gawa ni Apostol Pedro.
Frescoes ng southern (Mikhailovsky) side altar Sofia ng Kiev nakatuon sa Arkanghel Michael, na itinuturing na patron saint ng Kyiv at ang princely squad: sa apse nakikita natin ang isang monumental na kalahating pigura ni Michael, sa ibaba nito ay ang mga pigura ng mga santo. Sa vault sa harap ng apse ay may mga eksena ng "Combat with Jacob" (northern slope) at "Overthrow of Satanas" (southern slope). Sa mga vault sa pre-altar na bahagi ng nave St. Sophia Cathedral Ang mga komposisyon ng fresco na "Pagpapakita ng Arkanghel na si Zacarias", "Pagpapakita ng Arkanghel na si Balaam" (hilagang dalisdis ng vault) at "Pagpapakita ng Arkanghel Joshua" (katimugang dalisdis ng vault) ay napanatili. Sa St. Michael's Altar, isang kahoy na shutter (window) mula sa ika-11 siglo ay napanatili sa katimugang pader. Sa ibaba nito ay ang ika-18 siglong komposisyon na “The Miracle of the Archangel Michael at Khoneh.”
Fresco "Apostle Paul". Fragment. Sa gilid na altar nina Pedro at Pablo:
Fresco "Apostle Pedro". Fragment. Sa gilid na altar nina Pedro at Pablo:
Fresco Scene mula sa Buhay ni Peter. Ulo ng batang lalaki. Fragment. Altar nina Pedro at Pablo:
Fresco "Warrior". Central nave. Haligi ng timog-kanlurang simboryo:
Hilagang altar sa gilid St. Sophia Cathedral nakatuon kay Saint George - ang espirituwal na patron ni Prince Yaroslav the Wise (ang bautisadong pangalan ng prinsipe ay George). Sa vault ng apse nakikita natin ang kalahating pigura ni George, sa ibaba nito ay ang mga santo. Sa vault ng altar at mga bahagi ng pre-altar ay inilalarawan ang mga eksena mula sa buhay ni George. Sa mga ito, ang mga komposisyon na "The Interrogation of George by Diocletian", "The Torment of George in a Ravine with Lime" at iba pa ay napanatili sa mga fragment.
Sa hilagang pader, sa kaliwa ng daanan sa dating gallery, mayroong isang larawan ng fresco mga lalaking naka sekular na damit na nakataas ang mga kamay. Mayroong isang palagay na ito ay isang fragment ng malaking komposisyon na "Yaroslav the Wise sa harap ng St. George", na hindi nanatili, at ang pigura ng isang tao ay isang imahe ng prinsipe.
Sa gilid ng altar ng St. George, dalawang lalaking ulo ang iginuhit sa arko ng altar, sa kaliwa ng imahe ni St. George. Ang mga guhit na ito ay ginawa sa pamamagitan ng pagkamot sa background ng fresco, tila sa panahon ng pagpapanumbalik ng trabaho noong ika-19 na siglo.
Fresco "Santo". St. George's Limit, altar:
Fresco "Saint Barbara". Fragment. Central nave. Northwestern cross pillar:
Fresco "Propeta". Fresco XI siglo. St. George's Altar:
Fresco "St. Nicholas". Fresco XI siglo. Central nave:
Fresco "Santo". Fresco XI siglo. Central nave:
Fresco "Hindi Kilalang Santo". Side altar ng St. George:
Fresco "Banal na Pag-asa". Side altar ng St. George:
Fresco "Pagpapakita ng Arkanghel sa Valaam". Fragment. Side altar ni Michael:
Fresco "Hindi Kilalang Santo". Timog panloob na gallery:
Fresco "Saint Phocas". Timog panloob na gallery:
Fresco "Saint Philipola". Timog panlabas na gallery (kanlurang bahagi):
Fresco "Saint Eudokia". Kanlurang panloob na gallery:
Fresco "Saint Theodore Stratilates". Fragment. Hilagang panloob na gallery:
Fresco "Hindi Kilalang Santo". Side altar ng St. George:
Magandang lugar sa sistema ng pagpipinta St. Sophia Cathedral ay inookupahan ng mga indibidwal na pigura ng mga santo. Kabilang sa mga ito ang mga imahe ng mga martir, mga santo, mga apostol, mga banal na mandirigma, atbp. Sa kanlurang bahagi, kung saan naroroon ang mga kababaihan sa panahon ng paglilingkod, ang "mga banal na asawa" ay pangunahing inilalarawan - Varvara, Ulyana, Christina, Catherine at iba pa. Ang apat na babaeng figure sa medalyon sa kanlurang bahagi ng St. George side altar ay namumukod-tangi para sa ningning ng kanilang mga imahe.
Sa kasamaang palad, ang unang kayamanan ng karamihan sa mga bulaklak mga fresco ng St. Sophia Cathedral hindi napreserba. Ang mga larawan ng fresco ay ginawa sa isang asul na background. Ang mga kuwadro ay pinangungunahan ng madilim na pula, okre, puti at mga kulay ng olibo. Ang mga artista ay nagbigay ng espesyal na pansin sa paglalarawan ng mga mukha, na lumilikha ng isang kahanga-hangang gallery ng mga imahe na may mga indibidwal na katangian. Ang nakakaakit ng pansin ay ang mga pigura ni Apostol Paul (altar nina Peter at Paul), Barbara (western transept), Phocas (southern inner gallery), Fyodor (northern inner gallery) at marami pang iba.
Fresco "Bautismo". Fragment. Apse ng binyag chapel:
Fresco "Apatnapung Martir ni Sebaste". Mga fragment. Epiphany:
Parehong mosaic at fresco painting St. Sophia Cathedral organikong konektado sa mga anyo ng arkitektura ng interior. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng dekorasyon, kalinawan ng masining na wika, lalim at pagpapahayag ng mga imahe.
Fresco "Emperor Constantine". Fresco mula sa ika-11 siglo. Mikhailovsky chapel:
Fresco "Emperor Justinian". Fresco mula sa ika-11 siglo. Chapel nina Joachim at Anna, altar:
Fresco "Pagbibigay ng Coccinus at Purpura kay Maria". Fresco mula sa ika-11 siglo. Chapel nina Joachim at Anna, altar:
fresco "Paglaban sa pagitan ng Arkanghel Michael at Jacob." Fresco mula sa ika-11 siglo. St. Michael's chapel, altar:
Fresco "Figure of a Prince" (?). Fresco mula sa ika-11 siglo. St. George's chapel:
fresco Arkanghel:
fresco Saint George Fragment:
fresco Annunciation. Arkanghel Gabriel. Fragment:
Sa isa sa mga pier sa pagitan ng mga bintana ng central dome drum, ang itaas na bahagi ng mosaic figure ni Apostol Paul ay nakaligtas, at sa itaas ng girth arches na sumusuporta sa drum ng pangunahing dome - isang imahe ni Kristo sa anyo ng isang Pari. at isang kalahating nawawalang imahe ng Ina ng Diyos.
Sa apat na mosaic na imahe sa mga layag ng dome drum, isa lamang ang nakaligtas - ang Evangelist Mark sa timog-kanlurang layag.
Sa girth arches ng central dome, 15 sa 30 mosaic na imahe sa mga medalyon ng Sebastian martir ay napanatili. Ang mga nawalang mosaic ay muling pininturahan ng langis noong ika-19 na siglo.
Ang gitnang lugar sa interior decoration ng St. Sophia ng Kyiv ay inookupahan ng mga mosaic ng pangunahing apse nito. Sa itaas ng koiha mayroong isang mosaic na komposisyon na "Deesis", na nakaayos sa anyo ng tatlong medalyon na may kalahating pigura, at sa dalawang haligi ng silangang arko sa harap ng apse mayroong isang mosaic na komposisyon na "Annunciation" sa anyo ng buong -mga haba ng figure: ang Arkanghel Gabriel sa hilagang-silangan at ang Birheng Maria sa timog-silangan na mga haligi. Ang klasikal na kalinawan, plasticity, mahigpit na proporsyonalidad, at malambot na pagguhit ng mga figure ay nag-uugnay sa mga masining na gawa ni Sophia ng Kyiv sa pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang sining ng Greek.
Ang isang makabuluhang lugar sa dekorasyon ng templo ay ibinibigay sa mga mosaic na burloloy na pinalamutian ang frame ng conch, ang mga gilid na bahagi ng pangunahing apse at ang mga pahalang na sinturon nito, mga pagbubukas ng bintana at ang mga panloob na vertical ng girth arches. Parehong floral at purong geometric na motif ang ginamit. Ang conch ng gitnang apse ay naka-frame sa pamamagitan ng isang makulay na floral ornament sa anyo ng mga bilog na may mga palmette na nakasulat sa mga ito, at sa itaas ng slate cornice na naghihiwalay sa pigura ng Oranta mula sa komposisyon ng "Eucharst" mayroong isang napakagandang strip ng dekorasyon ng isang purong geometriko na kalikasan. Manipis na puting linya sa isang madilim na asul na background na kumikinang na may epektong ina-ng-perlas. Ang iba pang mga burloloy ay nakamamanghang din, na ang bawat isa ay orihinal at maganda.
Pinalamutian ng mga fresco ang ibabang bahagi ng mga dingding ng vima at ang mga haligi hanggang sa slate cornice, na lumalampas sa mga limitasyon nito lamang sa mga nabanggit na lugar, tatlong sanga ng gitnang krus, lahat ng apat na pasilyo at koro. Ang pangunahing core ng dekorasyon ng fresco ay nagmula sa panahon ng Yaroslav, kung hindi man, pagkatapos ay hindi bababa sa mga pangunahing bahagi nito. May posibilidad naming isaalang-alang ang 60s ng ika-11 siglo bilang ang pinakamataas na chronological limit ng mga pinakabagong fresco mula sa complex na ito. Tulad ng para sa mga fresco ng panlabas na gallery, baptismal chapel at tower, nabibilang sila sa ibang panahon - hanggang sa ika-12 siglo. Ang tanong ng kanilang eksaktong petsa ay malulutas lamang pagkatapos ng maingat na pagsusuri sa kanilang istilo.
Sa mga fresco ng Hagia Sophia, maraming larawan ng hindi pangsimbahan, sekular na nilalaman ang napanatili. Halimbawa, dalawang larawan ng grupo ng pamilya ng Grand Duke ng Kyiv Yaroslav the Wise at ilang pang-araw-araw na eksena - isang pangangaso ng oso, mga pagtatanghal ng mga buffoon at acrobat.
Ang mga fresco ng St. Sophia ng Kyiv, tulad ng karamihan sa mga monumento ng ganitong uri, ay may sariling mahaba at naghihirap na kasaysayan. Ang kuwentong ito ay isang malinaw na halimbawa ng barbaric na saloobin sa mga sinaunang monumento na madalas na natagpuan sa ika-18 at ika-19 na siglo. at bilang isang resulta kung saan higit sa isang daang natitirang mga gawa ng sining ang nawala.
Ang kapalaran ng mga fresco ng Kyiv ay patuloy na konektado sa kapalaran ng Simbahan ng St. Sofia. Habang lumalala ang gusali, lumala rin ang mga fresco nito. Hindi lamang sila kumupas sa paglipas ng panahon at nakatanggap ng iba't ibang mekanikal na pinsala, ngunit gumuho din mula sa kahalumigmigan ng mga tumutulo na bubong. Noong 1596, ang katedral ay inookupahan ng Uniates, kung saan ang mga kamay nito ay nanatili hanggang 1633, nang kinuha ito ni Peter Mogila mula sa Uniates, nilinis ito at naibalik ito. Mula sa oras na ito, nagsimula ang panahon ng paulit-ulit na pag-refresh ng mga fresco. Noong 1686, ang katedral ay sumailalim sa isang bagong pagsasaayos sa pamamagitan ng pagsisikap ng Metropolitan Gideon. Mayroong medyo malawak na opinyon na ang lahat ng mga fresco ay pinaputi ng Uniates. (Tingnan, halimbawa: N. M. Sementovsky. Op. op., p. 74; S. P. Kryzhanovsky. Sa sinaunang Greek wall painting sa Kiev St. Sophia Cathedral. - "Northern Bee", 1843, No. 246 (2. XI) , pp. 983–984; Blg. 247 (3.XI), pp. 987–988.)
Noong 1843, sa altar ng kapilya ng St. Anthony at Theodosius, ang itaas na bahagi ng plaster ay hindi sinasadyang bumagsak, na nagpapakita ng mga bakas ng lumang fresco painting. Ang klerk ng katedral, kasama ang keymaster, Archpriest T. Sukhobrusov, ay nag-ulat ng pagtuklas na ito sa akademiko ng pagpipinta na si F. G. Solntsev, na sa oras na iyon ay nasa Kyiv upang obserbahan ang pagsasaayos ng dakilang simbahan ng Kiev Pechersk Lavra. Noong Setyembre 1843, nakatanggap siya ng isang madla kasama si Nicholas I sa Kyiv at ipinakita sa soberanya ang kanyang maikling tala tungkol sa St. Sophia Cathedral. Ang tala na ito ay iminungkahi, upang mapanatili ang sikat na templo "sa wastong kaningningan," upang palayain ang lumang fresco mula sa plaster at "ngunit upang maibalik [ito], at pagkatapos, kung saan ito ay imposibleng gawin, pagkatapos ay takpan ang mga dingding at mga simboryo gamit ang tanso at muling pininturahan ang mga ito ng mga larawan ng mga sinaunang tao.” Matapos suriin ang mga bagong natuklasang fresco sa St. Sophia Cathedral noong Setyembre 19, 1843, inutusan ni Nicholas I na ipasa ang tala ni Solntsev sa Synod, na tumanggap ng suporta doon. Si Solntsev, na palaging kumikilos bilang isang pangunahing dalubhasa sa larangan ng pagpapanumbalik at isang dalubhasa sa sinaunang sining ng Russia, ay sa katunayan ay isang tao na hindi lamang binibigkas ang masamang lasa, kundi pati na rin ang napakaliit na kaalaman.
Noong Hulyo 1844, sinimulan ng trabaho na linisin ang mga dingding ng bagong plaster at mga bagong painting na nakalagay sa ibabaw ng mga lumang fresco. Ang mga gawaing ito ay isinagawa sa pinaka primitive na paraan. Sa kabuuan, 328 indibidwal na mga fresco sa dingding ang natuklasan sa Sophia ng Kyiv (kabilang ang 108 kalahating haba), at 535 ang muling pininturahan (kabilang ang 346 kalahating haba) (Skvortsev. Op. cit., pp. 38, 49.)
Pagkatapos ng gawaing "pagpapanumbalik" noong 1844–1853. Ang pagpipinta ni Sophia ng Kyiv ay sumailalim sa maliliit na pagbabago. Noong 1888 at 1893, na may kaugnayan sa pag-aayos ng iconostasis, natuklasan ang mga solong larawan na hindi ginalaw ng pagpapanumbalik ( 8 mga figure sa mga haligi ng triumphal arch, kasama ng mga ito ang figure ng Great Martyr Eustathius, 6 na figure sa mga side aisles). (Tingnan ang N.I. Petrov. Historical at topographical sketches ng sinaunang Kyiv. Kyiv, 1897, p. 132; N. Palmov. Patungo sa iminungkahing pagpapanumbalik ng Kiev St. Sophia Cathedral. - "Proceedings of the Kyiv Theological Academy", 1915, Abril , p. 581.)
Ang isyu ng mga bagong fresco na ginawa noong ika-17–19 na siglo ay nalutas nang mas simple. bilang karagdagan sa mga luma (sa vim, gitnang barko at iba pang mga lugar). Ang mga fresco na ito, dahil hindi sila konektado sa orihinal na sistema ng iconographic, napagpasyahan na takpan ang mga ito ng isang neutral na tono, na naging posible upang mas malinaw na makilala ang mga pangunahing linya ng arkitektura ng interior. Kaya, ang pinakapangit na "Cathedrals", "Nativity of Christ", "Candlemas" at iba pang mga halimbawa ng pagpipinta ay nakatago mula sa mga mata ng modernong manonood, kaya naman ang panloob na pananaw ni Sophia ng Kyiv ay walang katapusang kapaki-pakinabang. Ang isang tagapagpananaliksik ng mga fresco ng Sophia ng Kyiv ay dapat palaging tandaan na sila ay hindi sa anumang paraan tumayo sa paghahambing sa mga tuntunin ng pagiging tunay sa mga mosaic.
Ang mga mosaic, lalo na pagkatapos ng huling paglilinis, ay mukhang higit pa o mas kaunti tulad ng ginawa nila noong ika-11 siglo. Ang mga fresco ay sumailalim sa maraming mga pagbabago, ang kanilang mga kulay ay humina at kumupas paminsan-minsan, mula sa pagpapaputi at mula sa pagtakip ng mainit na langis sa pagpapatayo, na ginamit bilang isang uri ng panimulang aklat kapag nagpinta sa langis (Ito ang pagpapatuyo ng langis sa maraming lugar kaya puspos ang ibabaw ng lumang fresco na nagbigay ito ng makintab, na parang pinakintab na karakter.); mayroon silang maraming pinsala sa makina - mga gasgas, potholes, abrasion; Sa kanila, ang mga lumang orihinal na copybook na ginawa al secco ay kadalasang nawawala. Sa lahat ng ito, dapat itong idagdag na ang isang bilang ng mga fresco ay nananatili (pagkatapos ng huling pagpapanumbalik) sa ibang pagkakataon na nag-copy-paste sa mga langis, na, gaano man sila kanipis, ay pinipilipit pa rin ang orihinal na anyo. Sa pangkalahatan, ang estado ng pag-iingat ng mga fresco ay malayo sa uniporme: ang isang tao ay nakatagpo (bagaman bihira) na medyo napreserba nang maayos ang mga pigura at mukha, ngunit mas madalas na ang isang tao ay kailangang harapin ang mabigat na napinsalang mga fragment. Tila, ang mapagpasyang papel dito ay ginampanan ng "mga tao" ng Metropolitan Philaret at ang "room painting master Vokht", na walang awang pinunit ang lumang pagpipinta. Iyon ang dahilan kung bakit ang huli ay mukhang mas rustic at primitive kaysa noong panahon nito. Dahil sa pagkawala ng al secco copybooks, ang linear frame ay naging mas malakas sa loob nito, ngunit dahil sa pagkupas ng mga kulay at ang kanilang impregnation na may drying oil, ngayon ito ay itinuturing na mas monochrome.
