Ursula Abres Arjantin'de doğdu ve Şili'de büyüdü. Zamanla üniversitede okumak için Amerika Birleşik Devletleri'ne taşındı ve daha sonra kalıcı olarak Kanada'ya taşındı. Halen Kanada'nın Britanya Kolumbiyası'nda yaşıyor. Burası güzel bir eyalet. Burada dağlık manzara çok sayıda ağaç, göl ve nehir, şelale, kaya ve kayalarla seyreltilmiştir. yaban hayatı. Burası Ursula'nın yaşaması için mükemmel bir yer.
Evli ve ailesinin beş çocuğu var. Ursula Abresch'in eğitimi sanat ve tarihle ilgilidir, ancak şu an zamanının çoğunu fotoğrafçılığa ayırıyor.
2) Bu kadar güzel eserlerin yaratılmasından önce ne var?
Ana görev, bir nesneyi neyin oluşturduğunu aramak ve keşfetmektir. Bunlar, herhangi bir nesnenin özüne nüfuz etmenize izin veren belirli temel nitelikleridir. Bir konuyla ilgili temel bir şeyi tanımlayın. Bu sadece ağaçlara veya suya bakmanız gerektiği anlamına gelmez. Bu daha çok duygusal algıyla, ruh haliyle ilgili. Ursula tüm bu nesnelerin soyut olduğunu düşünmeyi seviyor. Böylece bunları görüntünün üzerine yerleştirebiliyor ve aynı zamanda algısı da değişiyor, görmeye, duymaya ve hissetmeye başlıyor.
Ayrıca bu tür fotoğrafların yaratılabilmesi için en azından sempati uyandırması gerekir. Tıpkı bazı insanların siyah beyaz fotoğrafları, portreleri veya manzaraları tercih etmesi gibi. Soyutlamayı sevmeniz gerekiyor. Bu dünya görüşünü ve düşünme biçimini etkiler. Diğer yönleri takdir edebilirsiniz, ancak soyutlama size özel bir hayranlık uyandırmalıdır. Bunu üstlenmenizin nedeni bu olmalı. Aslında bu tanım, faaliyetlerinizden herhangi biri için tipiktir.
3) Görüntülerin sonradan işlenmesi
Şu anda Ursula Abresch sadece dijital fotoğraf makinesiyle çekim yapıyor ve bunu çok seviyor. Sonuçta size bir film kamerasıyla asla elde edemeyeceğiniz çok daha fazla deneme fırsatı sunuyor. Dijital teknolojiler birçok insan için kendini ifade etmenin yeni yollarını açıyor.
Herhangi bir kamerayla çekim yaparken görüntünün son hali hala bilinmiyor. Bu tür fotoğrafçılıkta, görüntüleri bir aşamada düzenlemek için Photoshop veya başka bir fotoğraf yazılımı kullanmadan, görüntüyü nihayet baskıda veya monitörde görüntülemenin hiçbir yolu yoktur. Bir görüntüyü basmak veya filme almak, filme alma sürecinin nihai hedefidir ve dijital dünyada bunu son işlem olmadan yapamazsınız.
Çekim yaparken bile son işlem ve sunum yapacağınızı aklınızda tutmanız önemlidir. olası değişken son görüntü.
Bazı fotoğrafçılar, kötü bir fotoğrafı temel görüntü olarak kullanarak onu işleyip bir başyapıta dönüştürebileceğinize inanıyor. Ancak iyi bir fotoğrafla başlamanız ve ardından onu en iyi tarafı ortaya çıkaracak şekilde düzenlemeniz en iyisidir. İşlem sonrası güzel parça son görüntüyü oluşturuyoruz. İşin püf noktası, belirli bir çekimin ne kadar az veya kaç değişiklik gerektirdiğini belirlemektir. Sonuçta, bitirmemek ve işlemeyi abartmak çok kolaydır.
Bazen işlem süreci çok hızlı ilerler. Ve bazen görüntünün hiç düzenlemeye ihtiyacı olmaz. Değişiklik yapılmadan kendi içinde güzeldir. Diğer durumlarda, belirli bir görüntü için hangi değişikliklerin uygun olduğunu belirleyeceğiniz süreç biraz zaman alabilir. Bir fotoğrafı iyileştirmek için onu oldukça uzun bir süre işlemeniz gerekecek.
Bir görüntünün sonradan işlenmesi yaratıcı bir süreç değildir. Sonuçta, bir şey yaratmıyorsunuz, her görüntüdeki en iyiyi ortaya çıkarıyorsunuz. Hedefinize ulaşmak için ne kadar az veya ne kadar çalışmanız gerektiği önemli değil.
4) Çekim için fotoğraf ekipmanı ve aksesuarları
Ursula Abresch güzel fotoğraflarını oluşturmak için aşağıdakileri kullanıyor:
Kameralar: Nikon D7000, Nikon D200, Lumix DMC-TS4 (yürüyüş ve nostalji için)
Lensler: Sigma 150mm f/2.8 Makro, Nikon E serisi MF 75-150mm f/3.5 zoom, Lensbaby 2.0, Sigma 70-300mm f/4-5.6 APO DG Makro, Tokina AF 12-24mm F/4 DX, Nikon AF 50mm f /1.8.
Aksesuarlar :
Tripod Manfrotto 486RC2 serisi tripod kafasıyla Vanguard Alta
Flaş Metz 36 AF-5
Çanta Kata Light Pic 60-DL.
Yazılım güvenlik
resimleri düzenlemek için: Adobe Photoshop 27" iMac'te CS6 ve Photomatix
Yazıcı Hewlett Packard Photosmart Pro B9180
kağıt Ursula şu anda Ilford Gold Fiber'i tercih ediyor.
5) Soyut fotoğrafçılığa ilgi duyan başlangıç seviyesindeki fotoğrafçılar için ipuçları
Her türlü fotoğrafçılık için standart tavsiye:
Ekipmanınızı ve potansiyelini iyice anlayın. Mümkün olduğu kadar pratik yapın. Ve maksimum deneyler.
Ve teknik yönlerin çok önemli olduğunu her zaman unutmayın, ancak asıl önemli olan sanatsal algınızdır. Fotoğrafı yaratan da budur.
Özellikle ilgili soyut fotoğraflar , o zaman soyut sanatın her türüyle daha ayrıntılı bir tanışma size büyük fayda sağlayacaktır. Bunu izlemeye ve okumaya başlayın. Bu düşünce tarzını içselleştirecek, dünya görüşünüze ve işinize dahil edeceksiniz.
Ve bir tane daha çok önemli nokta soyut fotoğrafçılıkta. Bir fotoğrafın güzel olması, izleyicinin ona aşık olacağı anlamına gelmediği gerçeğinde yatmaktadır. Tipik olarak soyut çalışmalar salt görsel güzelliğin ötesine geçer. Burada duygular, ruh hali, tarih hakimdir. Net bir ruh hali, hikaye ve his ile birleşen inanılmaz görsel çekicilik, etkileyici bir soyut imaj yaratan bileşenlerdir.
Geçen yüzyılda soyut hareket, sanat tarihinde gerçek bir atılım haline geldi, ancak bu oldukça doğaldı - insanlar her zaman yeni formlar, özellikler ve fikirler arayışındaydı. Ancak yüzyılımızda bile bu sanat tarzı birçok soruyu gündeme getiriyor. Soyut sanat nedir? Bu konuyu daha detaylı konuşalım.
Resim ve sanatta soyut sanat
Modaya uygun soyutlamacılık Sanatçı konuyu yorumlamak için şekiller, konturlar, çizgiler ve renklerden oluşan görsel bir dil kullanıyor. Bu, konunun daha edebi bir yorumunu alarak "gerçekliği" aktaran geleneksel sanat formlarıyla tezat oluşturuyor. Soyutlama, klasik güzel sanatlardan olabildiğince uzaklaşır; nesnel dünyayı gerçek hayatta olduğundan tamamen farklı bir şekilde temsil eder.
Soyut sanat, gözlemcinin duygularına olduğu kadar zihnine de meydan okur - bir sanat eserini tam olarak takdir etmek için gözlemcinin kendisini sanatçının ne söylemeye çalıştığını anlama ihtiyacından kurtarması, ancak tepki duygusunu kendisi için hissetmesi gerekir. Yaşamın tüm yönleri soyut sanat aracılığıyla yoruma açık hale gelir - inanç, korkular, tutkular, müzik veya doğaya tepkiler, bilimsel ve matematiksel hesaplamalar vb.
Sanattaki bu hareket 20. yüzyılda kübizm, gerçeküstücülük, dadaizm ve diğerleriyle birlikte ortaya çıktı. tam zamanı Bilinmeyen. Resimde soyut sanat tarzının ana temsilcileri Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka ve Piet Mondrian gibi sanatçılar olarak kabul ediliyor. Yaratıcılıkları ve önemli tabloları hakkında daha fazla konuşacağız.
Ünlü sanatçıların resimleri: soyut sanat
Vasiliy Kandinsky
Kandinsky soyut sanatın öncülerinden biriydi. Araştırmasına izlenimcilikle başladı ve ancak o zaman soyutlama tarzına ulaştı. Çalışmalarında izleyicinin hem görüşünü hem de duygularını kucaklayan estetik bir deneyim yaratmak için renk ve biçim arasındaki ilişkiden yararlandı. Tam soyutlamanın derin, aşkın ifadeye alan sağladığına ve gerçekliği kopyalamanın yalnızca bu sürece müdahale ettiğine inanıyordu.
Resim yapmak Kandinsky için son derece manevi bir anlam taşıyordu. İnsani duyguların derinliğini, fiziksel ve kültürel sınırları aşacak soyut şekil ve renklerden oluşan evrensel bir görsel dil aracılığıyla aktarmaya çalıştı. O gördü soyutlamacılık sanatçının "içsel gerekliliğini" ifade edebilen, insani fikir ve duyguları aktarabilen ideal bir görsel mod olarak. Kendisini, misyonu bu idealleri toplumun yararına dünyayla paylaşmak olan bir peygamber olarak görüyordu.
"Bileşim IV" (1911)
Parlak renkler ve net siyah çizgilerle gizlenmiş, mızraklı birkaç Kazak'ın yanı sıra tekneler, figürler ve bir tepenin üzerinde bir kale tasvir ediliyor. Bu döneme ait birçok resim gibi bu da sonsuz barışa yol açacak kıyamet savaşını hayal ediyor.
Kandinsky, On the Spiritual in Art (1912) adlı çalışmasında anlatıldığı gibi, nesnel olmayan bir resim tarzının gelişimini kolaylaştırmak için nesneleri piktografik sembollere indirger. Çoğu referansı kaldırarak dış dünyaya Kandinsky, konunun manevi özünü tüm bu formlar aracılığıyla görsel bir dile dönüştürerek vizyonunu daha evrensel bir şekilde ifade etti. Bu sembolik figürlerin çoğu daha sonraki eserlerinde tekrarlandı ve geliştirildi, daha da soyut hale geldi.
Kazimir Malevich
Malevich'in sanatta biçim ve anlam hakkındaki fikirleri, bir şekilde soyut sanat üslubu teorisi üzerinde yoğunlaşmaya yol açmıştır. Malevich'in çalıştığı farklı stiller resimde, ancak en çok saf geometrik formların (kareler, üçgenler, daireler) ve bunların resimsel alanda birbirleriyle olan ilişkilerinin incelenmesine odaklandı.
Malevich, Batı'daki bağlantıları sayesinde resim konusundaki fikirlerini Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki sanatçı arkadaşlarına aktarmayı başardı ve böylece modern sanatın evrimini derinden etkiledi.
"Kara Kare" (1915)
İkonik tablo “Kara Meydan” ilk kez Malevich tarafından 1915'te Petrograd'daki bir sergide gösterildi. Bu çalışma, Malevich'in "Kübizm ve Fütürizmden Süprematizme: Resimde Yeni Gerçekçilik" adlı makalesinde geliştirdiği Süprematizmin teorik ilkelerini somutlaştırıyor.
İzleyicinin önündeki tuvalde beyaz zemin üzerine çizilmiş siyah kare şeklinde soyut bir form var - kompozisyonun tek unsuru bu. Tablo basit görünse de siyah boya katmanlarının arasından görülebilen parmak izleri ve fırça darbeleri gibi unsurlar bulunmaktadır.
Malevich'e göre kare duyguları, beyaz ise boşluğu, hiçliği simgeliyor. Siyah kareyi, sanki figüratif olmayan sanat için yeni bir kutsal imge haline gelebilecekmiş gibi tanrısal bir varlık, bir simge olarak gördü. Hatta sergide bu tablo, genellikle bir Rus evinde ikonun yerleştirildiği yere yerleştirildi.
Piet Mondrian
Hollanda De Stijl hareketinin kurucularından biri olan Piet Mondrian, soyutlamalarının saflığı ve metodik uygulamalarıyla tanınıyor. Gördüklerini doğrudan değil mecazi olarak temsil etmek, tuvallerinde net ve evrensel bir estetik dil yaratmak için resimlerindeki unsurları oldukça radikal bir şekilde basitleştirdi.
Mondrian, 1920'lerdeki en ünlü resimlerinde formlarını çizgilere ve dikdörtgenlere, paletini ise en basitine indirgemişti. Asimetrik dengenin kullanımı modern sanatın gelişiminde temel hale geldi ve ikonik soyut çalışmaları tasarımda etkili olmaya devam ediyor ve günümüzün popüler kültürüne aşina.
"Gri Ağaç" (1912)
"Gri Ağaç" Mondrian'ın stile erken geçişinin bir örneğidir soyutlamacılık. Üç boyutlu ahşap, yalnızca griler ve siyahlar kullanılarak en basit çizgilere ve düzlemlere indirgenir.
Bu resim Mondrian'ın daha gerçekçi bir yaklaşımla yarattığı, örneğin ağaçların natüralist bir şekilde temsil edildiği bir dizi eserinden biridir. Daha sonraki çalışmalar giderek daha soyut hale gelirken, örneğin bir ağacın çizgileri, ağacın şekli neredeyse fark edilemeyecek hale gelinceye ve dikey ve yatay çizgilerin genel kompozisyonuna göre ikincil hale gelinceye kadar azaltıldı.
Burada Mondrian'ın hatların yapılandırılmış organizasyonunu terk etme konusundaki ilgisini hâlâ görebilirsiniz. Bu adım Mondrian'ın saf soyutlamayı geliştirmesi açısından önemliydi.
Robert Delaunay
Delaunay soyut sanat tarzının ilk sanatçılarından biriydi. Çalışmaları, renklerin karşıtlığının neden olduğu kompozisyon gerilimine dayanarak bu yönün gelişimini etkiledi. Hızla neo-empresyonist renk etkisi altına girdi ve soyutlama tarzındaki eserlerin renk şemasını çok yakından takip etti. Renk ve ışığın, dünyanın gerçekliğini etkileyebilecek ana araçlar olduğunu düşünüyordu.
1910'a gelindiğinde Delaunay, katedralleri ve Eyfel Kulesi'ni tasvir eden, kübik formları, hareket dinamiklerini ve parlak renkler. Bu yeni yol Renk uyumunun kullanılması, Orfizm adını alan bu tarzın Ortodoks Kübizm'den ayrılmasına yardımcı oldu ve Avrupalı sanatçıları hemen etkiledi. Delaunay'ın eşi sanatçı Sonia Turk-Dolone de aynı tarzda resim yapmaya devam etti.
"Eyfel Kulesi" (1911)
Delaunay'ın ana eseri Fransa'nın ünlü sembolü Eyfel Kulesi'ne adanmıştır. Bu, 1909 ve 1911 yılları arasında Eyfel Kulesi'ne ithaf edilen on bir resim serisinin en etkileyicilerinden biridir. Parlak kırmızıya boyanmış, bu da onu çevredeki şehrin griliğinden hemen ayırıyor. Kanvasın etkileyici boyutu bu binanın ihtişamını daha da artırıyor. Kule, bir hayalet gibi çevredeki evlerin üzerinde yükseliyor ve metaforik olarak eski düzenin temellerini sarsıyor.
Delaunay'ın tablosu, henüz iki dünya savaşına tanık olmamış bir zamanın sınırsız iyimserliğini, masumiyetini ve tazeliğini yansıtıyor.
Frantisek Kupka
František Kupka, bu tarzda resim yapan Çekoslovak bir sanatçıdır. soyutlamacılık Prag Sanat Akademisi'nden mezun oldu. Bir öğrenci olarak öncelikle şunları çizdi: vatansever temalar ve tarihi eserler yazdı. İlk çalışmaları daha akademikti, ancak tarzı yıllar içinde gelişti ve sonunda soyut sanata dönüştü. Oldukça gerçekçi bir şekilde yazılan ilk eserleri bile, soyutlamalar yazarken korunan mistik gerçeküstü temalar ve semboller içeriyordu.
Kupka, sanatçının ve eserinin, doğası gereği mutlak gibi sınırlı olmayan, sürekli bir yaratıcı faaliyet içinde yer aldığına inanıyordu.
“Amorpha. İki renkli füg" (1907-1908)
1907-1908'den başlayarak Kupka, sanki topla oynayacak ya da dans edecekmiş gibi elinde bir top tutan bir kızın bir dizi portresini çizmeye başladı. Daha sonra giderek daha şematik görüntüler geliştirdi ve sonunda bir dizi tamamen soyut çizim elde etti. Kırmızı, mavi, siyah ve beyazdan oluşan sınırlı bir palette yapıldılar.
1912'de Salon d'Automne'da bu soyut çalışmalardan biri ilk kez Paris'te halka açık sergilendi.
Soyutlama tarzı, 21. yüzyılın resminde popülerliğini kaybetmiyor - modern sanat severler, evlerini böyle bir şaheserle dekore etmekten çekinmiyorlar ve bu tarzdaki eserler, çeşitli müzayedelerde muhteşem meblağlar karşılığında çekiç altına giriyor.
Aşağıdaki video sanatta soyutlama hakkında daha fazla bilgi edinmenize yardımcı olacaktır:
Soyut fotoğrafçılık anlaşılması zor ve belirli bir terimle tanımlanması zor bir şey gibi görünüyor. Belki de bu, “soyutlama” fikrinin soyut doğasından ve bu fotoğraf türüyle ilgili kökleşmiş yanlış kanılardan kaynaklanıyordu.
Birçok tarif edildi bu konu subjektif bakış açımdan ve bu yazıda çalışma yapımı soyut fotoğrafla sunmaya çalışacağım. Ne doğru ne de yanlış olacak ama işinize, düşünce sürecinize ve yaratıcı fikirlerinize uygulanabilir.
Soyutlama nedir? Bu soru üzerinden bütün bir tartışma başlatılabilir. Fotoğrafçılar, fotoğraflarını çektikleri konulara sonsuza kadar bağlıdırlar. “Gerçeklik”le olan ayrılmaz bağ, her zaman önümüzde bir fotoğraf gördüğümüz yanılsamasını yaratıyor herhangi bir şey ve bu bazen fotoğrafın tonunu belirler veya tamamen bozar. Fotoğrafa bu şekilde bakma, konuyu çevresindeki dünyada görmeye ve aralarındaki bağlantıya güvenmeye dayanır.
İÇİNDE Genel taslak soyutlama, bilginin dikkatli bir şekilde çıkarıldığı, yalnızca ana hatların kaldığı ve nesne-fotoğraf bağlantısının zayıflatıldığı bir süreçtir. Örneğin, bir parça kağıt ve bir kalem alın, elinizi parmaklarınızla birbirinden ayırın ve çizin.
Artık yalnızca bir taslağınız var; cilt dokusu, rengi, şekil derinliği vb. olmadan elin bir modeli. Parmak izi bile yok! Soyutlama kabaca bu şekilde çalışır; bilgilerin bir kısmını atarız ve yalnızca ihtiyacımız olanı bırakırız. Yukarıdaki ekran görüntüsünde gösterilen taslak mutlaka benim elim değildir. Böylece konu ile görüntü arasındaki bağlantı kaybolur.
Soyut fikirler orijinal konularına göre daha genelleştirilmiştir. Örneğin “yemek” kavramı “meyve”ye göre daha soyuttur ama “elma” zaten spesifiktir. Daha da ayrıntılı bir seçenek olabilir - "yeşil elma". Bu şekilde soyutlamadan kesin bir kavrama geçiş yapılır.
Şöyle diyebilirsiniz: “Ama çizim bunun bir el olduğunu açıkça gösteriyor. Bu nasıl soyut bir resim olabilir? Bu, birçok kişinin düştüğü bir yanlış anlama tuzağıdır. Görüntüler artık tanınamayacağı için soyut hale gelmiyor. Bunun nedeni, nesnenin kendisini değil, diğer niteliklerini (çizgiler, dokular, renk, şekil, desenler, ritim vb.) aktarmalarıdır.
Soyut Fotoğraf Oluşturmanın Yolları
Soyutlama belirli ve somut şeylerden uzaklaşıyorsa onun hareketini nasıl yönlendireceğiz? Tüm fotoğrafların bir dereceye kadar soyut olduğunu söyleyeyim! Her fotoğraf çektiğinizde merceğinizi üç boyutlu bir dünyaya doğrultursunuz ve ortaya iki boyutlu, düz bir görüntü çıkar. Sadece bir boyutu geride bıraktınız. Zaten alışmış olmamıza rağmen bu, soyutlamanın bir düzeyidir.
Ayrıca renkli fotoğraf çekip siyah beyaza çevirirseniz renk bilgisini de çöpe atmış olursunuz. Ancak soyut fotoğrafın gerçek anlamı yukarıda bahsettiğimiz örneklerden çok daha derinlerdedir.
Yalıtım veya dışlama yoluyla soyutlama
Bir konuya baktığınızda, bazı alanlar konunun kendisinden ayrı zıt çizgiler, dokular, renkler, şekiller veya formlar içerebileceğinden soyut bir fotoğraf oluşturma fırsatını görebilirsiniz. Bu, çekim sırasında veya ilgilenilen alanları izole etmek için post prodüksiyonda kırpılarak yapılabilir.
Yukarıdaki çekim, her ne olursa olsun altta yatan nesnenin kesilip çıkarıldığı soyutlama türlerinden biridir. Sonunda keskin kenarlı ve ilginç parlak dokulu iki güçlü çizgiyle karşı karşıya kalıyoruz. Bu artık “bir şeyin” fotoğrafı değil, öyle sunulan bir şeyin fotoğrafı. bağımsız kısım ana konudan ayrılmış ve tamamen çizgi, şekil, desen, doku, renk, ritim ve yapıya dayalıdır.
Mesafeyi artırarak soyutlamalar
Konudan uzaklaştıkça bilgiler kayboluyor. Bu özellikle şu durumlarda fark edilebilir hale gelebilir: uzun mesafelerörneğin, rakım arttıkça görünürlüğün azaldığı hava fotoğrafçılığında.
Yukarıdaki fotoğraf serimdeki çalışmalardan biridir Kızılötesi manzaralar(Kızılötesi Dünya Manzarası). Bunları Providence'tan Salt Lake City'ye uçarken kızılötesi ışıkta çekim yapabilen bir kamera kullanarak bir uçağın penceresinden çektim. Doku benzeri özellikler devasa tepeler, dağlar ve vadilerden oluşuyor. Her şey mikroskop altında cilt dokusu gibi küçük görünüyor. Elbette kalın kar örtüsü de soyutlama sürecinde rol oynamış ve bazı detayları ortadan kaldırmış.
Mesafeyi azaltarak soyutlama
Belirli konulara çok yaklaştığımızda, genellikle incelikli olan şeyler izole edilmiş soyut ayrıntılar olarak görünebilir. Yukarıdaki fotoğrafta kemer benzeri bir şeritten ve siyah bir çerçeveden gelen kalın çizgiler var. Nesnenin kendisi soyut hale gelir. Parlak düz turuncu renk soyutluğu daha da vurguluyor.
Hareket halindeki soyutlama
Bilgiyi atmanın ve böylece soyut bir fotoğraf yaratmanın bir başka yolu da harekettir. Konunun kendisi, fotoğrafçı, kamera veya hepsi birlikte hareket edebilir. Bu, örneğin ağaçları çekerken kamerayı yukarı doğru hareket ettirerek başarılabilir. Bu, bazı bilgileri ortadan kaldırsa da ağaçlar, daha empresyonist bir tarzda da olsa hâlâ önemli bir unsurdur. Bilgiyi büyük ölçüde eriten, geride bazı renkleri, desenleri, çizgileri bırakan bir hareketten bahsediyorum.
Yukarıdaki fotoğraf akşam geç saatlerde Providence ile Washington arasında bir yerde hareket eden bir trenden çekildi. Çizgiler ve renkler trenin hareketinden ve kamerayı kasıtlı olarak döndürmemden geldi.
Rastgele desenler kullanarak soyutlama
Bu fotoğrafın neyi temsil ettiğini anlayabilirsiniz ya da bilmeyebilirsiniz; bunun bir önemi yok. Önemli olan şu ki, bu modelin yaratılması üzerinde hiçbir kontrolüm yoktu. Tek çözüm deklanşöre bastığım an oldu. Bunu gördüklerime göre değil, kameranın şekli ne olursa olsun 5-6 saniye içinde yakalaması yönündeki beklentilerime dayanıyordum. Çekim sürecinde birçok kareyi, sonuç bazı nedenlerden dolayı ilgimi çekmediği için reddettim.
Değişim yöntemiyle soyutlama
Renk ve tonlar fotoğrafçılığın önemli unsurlarıdır. Görüntünün farklı bölümleri ve renkleri arasında belirli bir bağlantı kurmayı bekliyoruz. Beklenen bu yapı gerek post-processing sırasında gerekse çekim sırasında değiştirilerek soyut fotoğrafta bambaşka bir görünüm oluşturulabilir.
Yukarıdaki fotoğraf serimden başka bir çalışmadır Kızılötesi manzaralar. Kızılötesi ışığa duyarlı bir kamera kullanılarak yapıldı. Bu fotoğraflar, kızılötesi ışık ve kamera sensörüyle nasıl etkileşime girdiklerine bağlı olarak genellikle farklı renklere sahiptir. Renkleri de kendim değiştirerek gerçeküstücülük kattım. Sonuç, isimsiz bir alanın tanınması zor ayrıntılarla dolu bir anlık görüntüsüdür. Doku, desenler, çizgiler ve yeni renk, harita üzerinde belirli bir konum yerine yapısal öğeler haline geldi. Basit ters çevirme bile bazı fotoğraflardan ilginç soyut görüntüler oluşturabilir.
sonuçlar
Konu tanımanın soyut fotoğrafçılıkla hiçbir ilgisi yoktur. Temel farkın sanatçının bir nesneyi mi, yoksa başka bir grafik yapıyı mı sunduğu olduğuna inanıyorum. Aaron Siskind'in, soyulan boyayı veya bir yığın kayayı görebileceğiniz çalışmalarına bakın. Bu tanınma hızla silindikçe, fotoğrafın yüzeyi ve içeriği konudan kopmuş halde kalırsınız. Diğer bir örnek ise André Kertész'in bir evin duvarının fotoğrafıdır; bu, önümüzde bir bina olduğunu açıkça gösterir, ancak buna odaklanmanın bir anlamı yoktur çünkü çerçeve farklı resimlerle doludur. geometrik şekiller, güçlü bir yapı oluşturuyoruz. Fotoğraf pekâlâ soyut niteliklere sahip olabilir veya pek çok farklı şekilde okunabilir.
Soyut fotoğraflar yaratma konusundaki görüşlerimi özetledim, size üzerinde düşünmeniz için bir şeyler verdim. Diğer fotoğrafçıların soyut çalışmalarına bakarken de aynı yapıyı kullanıyorum. Bu yaklaşım, soyut fotoğraf üzerinde çalışmanız veya anlamanız açısından size faydalı olabileceği gibi faydasız da olabilir. Her durumda, yorumlarda görüşlerinizi duymaya hazır olacağım.
Moskova kültürel ortamında soyut fotoğrafçılıkla şaşırtmak zordur, ancak aynı zamanda tanınabilecek ve kendini yüksek sesle ilan edebilecek istikrarlı bir yön de yoktur. Bunun nedeni herhangi bir şey olabilir ama olağanüstü fotoğrafçıların eksikliğinden değil, özellikle de Moskova'dan bahsediyorsak. Bu makale bu yöndeki mevcut bilgi eksikliğini gidermeye yönelik bir girişimdir. Belki de alışılmadık bir şeyden korkmaya o kadar alıştık ki, herhangi bir alanda yerleşik çerçevelerin dışına çıkma girişimleri isyan ve düşmanca bir şey olarak algılanıyor.
Soyutlama ve özellikle soyut fotoğraf, sanatçıyı engelleyen zincirlerin tam anlamıyla normun reddidir. Bu, örneğin Man Ray, Georgie Kepes ve Moholy-Nagy'nin sanatıydı. Bir noktada alışılagelmiş türlerin içinde sıkışıp kaldıklarını hissettiler ve sonsuz manzara ve portrelerden kaçmak istediler. Fotoğrafın kendisi de çok geçmeden solarizasyon, fotogram, izohelyum ve otografi gibi görüntü üretmenin benzersiz yöntemlerini geliştirdi. Ve şimdi, ortaya çıktığında dijital teknolojiler Görüntü işleme için muazzam olanaklar sağlayan fotoğrafa yönelik bir çılgınlık görüyoruz, ancak aynı zamanda soyut sanat elit ve erişilemez bir şey olmaya devam ediyor. Modern fotoğrafçılık 21. yüzyılın hızında gelişiyor ve halkın olgunlaşmasını sabırsızlıkla bekliyor. Bu bağlamda yakın zamanda Moskova'da kurulan Soyut Fotoğraf Derneği “Ecole d`essai photo” genel eğilimden farklı olması nedeniyle dikkat çekiyor.
Sekiz fotoğrafçı “Ecole d`essai photo” himayesinde birleşti ve bu birlik yeni üyelerle doldurulmaya devam ediyor. Nispeten Kısa bir zaman Her biri başkentin kültürel yaşamına yeni bir modern fotoğraf ve soyutlama anlayışı getiren üç sergi şimdiden gerçekleşti. Mart 2016'da eserleri Zverev Çağdaş Sanat Merkezi'nde, Mayıs ayında LitKabinet galerisinde ve Ağustos ayında Merkezi Mimarlar Evi'nde sergilendi.
Derneğin Üyeleri: Georgy Avetisov, Victor Vinokurov, Alexander Gusev, Dmitry Zolotarev, Vladimir Alexandrov, Anna Basova, Svetlana Ivushkina, Alla Andersen - eserleri benzersizdir ve yeni formlar arama ve yeni anlamlar verme konusundaki ortak arzularıyla öne çıkarlar. yerleşik olanlara. Soyut sanatı çeken nedir ve modern sanatçılar izleyiciye ne aktarmak istiyor? Bunu biraz anlamak için derneğin bazı üyeleriyle yapılan bir röportajı dikkatinize sunuyoruz: Georgy Avetisov, Dmitry Zolotarev, Anna Basova.
Georgy Avetisov ile röportaj (Moskova Devlet Kültür ve Kültür Üniversitesi mezunu, müzisyen, fotoğrafçı, TSHR üyesi)
Merhaba Georgy. Fotoğraf Derneği'nin kurucusu olarak sizden bahsediyorlar, o yüzden hemen bununla ilgili birkaç temel soruyu sormak istiyorum. Aynı zamanda korkuyorum normal format iletişim uygun olmayabilir. Sonuçta, bir fotoğrafçı genellikle kamerayı dünyaya kendisinden bahsetmenin bir yolu olarak kullanır ve şimdi biz de aynısını yapmaya çalışacağız, ancak röportaj türünde. Bir fotoğrafçının yaratıcılığını bu şekilde ifade edebilmesi için konuşabileceği en iyi şey nedir? Sonuçta, doğrudan sorular her zaman bilincin ince motiflerini yansıtmaya uygun değildir ve herkes açık ve kesin bir cevap olmaya hazır değildir.
Öyle ya da böyle, her yaratıcı dünyaya kendi içinde ne olduğunu anlatır. Sadece hikayenin biçimini seçiyor. Bir sohbette dünya vizyonunuzu bu şekilde ifade edebileceğinizi düşünmüyorum. Kelimeler genellikle boştur veya tam tersine röportaj sanat tarihi veya felsefi terimlerle doludur. Bundan kaçınmaya çalışıyoruz ve yaratıcılık hakkındaki sohbete herhangi bir ek edebi zevk katmamaya çalışıyoruz. Dünyaya bakışınız, son bir çözümleme yapılmadan, ister ipucu ister küçük bir ipucu olarak fotoğraflarda sergilenmelidir.
İyi. Gereksiz “güzellik” olmadan konuşmaya çalışalım ama doğrudan soralım: soyut bir şey yaratma arzusu ne zaman ortaya çıkıyor? Bu türdeki ilk deneyiminiz neydi?
Arzu neredeyse her zaman oradadır, ancak siz her zaman arkanıza bakmadan bu beklenmedik dünyaya dalmanıza izin verebileceğiniz o ilham verici durumda değilsiniz. Pek çok şey önümüze çıkıyor: olağan biçim nesneler, gelenekler, düşüncenin ataleti, şüpheler - işe yarayacak mı? Evet. Her zaman şüpheler vardır: Bu doğru görüntü mü, içinde herhangi bir iç içerik ve gelişme var mı? Ama kendinizi “bıraktığınızda” görmeye başlarsınız.
Henüz film çekerken soyut doğayla başladım. Bireysel yaprakların, dalların, çimenlerin durumu ve genellikle kendi türlerinin milyonlarcası arasında görünmeyen bireysellikleri beni büyülemişti. Üç yıl boyunca fotoğrafları özenle seçerek fotoğraf çektim.
Sonuç, büyük ve oldukça sıra dışı bir seriydi. Onunla ilgili her şey çok havadar, bakir ve şiirsel. Karakter olarak empresyonizme yakındır, böylesi doğal grafikler ve ışık ve renk oyunları. Daha sonra bu yönde çalışmaya devam etmeye çalıştım ama meğerse her şeyi orada bulmuştum ve kendini tekrarlamalar çoktan başlamıştı. Sadece iki yıl sonra, beklenmedik bir şekilde, günlük koşuşturma içinde görünmeyen pek çok ilginç malzeme keşfettiğim şehre taşındım. Bu Paris'te oldu. Zaten Moskova'dayken görüntülere baktım ve burada yeni bir şeyler olduğunu fark ettim. Düşünmeye ve üzerinde çalışmaya başladım. İlk kentsel soyutlamalarım böyle ortaya çıktı.
Rusya'da 21. yüzyılda bile herkes soyut sanatı algılayamıyor. İdeal soyut fotoğraf uzmanı nasıl bir algıya sahip olmalı ve onu nasıl bir estetik etkinin etkilemesi bekleniyor? Orada manevi bir unsur var mı?
Soyut sanat Avrupa'da çok popüler. En azından apartman ve evlerin duvarlarının dekorasyonu açısından. Burada işler çok daha kötü. İnsanlar tanınabilir bir şeyler görmek istiyor: portreler, natürmortlar, manzaralar, şehir manzaraları. Soyut fotoğraflara bakmak için özel bir hassasiyete sahip olmanıza gerek olduğunu düşünmüyorum. Bunların hepsi fantezi ve duygu düzeyinde. Sonuçta, çalışmalarımızın çoğu, kişiyi fantezinin sınır tanımadığı ve her gün alışılmadık ve heyecan verici bir şey keşfettiğiniz belirli bir ilkel duruma veya çocukluğa yönlendiriyor.
Şimdi manevi hakkında. Bu zor bir soru. Size komik bir hikaye anlatabilirim. Yaklaşık üç yıl önce soyut doğa serimle Moskova galerilerini dolaştım ve bir sergi düzenlemeyi teklif ettim. Ve bir galeri sahibinden çalışmalarımla ilgili şu sonucu duydum: "Güzeller, samimiler ama manevi değiller." Dilediğiniz gibi anlayın!
Soyut resimde sanatın ana nesneleri, sanatçının dünya vizyonunu aktardığı figür (kübizm, geometrik soyutlama) ve renk (rayonizm, süprematizm) idi. Soyut fotoğraf dünyanın hangi evrensel modelini ifade ediyor?
Açıklığa kavuşturmamız gerekiyor. Soyut resimde figürler yoktur ama geometrik şekiller ve renk kombinasyonları. Süprematizm, çok renkli düzlemlerin ve yine en basit geometrik şekillerin - çizgi, kare, üçgen, daire - kombinasyonlarıyla karakterize edilir. Gördüğünüz gibi renk ve çizgiler ön planda. Aynı şey soyut fotoğrafçılık için de geçerlidir. Elbette kamera butonu sanatçının fırçası ve eliyle aynı seviyeye yerleştirilemez. Bu bakımdan fotoğrafçının dünya görüşünü sergilemesi çok daha sınırlıdır. Bu nedenle teknik görüntü işlemeyi kendisine yardım etmeye çağırıyor. Bunun analog bir fotoğraf stüdyosunda mı yoksa ev bilgisayarında mı yapıldığı önemli değil. Ve hiç yok evrensel modeller barış. Fotoğrafçı yalnızca duygularına, deneyimine, gelişmiş zevkine ve eğitimine güvenir. Örneğin, teknik bir fotoğrafçının dünyasının, müzisyen bir fotoğrafçının dünyasına göre daha yapılandırmacı olma ihtimali daha yüksektir. Daha fazla duygu ve doğaçlama olacak.
Bu durumda hemen şu soru ortaya çıkıyor: Soyut fotoğrafçılıkta size en yakın temalar hangileri?
Bazen farklı şehirlerde keşfettiğim, bazı mesajları birdenbire bulma ve deşifre etme oyunu beni büyülüyor. Kural olarak, bunlar bazı hayvanların ipuçlarıdır veya bir boya katmanından zar zor görülebilen yüzler veya bir tür gerçek uzay savaşları veya metal veya taş yüzeyler üzerindeki İncil'deki sahnelerdir. Kısa ömürlüdürler ve Bir sonraki ziyaret Aynı yerden hiçbir şey bulamama riskiyle karşı karşıyasınız. Bu nedenle her küçük ayrıntıya özellikle dikkat etmeniz gerekiyor.
Eserleriniz sergilendi mi ve sergileriniz halk tarafından nasıl karşılandı?
Halihazırda hepsi 2016 yılında olmak üzere üç sergi düzenledik. İlginin büyük olduğunu rahatlıkla söyleyebilirim. Birçoğunun kafası karışmıştı: Bu nedir, nasıl, böyle bir hayal gücü, bu kadar alışılmadık teknikler nereden geliyor? En iyi yanı, oldukça deneyimli fotoğrafçıların, bu işi üstlenmemize ve böylesine karmaşık bir tür olan soyut fotoğrafçılıkta fantezilerimizi başarıyla gerçekleştirmemize hoş bir şekilde şaşırmalarıydı. Herkes bize başarılar diledi, bu da cesaret verici.
Onları anlıyorum. Ayrıca çalışmanıza daha derinlemesine “nüfuz etmek” istiyoruz. Mesela şunu anlamak için: Fotoğraf yakalanmış bir anı mı ima ediyor, yoksa uzun bir zamandan ilham alan bir ruh hali mi?
Bu ne bir an, ne de bir ruh hali. Bir hikaye bulursam uzun süre durup ona bakabilirim, içinde saklı olan içeriği anlamaya çalışırım. Daha sonra doğru ışığın gelmesini bekleyebilir, bir çekim yapabilir ve on dakika sonra bir tane daha çekebilirim.
Bunca zamandır son versiyonda nasıl görüneceğini düşünüyorum. Bazen cevap hemen gelmez ve bunu evde çözmeniz gerekir. Çoğu zaman, arsanın zaten bir ruh hali vardır, aksi takdirde buna dikkat etmezsiniz ve yeni bir şey aramak için caddede ilerlersiniz.
“Yapıbozum ß” sergisinde fotoğraftaki tanıdık nesneleri tanımaktan kaçınmaya çalıştığınızı söylemiştiniz: evler, gündelik yaşam, yüzler; Bunun geleneksel yaratıcılıktan uzaklaşmanın bir yolu olduğundan bahsedin. Yaratıcı güdüleriniz daha çok çevredeki gerçekliğin reddedilmesi mi, yoksa daha çok yeni gelişim yolları arayışı mı?
Gerçeklik artık kimseyi ilgilendirmiyor. İnsanların Instagram'daki görselleri nasıl çarpıttığına bir bakın. Ev ve gündelik fotoğraflara bile çizgiler, noktalar, aşınmalar, görüntü kırılmaları eklerler, rengi değiştirirler, görüntüyü sepyaya veya s/b'ye dönüştürürler... Herkes, sıradan bir fotoğraftan bile orijinal ve farklı bir şey elde etmek ister. Bunu hazır eklentileri kullanarak anında yapıyorlar. Sadece eğleniyorlar ve bunda hiçbir arama yok. Arama, diyelim ki danstan şarkıya, şarkıdan müziğe gittiğinizde başlar. Fotoğrafçılık uzun zamandır temel işlevlerini yerine getirmeyi bıraktı; belgesel bir şeyin iletimi. Dolayısıyla bu türü geliştirmenin yeni yollarını aradığımızı söyleyebiliriz.
Soyut fotoğrafçılıkta klişeler hakkında ne düşünüyorsunuz? Sanatçının bireysel dünya görüşünü ele alırken bu ne şekilde mümkün olabilir?
Klişelerle soyut fotoğrafçılığın birbirine karışmadığına eminim. Modern dünyada, bilgi bolluğu nedeniyle (çok sayıda fotoğrafçı ve fotoğraf dahil) tekrarlardan kaçınmanın zor olduğunu kabul ediyorum. Kalıplaşmış kalıpları takip etmek bir fotoğrafçının başarıya daha hızlı ulaşmasını sağlıyorsa, bu onun yoludur. Elbette bağımsız bireysel bilinç tamamen imkansızdır. Belki de sadece ıssız bir adada... Hepimiz film, resim, fotoğraf izliyoruz. Burada kendinize karşı dürüst olmanız ve başkalarını gözetlemenize, hayali popülerlik uğruna taviz vermenize izin vermemeniz önemlidir.
Soyut fotoğrafçılık olmasaydı dünya ne kaybederdi?
Onu kaybedemeyecek çünkü yeteneği soyut düşünme biridir ayırt edici özellikleri kişi.
Dmitry Zolotarev ile röportaj (Moskova Devlet Üniversitesi mezunu, restoratör, Devlet Tarih Müzesi fotoğrafçısı)
Dmitry, merhaba. Soyut fotoğrafçı olarak tanınıyorsunuz ama aynı zamanda Devlet Tarih Müzesi'nde profesyonel olarak restorasyon işleriyle de ilgileniyorsunuz. Hobiniz nedir ve hayatınızın işi nedir?
Hayatta zaten üç şey vardı: Jeoloji, profesyonel fotoğrafçılık ve restorasyon. Ve bu faaliyetlere paralel olarak, her zaman “ruh için” bir fotoğraf tutkusu vardı: araştırmacı, sorumsuz, iyi anlamda.
Şu anda gençleri “ruh” için herhangi bir şeyle, özellikle de birkaç alanda aynı anda büyülemek zor. Sizi tanıdığımızdan başka etkinliklerin de olduğunu tahmin edebiliriz. Çünkü o dönemde çocuklar çeşitli kulüp ve bölümlerde aktif olarak yer alıyordu. Bunlardan geriye kalan ve yaratıcı yolunuzu etkileyen ne oldu?
Pek çok akranım gibi biz de lisede babalarımızın ve dedelerimizin rehberliğinde fotoğrafçılık okumaya başladık. Büyükbabalar, çekilmiş Alman kameralarını aldı, babalar, değerli Zenitlerini ve Federallerini dikkatlice bize teslim etti. Ama biz fotoğrafçılığı bir meslek olarak hayal etmedik. Peki o halde 70-80'lerde bir fotoğrafçıyı bir denizci, yazar, fizikçi, rock müzisyeni, diplomat, doktorla karşılaştırmak nasıl olabilir? Bu neslin erkek çocukları için diğer hobiler yaygındı. Okumak, müzik, havyalar, ampuller, pullar, kızlar, hokey, akvaryumlar vb. Muhtemelen yaşanmış herhangi bir deneyim, yaratıcılık da dahil olmak üzere seçilen yolları bir dereceye kadar etkiler.
Çalışmanızı bir tür anlık yansıma olarak nasıl karakterize edebilirsiniz? iç durum Yoksa belirli bir süre içinde düşünülüp yaratılmış, verilen yaratıcı görevleri yerine getiren katı bir şekilde oluşturulmuş bir kompozisyon mu?
Hiç şüphe yok ki “Yeni Kaleydoskop” serisinin tüm eserleri doğaçlamadır “bir dakika dur!” Projenin fotoğraf teknolojisi her görüntüyü benzersiz ve anlık kılıyor. Çerçeve yalnızca belirli bir andaki içsel durumun bir yansımasıdır. Bir gün sonra, örneğin olay örgüsü tamamen farklı bir renk versiyonunda yürütülebilir.
Sanat nesnelerini algılayan kişi, soyut sanatta bile her zaman herhangi bir eserde mantıksal motifler arar. Her eserin iç mantığını hissediyorsunuz ancak ortaya çıkan duyguyu dille aktarmak oldukça zor. Bana öyle geliyor ki belli bir çatışma var - şekiller, renkler, çizgiler ama bu arada her fotoğraf kendi anlamını ifade ediyor. Bunu açıklayabilir misiniz, yoksa yazarın niyetinin o kadar da önemli olmadığı bir durumda, fotoğraflarınız izleyiciyle başka bir şekilde etkileşime giriyor mu?
Doğrusunu söylemek gerekirse fotoğraf çekerken anlam aramıyorum. Eğer görüntüdeki her şeyin birleşimini beğeniyorsam kameranın deklanşör tuşuna basıyorum. Bazen bazı çağrışımlar ortaya çıkıyor ama çerçeveyi onlara göre ayarlamıyorum. Zorlamıyorum. Ne kendime ne de olası izleyiciye bir anlam yüklemiyorum. Kural olarak, her izleyici resimde kendi imajını görür ve buna şaşırmayı severim. Ben dahil pek çok kişi eserlerde bir anlam bulamıyor. Fotoğraf kağıdı düzlemindeki her şeyin birleşimini seviyoruz. Bu bir tür analizi kapatma oyunudur. Çalışmayı seviyorum ama nedenini tam olarak açıklamak zor. Ve bu gizem büyüleyici. Belki aşka benzer bir şey...
Soyutlamanın sıkıcı hale geldiği ve daha erişilebilir bir şey istediğiniz zamanlar var mı?
Müdahale etmiyor. Klasik fotoğrafçılık yapmaktan hoşlanıyorum: manzara, sahnelenmiş vb. Herhangi bir yaratıcı fotoğrafçılığı, genel olarak şaşırtıcı, sakinleştirici, sonuçlarıyla üzebilen, çok şey yapabilen bir deney olarak görüyorum.
Sanat için önemli bir kriter her şeyden önce yeniliktir. Soyut fotoğrafçılıkta yeni bir şey mi arıyorsunuz? Yeni veya zaten tanınmış çalışmalara aşina mısınız?
Fotoğrafçılığın teknik yetenekleriyle ilgileniyorum, bu da çoğu zaman yeni bir görsel aracın ve hatta yeni bir yaratıcı fikrin keşfedilmesine yol açıyor. Bana ilginç gelen bir sonuçla, işten tatmin olmanın estetik kökenini anlamaya çalışıyorum. Ancak çoğu zaman bunu yapmıyorum ve sadece daha fazla deney yapıyorum.
Anna Basova ile röportaj (profesyonel fotoğrafçı, tasarımcı, TSHR üyesi)
Siz halihazırda 13'ten fazla sergiye sahip, genç ve parlak bir sanatçısınız. Bu bağlamda, yeteneğin özellikleri hakkındaki düşüncelerinizi bilmek ilginç olurdu: her şeyden önce, bu bir hediye mi yoksa işin doğal bir sonucu mu? Yetenekli bir fotoğrafçının hangi niteliklere sahip olması gerekir?
Karışık mevzu. Bana öyle geliyor ki, bunu iki faktörün birleşimi olarak düşünmek en doğrusu olacaktır: sürekli yeni şeyler öğrenme arzusu ve dolayısıyla öğrenme ve sonuçlara ulaşmak için çaba gösterme ve dünya "vizyonunuz". Örneğin, dünyadaki ilgi çekici yerlerin çok sayıda benzer fotoğrafı olduğunda, aynı nesne üzerinde her zaman yeni bir bakış açısı ve yeni bir bakış açısı bulabileceğinize her zaman şaşırmışımdır. Ancak bu her zaman kolay değildir. Bu, sanatçının bir tür “işi”dir.
Çalışmalarınızın arasında insan, şehir ve doğa temaları yer alıyor. Neden aniden soyut fotoğrafçılığı denemek istediniz?
Aslen portre ressamı olduğum ve başlangıçta illüstratif sahne fotoğrafçılığı alanında çalıştığım gerçeğini hiçbir zaman gizlemedim. Bu tercih edebiyata, sinemaya ve figüratif müziğe olan sevgiden kaynaklanmaktadır. Ancak yaratıcı alan tek boyutlu değildir. Bazen duyguları ifade etmek, yanıltıcı ve anlaşılması zor bir şeyi somutlaştırmaya çalışmak için sahneleme yeterli değildir. Dahası, biri diğeriyle aynı anda bir arada var olabilir ve hatta birbirini tamamlayabilir. Çerçeveler içinde sıklıkla soyut fotoğraf tekniklerine başvuruyorum. portre çalışmaları ve seri. Bu konuda kendimi sınırlamanın bir manasını görmüyorum.
Bir gün bir kış sabahı kızımla birlikte okula yürüyordum ve kız yanlışlıkla kameranın bir tuşuna bastı. cep telefonu, güzel bir kış çekimi yakaladı: karla kaplı bir ağaç, evler, yol, tramvay, büyük kar taneleri halinde yağan karın arka planında yoldan geçenler. 9 Mayıs geçit töreninde genç bir adamın, ağlayan bir gazinin rastgele bir fotoğrafını çektiği (genç adamın kendisi de selfie gibi bir şey çekmek istiyordu) ve bu fotoğrafın daha sonra bir fotoğraf yarışmasının galibi olduğu ve katıldığı bir hikaye de var. Büyük Vatanseverlik Savaşı'na adanmış sergiler. Vatanseverlik Savaşı. Sizce fotoğraf alanındaki teknolojik sıçrama, dijitale geçiş denilen süreç, internetin ve fotoğraf editörlerinin gelişmesinin sanata nasıl bir etkisi oldu? Teknoloji amatörün aynı zamanda vizyonun hem kalitesini hem de özgünlüğünü taklit etmesine izin verirken, bir amatör bir sanatçıdan nasıl ayırt edilebilir?
Fotoğrafçılık alanında her türlü ilerlemeyi memnuniyetle karşılarım. Bu bize çeşitli şekillerde yaratıcı olmamız için daha fazla fırsat veriyor. Yine de, aşırı hobi Mesela portre fotoğrafçılığında fotoğraf editörlerini tasvip etmiyorum. Ya da sadece illüstrasyon, dijital sanat olarak sınıflandırıyorum. İkinci soruya gelince, biraz sert gelebilir ama amatörü profesyonelden ayıran şey, sonucun “rastgeleliğidir”. Sokak fotoğrafçılığında profesyonel olan biri bile çerçeveye odaklanırken bir dakika içinde her şeyi fark edecek zamana sahip olacaktır: gölgenin nasıl düştüğü, ışığın hangi taraftan geldiği, parlama, çerçevenin nasıl çerçeveleneceği.
Lütfen bize soyut fotoğraf sergilerine katılımınızdan bahsedin. Hangi beklentiler karşılandı, hangi umutlar umut olarak kaldı? Daha geleneksel fotoğraf sergileriyle karşılaştırıldığında bir fark var mı?
Böyle bir beklenti yoktu. Sadece heyecan verici projelere katılmakla ilgileniyorum ve bu yönü elimden geldiğince destekliyorum. Sergiler sorunsuz geçmedi ama bu doğaldır. İnanın bana, yüzüncü kez yapılsa bile böyle bir etkinliğin hiçbiri komplikasyonsuz ve telaşsız tamamlanmaz. Aradaki fark, tanımlanması zor olan genel bir ruh hali ve ruh halindedir. Aynı zamanda rahat ve felsefi. İnsanlar fikirlerini ifade etmekten, izlenimlerini paylaşmaktan çekinmiyorlar.
Fotoğrafçılığa olan tutkunuz nedir ve bunun mesleğiniz olduğunu ne zaman anladınız? Artık sanatı ne kadar ciddiye alabilirsiniz?
Uzun zamandır resim yapıyorum, hatta sanat fakültesine bile gittim ama olmadı. Daha sonra enstitü müzik grubu. Boyama hala daha fazla zaman alıyor. Önce elime bir sabun kutusu geçti, sonra da babamın Zenit'i. Bu arada, ilerideki eğitimimi büyük ölçüde kolaylaştıran film kullanma deneyimimdi. Çünkü temel bilgileri uygulamak için bundan daha görsel bir "simülatör" olamaz. Marianna Kornilova'nın derslerini bilinçli olarak almaya karar verdiğimde girişimlerim ciddi bir hal aldı. Hemen portre fotoğrafçılığına başladım. Bireysel algı çerçevesinde sanata dilediğiniz şekilde yaklaşabilirsiniz.
Fotoğrafçılık bugünlerde çok popüler; eline en az bir kez yaratıcı dürtülere sahip bir fotoğraf makinesi almış olan pek çok kişi, hemen şu soru hakkında endişelenmeye başlıyor: Kim bununla ilgilenebilir? Bu konuda fikrinizi öğrenmek isterim: “Moda fotoğrafçısı” tabiri sizin için ne ifade ediyor ve soyut fotoğrafçılık alanında başarı öyküleri var mı?
Moda fotoğrafçısı istikrarsız bir kavramdır; bugün modasın, yarın modası geçmişsin. Ve bu Doğal süreç. Çoğu zaman bunlar para kazanan profesyonellerdir. Ve her iki yönde de çalışır. Hem fotoğrafçının kendisi hem de onu kiralayanlar ya da fotoğraf satın alanlar para kazanıyor. Soyut fotoğrafçılık alanında pek çok başarı öyküsü var: Thomas Ruff, Laszlo Moholy-Nagy, Wolfgang Tillmans (sanatın en prestijli ödüllerinden biri olan Turner Ödülü'nü aldı).
Doğayla daha fazla çalışmaya mı yoksa yakalanmış bir anı bir grafik düzenleyicide dönüştürmeye mi çalışıyorsunuz? Bu ne veriyor?
Doğa hâlâ ön planda. Hemen nihai fikrin ifadesine mümkün olduğunca yakın bir çekim yapmaya çalışıyorum. Ama eğer hayal gücüm benden bir şeyi değiştirmemi isterse, bunu reddetmem.
Çok sayıda favori fotoğraf var; spesifik örnekler verirseniz sizi linklerle boğarım. Hepsi farklı türlere ait. Bu sadece soyut veya portre fotoğrafçılığı değil. İçinde punktum olan her akılda kalıcı çekime hayranım. Bu en doğru şekilde Roland Barthes'ın "Camera Lucida" kitabında anlatılmıştır. Japon fotoğrafçıları seviyorum, her zaman benzersiz bir dünya görüşüne sahipler, sadece dışarıya değil içeriye de bakıyorlar. Salyangoz veya puf böreği, birçok çağrışım.
Soyut fotoğrafçılığa olan tutkusu hakkında. Bu konuya dönüp daha detaylı konuşmaya karar verdik.
-Vlad, seni soyut konulara çeken ne?
Bazen etrafımızdaki en sıradan şeylerde beklenmedik ve çok ilginç hikayeler bulabilirsiniz. Onlara baktığınızda bunun sıradan ve sıkıcı bir şey olduğunu unutursunuz ve sıradan bir şeyi yaratıcı bir çalışmaya dönüştürmenin büyüsünü görürsünüz. İlginç bir çekim kelimenin tam anlamıyla her yerde bulunabilir - evde, işte, yürüyüşte, günün saatine, aydınlatmaya ve hava durumuna bakılmaksızın. Çoğu zaman bu tür sahnelerde nesnelerin zarafeti ve özlülüğü ortaya çıkar.
Ayrıca doğada da görülebilirler - kar, su, kum deseninde, dalların dizilişinde, çimenlerde vb. Bunlar aynı zamanda insanın yaptığı şeylerde de görülebilir. Ana şeyin renk, kombinasyon ve olduğu bir soyutlama olabilir. karşılıklı düzenleme nesneler farklı renkler ya da belki de asıl şeyin şekil ve geometri olduğu, rengin yalnızca asıl şeyden dikkatini dağıttığı bir çerçeve vardır ve bu durumda fotoğrafın siyah beyaz çekilmesi gerekir.
- Ne zamandır benzer hikayeleri filme alıyorsunuz ve bunlara olan ilginizin nerede başladığını hatırlayabiliyor musunuz?
İlgimin tam olarak nerede başladığını hatırlamıyorum. Doğal olarak bu oldu; diğer türlerdeki çekimlerden soyutlamalara keskin bir geçiş olmadı. Bu türden ilk fotoğraflardan birini 2004 yılında ilk 3,2 megapiksel dijital bas-çek kameramla çekmiştim. Şaşırtıcı bir şekilde, daha sonra ve daha iyi fotoğraf ekipmanlarıyla çektiğim diğer birçok fotoğrafım için söyleyemeyeceğim bu işi hala seviyorum.
Onları hemen mi görüyorsunuz, gerçekten dikkatinizi mi çekiyorlar, yoksa onları zaten çekim ve işleme sürecinde mi fark ediyorsunuz?
Bu sahnelerin çoğunu hemen görüyorum ama ne yazık ki bulduğumu ve göstermek istediğimi her zaman doğru bir şekilde aktarıp son karede somutlaştıramıyorum. Diğer türlerdeki fotoğraflar da dahil olmak üzere bazı sahneler, görüntüleri görüntülerken zaten görülebiliyor.
- Bize soyut fotoğraflarınızın coğrafyasını anlatın. Nerede yapılıyorlar?
Elimde kameranın olduğu her yerde - dairemde, yürüyüşlerde, şehirlere ve ülkelere gezilerde; Ameliyattan sonra hastanede bile can sıkıntısıyla ve hastane koridorlarının genel atmosferiyle mücadele ederek böyle bir şey çekmeye çalıştım.
- Rus şehirleri soyut konular konusunda ne kadar cömert?
Belirli bir şehri seçemem; bu tür hikayeler hemen hemen her yerde ve her zaman bulunabilir ve işe yararsa çok sevinirim. Elbette Moskova bunlar açısından zengin: mimari formların çeşitliliği sayesinde antik çağ ve 21. yüzyıl burada bir arada var. Başkentte soyutlama bulma konusunda özellikle iyi olan bazı fotoğrafçıları gerçekten kıskanıyorum. Gerçi bunu küçük kasaba ve köylerde yapmak benim için daha kolay.
- Özellikle soyut konular açısından zengin herhangi bir gezi veya olayı hatırlayabiliyor musunuz?
Belki de her zamankinden biraz daha fazla Komi Cumhuriyeti gezisinde onları fotoğrafladım. Syktyvkar yakınlarında bir Mart gününü hatırlıyorum: Bulutlu gökyüzü, sıfırın üzerindeki sıcaklıklar, yollardaki su birikintileri ve tarlalardaki kar, ilginç manzaralar açısından dikkat çekici hiçbir şey yoktu. Ve böylece böyle bir tarlanın yanından geçerken aniden arabadan inip orada yürümek istedim. Yoldan aşağı indim, kendimi diz boyu karda buldum ve önümde beyaz-beyaz geniş bir ova ve koyu bulutlu bir gökyüzü, bir kar bulutu vardı. Bu boşluk, kontrast, ışık-karanlık dengesi çok hoşuma gitti, ortada ufuk çizgisiyle tuhaf iki renkli bir çekim yapmak istedim.
- Soyut fotoğrafçılıkta rol modeliniz var mı?
Çeşitli yazarların soyut çalışmalarını gerçekten seviyorum; bazılarını yayınlardan, fotoğraf sitelerinden, bazılarını kişisel olarak tanıyorum. Ama taklit etmeyi sevmiyorum ve yapmamaya çalışıyorum. Fotoğrafçı ruhunun bir kısmını, görüşünü resmetmeye çalışır; Eğer farklıysak ve her birimiz kendimize ait, eşsiz bir şey yaratabiliyorsak neden onu taklit edeyim ki? İnsanların hepsi farklıdır ve bu harika.
Geçenlerde bana bir fotoğrafın iki ilginç yazarın (Hiroshi Sugimoto ve Mark Rothko) bir dizi çalışmasına benzediği söylendi. Bir yandan tanınmış ustalardan biriyle fikrin aynı yöne gitmesi güzel, diğer yandan birinin zaten benzer bir şeye sahip olması utanç verici, bunu bilmeme rağmen bilmiyordum. çalışmalarını görün. Bazıları sadece taklit ettiğimi düşünebilir.
- Tüm çekim boyunca soyut fotoğrafların yüzdesi nedir?
Söylemesi zor. Hiç soyut çekimlerin olmadığı çekimler oluyor ve bazen çekimlerin tamamında sadece tesadüfen yapılan işler beğeniliyor. Genelde soyutlama ve geometri içeren fotoğrafları hemen hemen her zaman spontane çekerim, bir şeye bakarken aniden aklıma bir fikir gelir.
Soyut fotoğrafçılık sizin için ne anlama geliyor; fotoğrafçının gözünü göstermek, geometriyi ve şekilleri göstermek veya daha fazlasını mı?
Yazarın vizyonu, görüşünün gösterilmesi, fikrin somutlaşması. Dünyanın bir parçasını diğer insanlara kendi gözlerimle gördüğüm şekilde gösterme fırsatı. Bazı soyutlamalarda esas olan minimalizmdir ve çerçevede gerçekten saygı duyuyorum. Diğerlerinde belirli bir nesne veya renk kaosu vardır, ancak bu, bakılması ilginç olan genel, tek ve bütün bir resme katkıda bulunur. .
- Fotoğrafları çoğu durumda son işlem sırasında kırpıyor musunuz?
Çoğunlukta değil ama oluyor. Bazen kırpmadan yapamazsınız - kare bir çerçeve yapmak istediğinizde; çekim sırasında bunu hemen istediğiniz şekilde yapmak imkansız olduğunda ve içine yabancı nesneler girdiğinde.
- Soyutlamalarla da ilgilenen acemi fotoğrafçılara ne gibi tavsiyelerde bulunabilirsiniz?
Hayal kurma, arama ve yaratma arzusu bu konuda çok faydalıdır. Kendiniz için çekim yapın, duygularınızı takip edin ama aynı zamanda eylemlerinizi anlayın ve İstenen sonuç. Sanatçıların, fotoğrafçıların, tasarımcıların ve mimarların çalışmalarını izlemek ve incelemek her zaman faydalıdır.
- Sohbetiniz için teşekkür ederiz ve size yeni çekici hikayeler dilerim!
