Ursula Abres nació en Argentina y creció en Chile. Con el tiempo, se mudó a Estados Unidos para estudiar en la universidad, e incluso más tarde se mudó a Canadá de forma permanente. Ella todavía vive en Columbia Británica, Canadá. Esta es una hermosa provincia. Aquí el paisaje montañoso se diluye con una gran cantidad de árboles, lagos y ríos, cascadas, rocas y fauna. Este lugar es perfecto para que viva Úrsula.
Está casada y su familia tiene cinco hijos. La educación de Ursula Abresch está relacionada con el arte y la historia, pero en en este momento dedica la mayor parte de su tiempo a la fotografía.
2) ¿Qué precede a la creación de obras tan bellas?
La tarea principal es buscar y descubrir qué constituye un objeto. Estas son ciertas cualidades básicas de cualquier objeto que te permiten penetrar en su esencia. Identificar algo fundamental sobre un tema. Esto no significa que debas simplemente mirar los árboles o el agua. Se trata más de percepción emocional, de estado de ánimo. A Ursula le gusta pensar que todos estos objetos son abstractos. Así puede ponerlos en la imagen y al mismo tiempo su percepción cambia, comienza a verlos, oírlos y sentirlos.
Además, para crear este tipo de fotografías, deben, como mínimo, evocar simpatía. Al igual que algunas personas prefieren la fotografía en blanco y negro, o los retratos o los paisajes. Necesitas amar la abstracción. Esto afecta la cosmovisión y la forma de pensar. Puedes apreciar otras direcciones, pero la abstracción debería causarte un asombro especial. Ésta debería ser la razón por la que lo asumes. En realidad, esta definición es típica de cualquiera de sus actividades.
3) Postprocesamiento de imágenes
Actualmente, Ursula Abresch sólo fotografía con una cámara digital y le encanta. Después de todo, te brinda muchas más oportunidades de experimentación que nunca tendrás con una cámara de cine. Las tecnologías digitales están abriendo nuevas formas de expresión para muchas personas.
Al disparar con cualquier cámara, aún se desconoce la versión final de la imagen. En este tipo de fotografía, simplemente no hay forma de mostrar finalmente la imagen impresa o en un monitor sin usar Photoshop u otro software fotográfico para editar las imágenes en algún momento. Imprimir o filmar una imagen es el objetivo final del proceso de filmación y en el mundo digital no es posible hacerlo sin un posprocesamiento.
Incluso mientras graba, es importante tener en cuenta que estará posprocesando y presentando opción posible imagen final.
Algunos fotógrafos creen que usando una mala foto como imagen base, puedes procesarla y convertirla en una obra maestra. Pero es mejor empezar con una buena foto y luego editarla para sacar lo mejor de ella. El posprocesamiento es buena parte creando la imagen final. El truco consiste en determinar qué tan pocos o cuántos cambios requiere una toma en particular. Después de todo, es muy fácil no terminarlo, así como exagerar con el procesamiento.
A veces el proceso de procesamiento va muy rápido. Y a veces la imagen no necesita edición alguna. Es hermoso en sí mismo sin modificaciones. En otros casos, el proceso puede llevar algún tiempo, durante el cual usted determinará qué cambios son relevantes para una imagen en particular. Sucede que para mejorar una foto tendrás que procesarla durante bastante tiempo.
El posprocesamiento de una imagen no es un proceso creativo. Después de todo, no estás creando nada, sino sacando lo mejor de cada imagen. No importa lo poco o mucho trabajo que sea necesario para lograr tu objetivo.
4) Equipos fotográficos y accesorios para rodaje.
Ursula Abresch utiliza lo siguiente para crear sus hermosas fotografías:
Cámaras: Nikon D7000, Nikon D200, Lumix DMC-TS4 (para caminar y para la nostalgia)
Lentes: Sigma 150 mm f/2.8 Macro, Nikon serie E MF 75-150 mm f/3.5 zoom, Lensbaby 2.0, Sigma 70-300 mm f/4-5.6 APO DG Macro, Tokina AF 12-24 mm F/4 DX, Nikon AF 50 mm f /1.8.
Accesorios :
Trípode Vanguard Alta con cabezal de trípode serie Manfrotto 486RC2
Flash Metz 36 AF-5
Bolsa Kata Light Pic 60-DL.
Software seguridad
para editar imágenes: Adobe Photoshop CS6 y Photomatix en iMac de 27"
Impresora Hewlett Packard Photosmart Pro B9180
papel Ursula actualmente prefiere Ilford Gold Fiber.
5) Consejos para fotógrafos principiantes interesados en la fotografía abstracta.
Consejos estándar para cualquier tipo de fotografía:
Conozca a fondo su equipo y su potencial. Practica tanto como sea posible. Y experimentos máximos.
Y recuerda siempre que los aspectos técnicos son muy importantes, pero lo principal es tu percepción artística. Esto es lo que crea la fotografía.
Respecto específicamente abstracto fotos , entonces le resultará muy beneficioso tener un conocimiento más detallado de todas las formas del arte abstracto. Empiece a mirar y leer sobre ello. Interiorizarás esta forma de pensar y la incorporarás a tu cosmovisión y a tu trabajo.
Y uno más muy punto importante en fotografía abstracta. Consiste en el hecho de que el hecho de que una fotografía sea hermosa no significa que el espectador quedará imbuido de ella. Normalmente, las obras abstractas van más allá de la mera belleza visual. Aquí dominan los sentimientos, el estado de ánimo y la historia. Un atractivo visual increíble combinado con un estado de ánimo, una historia y un sentimiento claros son los ingredientes que crean una imagen abstracta impresionante.
En el siglo pasado, el movimiento abstracto se convirtió en un verdadero avance en la historia del arte, pero era bastante natural: la gente siempre estaba en busca de nuevas formas, propiedades e ideas. Pero incluso en nuestro siglo, este estilo de arte plantea muchas preguntas. ¿Qué es el arte abstracto? Hablemos más de esto.
El arte abstracto en la pintura y el arte.
Con estilo abstraccionismo el artista utiliza un lenguaje visual de formas, contornos, líneas y colores para interpretar el tema. Esto contrasta con las formas de arte tradicionales, que adoptan una interpretación más literaria del tema, transmitiendo "realidad". El abstraccionismo se aleja lo más posible de las bellas artes clásicas; representa el mundo objetivo de forma completamente diferente que en la vida real.
El arte abstracto desafía la mente del observador así como sus emociones: para apreciar plenamente una obra de arte, el observador debe liberarse de la necesidad de comprender lo que el artista intenta decir, pero debe sentir la emoción de respuesta por sí mismo. Todos los aspectos de la vida se prestan a la interpretación a través del arte abstracto: la fe, los miedos, las pasiones, las reacciones a la música o la naturaleza, los cálculos científicos y matemáticos, etc.
Este movimiento en el arte surgió en el siglo XX, junto con el cubismo, el surrealismo, el dadaísmo y otros, aunque tiempo exacto desconocido. Se considera que los principales representantes del estilo de arte abstracto en la pintura son artistas como Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka y Piet Mondrian. Hablaremos más sobre su creatividad y pinturas importantes.
Pinturas de artistas famosos: arte abstracto.
Wassily Kandinsky
Kandinsky fue uno de los pioneros del arte abstracto. Comenzó su búsqueda en el impresionismo y sólo entonces llegó al estilo del abstraccionismo. En su trabajo, explotó la relación entre color y forma para crear una experiencia estética que abarcaba tanto la visión como las emociones del espectador. Creía que la abstracción completa proporciona un espacio para una expresión profunda y trascendente, y copiar la realidad sólo interfiere con este proceso.
La pintura era profundamente espiritual para Kandinsky. Buscó transmitir la profundidad de las emociones humanas a través de un lenguaje visual universal de formas y colores abstractos que trascenderían las fronteras físicas y culturales. el vio abstraccionismo como un modo visual ideal que puede expresar la "necesidad interior" del artista y transmitir ideas y emociones humanas. Se consideraba un profeta cuya misión era compartir estos ideales con el mundo en beneficio de la sociedad.
"Composición IV" (1911)
Escondidos en colores brillantes y líneas negras claras se representan varios cosacos con lanzas, así como barcos, figuras y un castillo en la cima de una colina. Como muchas pinturas de esta época, imagina una batalla apocalíptica que conducirá a la paz eterna.
Para facilitar el desarrollo de un estilo de pintura no objetivo, como se describe en su obra Sobre lo espiritual en el arte (1912), Kandinsky reduce los objetos a símbolos pictográficos. Al eliminar la mayoría de las referencias a al mundo exterior, Kandinsky expresó su visión de una manera más universal, traduciendo la esencia espiritual del tema a través de todas estas formas a un lenguaje visual. Muchas de estas figuras simbólicas se repitieron y refinaron en sus obras posteriores, volviéndose aún más abstractas.
Kazimir Malevich
Las ideas de Malevich sobre la forma y el significado en el arte de alguna manera conducen a una concentración en la teoría del estilo del arte abstracto. Malevich trabajó con diferentes estilos en pintura, pero se centró más en el estudio de las formas geométricas puras (cuadrados, triángulos, círculos) y su relación entre sí en el espacio pictórico.
Gracias a sus contactos en Occidente, Malevich pudo transmitir sus ideas sobre la pintura a amigos artistas en Europa y Estados Unidos e influir así profundamente en la evolución del arte moderno.
"Cuadrado Negro" (1915)
Malevich mostró por primera vez el cuadro icónico "Cuadrado Negro" en una exposición en Petrogrado en 1915. Esta obra materializa los principios teóricos del suprematismo desarrollados por Malevich en su ensayo “Del cubismo y el futurismo al suprematismo: nuevo realismo en la pintura”.
En el lienzo, frente al espectador, hay una forma abstracta en forma de un cuadrado negro dibujado sobre un fondo blanco: es el único elemento de la composición. Aunque la pintura parece simple, hay elementos como huellas dactilares y pinceladas visibles a través de las capas negras de pintura.
Para Malevich, el cuadrado significa sentimientos y el blanco significa vacío, la nada. Vio el cuadrado negro como una presencia divina, un icono, como si pudiera convertirse en una nueva imagen sagrada para el arte no figurativo. Incluso en la exposición, esta pintura se colocó en el lugar donde normalmente se coloca un icono en una casa rusa.
Piet Mondrian
Piet Mondrian, uno de los fundadores del movimiento holandés De Stijl, es reconocido por la pureza de sus abstracciones y su práctica metódica. Simplificó radicalmente los elementos de sus pinturas para representar lo que veía no directamente, sino figurativamente, y crear un lenguaje estético claro y universal en sus lienzos.
En sus pinturas más famosas de la década de 1920, Mondrian redujo sus formas a líneas y rectángulos y su paleta a lo más simple. El uso del equilibrio asimétrico se volvió fundamental en el desarrollo del arte moderno, y sus icónicas obras abstractas siguen siendo influyentes en el diseño y son familiares en la cultura popular actual.
"El árbol gris" (1912)
"El árbol gris" es un ejemplo de la transición temprana de Mondrian al estilo abstraccionismo. La madera tridimensional se reduce a las líneas y planos más simples, utilizando únicamente grises y negros.
Esta pintura forma parte de una serie de obras de Mondrian que fueron creadas con un enfoque más realista, donde, por ejemplo, los árboles están representados de forma naturalista. Mientras que las obras posteriores se volvieron cada vez más abstractas, por ejemplo, las líneas de un árbol se reducen hasta que la forma del árbol es apenas perceptible y secundaria a la composición general de líneas verticales y horizontales.
Aquí también se puede ver el interés de Mondrian por abandonar la organización estructurada de líneas. Este paso fue significativo para el desarrollo de la abstracción pura por parte de Mondrian.
Robert De Launay
Delaunay fue uno de los primeros artistas del estilo de arte abstracto. Su obra influyó en el desarrollo de esta dirección, basada en la tensión compositiva que provocaba la oposición de colores. Rápidamente cayó bajo la influencia colorista neoimpresionista y siguió muy de cerca la combinación de colores de las obras en el estilo del abstraccionismo. Consideró que el color y la luz son las principales herramientas con las que se puede influir en la realidad del mundo.
En 1910, Delaunay hizo su propia contribución al cubismo con dos series de pinturas que representaban catedrales y la Torre Eiffel, que combinaban formas cúbicas, la dinámica del movimiento y colores brillantes. Este nueva manera El uso de la armonía cromática ayudó a separar este estilo del cubismo ortodoxo, recibiendo el nombre de orfismo, e influyó inmediatamente en los artistas europeos. La esposa de Delaunay, la artista Sonia Turk-Delone, continuó pintando con el mismo estilo.
"Torre Eiffel" (1911)
La obra principal de Delaunay está dedicada a la Torre Eiffel, el famoso símbolo de Francia. Esta es una de las más impresionantes de una serie de once pinturas dedicadas a la Torre Eiffel entre 1909 y 1911. Está pintada de rojo brillante, lo que la distingue inmediatamente del gris de la ciudad circundante. El impresionante tamaño del lienzo realza aún más la grandeza de este edificio. Como un fantasma, la torre se eleva sobre las casas circundantes, sacudiendo metafóricamente los cimientos mismos del antiguo orden.
La pintura de Delaunay transmite este sentimiento de optimismo ilimitado, inocencia y frescura de una época que aún no ha sido testigo de dos guerras mundiales.
Frantisek Kupka
František Kupka es un artista checoslovaco que pinta al estilo abstraccionismo, se graduó en la Academia de las Artes de Praga. Como estudiante, se basó principalmente en temas patrióticos y escribió composiciones históricas. Sus primeros trabajos fueron más académicos; sin embargo, su estilo evolucionó con los años y finalmente pasó al arte abstracto. Escritas de una manera muy realista, incluso sus primeras obras contenían temas y símbolos místicos surrealistas, que se conservaron al escribir abstracciones.
Kupka creía que el artista y su obra participan en una actividad creativa continua, cuya naturaleza es ilimitada, como absoluta.
“Amorfo. Fuga en dos colores" (1907-1908)
A partir de 1907-1908, Kupka comenzó a pintar una serie de retratos de una niña que sostenía una pelota en la mano, como si estuviera a punto de jugar o bailar con ella. Luego desarrolló imágenes cada vez más esquemáticas y finalmente recibió una serie de dibujos completamente abstractos. Fueron hechos en una paleta limitada de rojo, azul, negro y blanco.
En 1912, en el Salón de Otoño, una de estas obras abstractas se exhibió públicamente por primera vez en París.
El estilo del abstraccionismo no pierde su popularidad en la pintura del siglo XXI: los amantes del arte moderno no son reacios a decorar su hogar con una obra maestra de este tipo, y las obras de este estilo se subastan en varias subastas por sumas fabulosas.
El siguiente vídeo te ayudará a aprender aún más sobre el arte abstracto en el arte:
La fotografía abstracta parece algo esquivo y difícil de describir con un término específico. Esto puede deberse a la naturaleza abstracta de la idea de “abstracción” y a los conceptos erróneos arraigados sobre este tipo de fotografía.
Muchos describen este tema desde mi punto de vista subjetivo, y en este artículo intentaré presentar mi estructura de trabajo con la fotografía abstracta. No será ni correcto ni incorrecto, pero puede aplicarse a su trabajo, proceso de pensamiento e ideas creativas.
¿Qué es la abstracción? A partir de esta pregunta se puede iniciar toda una discusión. Los fotógrafos están siempre ligados a los sujetos que fotografían. La conexión inextricable con la "realidad" crea la ilusión de que siempre vemos una fotografía frente a nosotros. cualquier cosa y esto a veces marca el tono de la foto o la arruina por completo. Esta forma de ver la fotografía se basa en ver al sujeto en el mundo que los rodea, confiando en su conexión entre sí.
EN esquema general, la abstracción es un proceso durante el cual se elimina cuidadosamente la información, dejando sólo contornos y debilitando la conexión objeto-fotografía. Por ejemplo, toma una hoja de papel y un bolígrafo, coloca la mano con los dedos separados y trázala.
Ahora solo te queda un contorno, un modelo de la mano sin textura de piel, color, profundidad de forma, etc. ¡Ni siquiera tiene huellas dactilares! Así es más o menos como funciona la abstracción: descartamos parte de la información y dejamos solo lo que necesitamos. El contorno que se muestra en la captura de pantalla anterior no es necesariamente mi mano. Por tanto, se pierde la conexión entre sujeto e imagen.
Las ideas abstractas están más generalizadas que sus temas originales. Por ejemplo, el concepto de “comida” es más abstracto que el de “fruta”, pero “manzana” ya es específico. Puede haber una opción aún más detallada: "manzana verde". De esta manera se pasa de la abstracción a un concepto preciso.
Quizás digas: “Pero el dibujo muestra claramente que se trata de una mano. ¿Cómo puede ser ésta una imagen abstracta? Ésta es una trampa de malentendidos en la que muchos caen. Las imágenes se vuelven abstractas no porque ya no sean reconocibles. Esto sucede debido al hecho de que no transmiten el objeto en sí, sino sus otras cualidades: líneas, texturas, colores, formas, patrones, ritmo, etc.
Formas de crear una fotografía abstracta
Si la abstracción se aleja de cosas ciertas y concretas, ¿cómo dirigimos su movimiento? ¡Déjame decir que todas las fotografías son abstractas hasta cierto punto! Cada vez que tomas una fotografía, apuntas con tu lente a un mundo tridimensional y lo que sale es una imagen plana bidimensional. Acabas de dejar atrás una dimensión. Este es un nivel de abstracción, a pesar de que ya estamos acostumbrados a él.
Además, si tomas una fotografía en color y la conviertes a blanco y negro, desechas la información del color. Sin embargo, el verdadero significado de la fotografía abstracta es mucho más profundo que los ejemplos mencionados anteriormente.
Abstracción por aislamiento o exclusión
Al mirar un sujeto, es posible que vea la oportunidad de crear una fotografía abstracta, ya que algunas áreas pueden contener líneas, texturas, colores, formas o formas contrastantes que están separadas del sujeto mismo. Esto se puede hacer durante el rodaje o recortando en posproducción para aislar áreas de interés.
La toma de arriba es uno de los tipos de abstracción en los que el objeto subyacente, cualquiera que sea, está cortado. Al final nos quedamos con dos líneas fuertes, con bordes afilados y una interesante textura brillante. Esto ya no es una fotografía de “algo”, sino algo presentado como parte independiente, separado del tema principal y basándose enteramente en líneas, formas, patrones, textura, color, ritmo y estructura.
Abstracciones por distancia creciente
A medida que nos alejamos del tema, se pierde información. Esto puede resultar especialmente notorio en largas distancias, por ejemplo, en fotografía aérea, donde la visibilidad disminuye a medida que aumenta la altitud.
La foto de arriba es una de las obras de mi serie. Paisajes infrarrojos(Paisaje terrestre infrarrojo). Las tomé desde la ventana de un avión mientras volaba de Providence a Salt Lake City usando una cámara capaz de disparar con luz infrarroja. Las características texturales consisten en enormes colinas, montañas y valles. Todo parece diminuto, como la textura de la piel bajo un microscopio. Por supuesto, la espesa capa de nieve también jugó un papel en el proceso de abstracción, eliminando algunos detalles.
Abstracción reduciendo la distancia.
Cuando nos acercamos mucho a determinados temas, cosas que suelen ser sutiles pueden aparecer como detalles abstractos aislados. La foto de arriba tiene líneas gruesas que provienen de una franja en forma de arco y un contorno negro. El objeto mismo se vuelve intangible. El color naranja sólido y brillante enfatiza aún más el carácter abstracto.
Abstracción en movimiento
Otra forma de descartar información, creando así una fotografía abstracta, es el movimiento. El sujeto mismo, el fotógrafo, la cámara o todos juntos pueden moverse. Esto se puede lograr, por ejemplo, moviendo la cámara hacia arriba mientras se fotografían árboles. Si bien esto puede eliminar parte de la información, los árboles siguen siendo un elemento importante, aunque de una manera más impresionista. Me refiero a un movimiento que disuelve en mayor medida la información, dejando atrás algunos colores, patrones y líneas.
La foto de arriba fue tomada desde un tren en movimiento a última hora de la noche, en algún lugar entre Providence y Washington. Las líneas y los colores surgieron del movimiento del tren y de mi rotación deliberada de la cámara.
Abstracción usando patrones aleatorios
Puede que reconozcas o no lo que representa esta fotografía, no importa. La clave es que no tenía control sobre la creación de este patrón. La única solución fue el momento en que presioné el botón del obturador. No me basé en lo que vi, sino en mis expectativas de que la cámara capturara el patrón en 5 o 6 segundos, sin importar la forma que tuviera. Durante el proceso de rodaje, rechacé muchos fotogramas porque el resultado no me interesaba por determinadas razones.
Abstracción por el método del cambio.
El color y las sombras son elementos importantes de la fotografía. Esperamos conseguir una cierta conexión entre las diferentes partes de la imagen y sus colores. Esta estructura esperada se puede cambiar en el posprocesamiento o durante la toma, creando una apariencia completamente diferente para la fotografía abstracta.
La foto de arriba es otro trabajo de mi serie. Paisajes infrarrojos. Fue realizado utilizando una cámara sensible a la luz infrarroja. Estas fotografías suelen tener diferentes colores según cómo interactúan con la luz infrarroja y el sensor de la cámara. También cambié los colores yo mismo, añadiendo surrealismo. El resultado es una instantánea de un área sin nombre, llena de detalles difíciles de reconocer. La textura, los patrones, las líneas y el nuevo color se convirtieron en elementos estructurales en lugar de una ubicación específica en el mapa. Incluso una simple inversión puede crear interesantes imágenes abstractas a partir de algunas fotografías.
Conclusiones
El reconocimiento de sujetos no tiene nada que ver con la fotografía abstracta. Creo que la diferencia fundamental es si el artista presenta un objeto u otra estructura gráfica. Mira el trabajo de Aaron Siskind, donde puedes ver pintura descascarada o un montón de piedras. A medida que este reconocimiento se desvanece rápidamente, queda la superficie de la fotografía y su contenido separados del sujeto. Otro ejemplo es una fotografía de la pared de una casa de André Kertész, que muestra claramente que hay un edificio frente a nosotros, pero no tiene sentido concentrarse en esto, porque el marco está lleno de diferentes formas geométricas, creando una estructura fuerte. La fotografía bien puede tener cualidades abstractas o leerse de muchas maneras diferentes.
He resumido mis puntos de vista sobre la creación de fotografías abstractas, brindándote algo en qué pensar. Utilizo la misma estructura cuando miro el trabajo abstracto de otros fotógrafos. Este enfoque puede resultarle útil para trabajar o comprender la fotografía abstracta, o puede resultarle inútil. En cualquier caso, estaré dispuesto a escuchar vuestras opiniones en los comentarios.
En el entorno cultural de Moscú es difícil sorprender con la fotografía abstracta, pero al mismo tiempo todavía no existe una dirección estable que sea reconocible y pueda declararse en voz alta. Esto puede deberse a cualquier cosa, pero no a la falta de fotógrafos destacados, sobre todo si hablamos de Moscú. Este artículo es un intento de superar la brecha de información existente en esta dirección. Quizás estemos tan acostumbrados a tener miedo de algo inusual que los intentos de romper los marcos establecidos en cualquier área se perciben como una rebelión y algo hostil.
La abstracción y, en particular, la fotografía abstracta es precisamente el rechazo de la norma, como de las cadenas que obstaculizan al artista. Este fue el arte de, por ejemplo, Man Ray, Georgie Kepes y Moholy-Nagy. En algún momento se sintieron atrapados dentro de los géneros habituales y quisieron escapar de un sinfín de paisajes y retratos. La propia fotografía pronto desarrolló métodos únicos para producir imágenes, como la solarización, el fotograma, el isohelio y la autografía. Y ahora, ante la aparición tecnologías digitales, que ofrece enormes posibilidades para el procesamiento de imágenes, vemos una locura por la fotografía, pero al mismo tiempo el arte abstracto sigue siendo algo elitista e inaccesible. La fotografía moderna se está desarrollando al ritmo del siglo XXI y no puede esperar a que el público madure. En este sentido, la Asociación de Fotografía Abstracta “Ecole d`essai photo”, creada recientemente en Moscú, llama la atención por su disimilitud con la tendencia general.
Ocho fotógrafos se han unido bajo los auspicios de la “Ecole d`essai photo” y esta unión continúa reponiéndose con nuevos miembros. Por relativamente poco tiempo Ya se han realizado tres exposiciones, cada una de las cuales ha aportado una nueva comprensión de la fotografía moderna y la abstracción como tal a la vida cultural de la capital. En marzo de 2016, sus obras se exhibieron en el Centro Zverev de Arte Contemporáneo, en mayo en la galería LitKabinet y en agosto en la Casa Central de Arquitectos.
Miembros de la Asociación: Georgy Avetisov, Victor Vinokurov, Alexander Gusev, Dmitry Zolotarev, Vladimir Alexandrov, Anna Basova, Svetlana Ivushkina, Alla Andersen: sus obras son únicas y destacan por su deseo común de buscar nuevas formas y dar nuevos significados. a los establecidos. ¿Qué atrae al arte abstracto y qué quieren transmitir los artistas modernos al espectador? Para entender esto un poco, traemos a su atención una entrevista con algunos miembros de la Asociación: Georgy Avetisov, Dmitry Zolotarev, Anna Basova.
Entrevista con Georgy Avetisov (graduado de la Universidad Estatal de Cultura y Cultura de Moscú, músico, fotógrafo, miembro del TSHR)
Hola georgia. Hablan de usted como el fundador de la Asociación de Fotografía, por lo que me gustaría hacerle de inmediato varias preguntas fundamentales relacionadas con ella. Al mismo tiempo, me temo que formato normal La comunicación puede no ser adecuada. Después de todo, un fotógrafo a menudo usa una cámara como una forma de contarle al mundo sobre sí mismo, y ahora intentaremos hacer lo mismo, pero en el género de la entrevista. ¿Qué es lo mejor de lo que puede hablar un fotógrafo para expresar su creatividad de esta manera? Después de todo, las preguntas directas no siempre son adecuadas para reflejar los motivos sutiles de la conciencia y no todo el mundo está preparado para recibir una respuesta clara y precisa.
De una forma u otra, cualquier creador le cuenta al mundo lo que hay dentro de él. Simplemente elige la forma de la historia. No creo que así sea como puedas expresar tu visión del mundo en una conversación. Las palabras suelen estar vacías o, por el contrario, la entrevista está repleta de términos filosóficos o de historia del arte. Intentamos evitar esto y no aportar delicias literarias adicionales a la conversación sobre la creatividad. Tu visión del mundo debe mostrarse en fotografías, ya sea como una pista o una pequeña pista, sin una decodificación final.
Bien. Intentemos hablar sin “belleza” innecesaria, pero preguntemos directamente: ¿cuándo surge el deseo de crear algo abstracto? ¿Cuál fue tu primera experiencia en este género?
El deseo casi siempre está ahí, pero no siempre estás en ese estado de inspiración en el que puedas permitirte sumergirte en este mundo inesperado sin mirar atrás. Muchas cosas se interponen en el camino: forma habitual Objetos, tradiciones, inercia del pensamiento, dudas: ¿funcionará? Sí. Siempre surgen dudas: ¿es esta la imagen correcta? ¿Hay algún contenido interno y desarrollo en ella? Pero cuando te "dejas ir", empiezas a ver.
Empecé con la naturaleza abstracta cuando todavía filmaba. Me fascinaba el estado de las hojas, ramas y briznas de hierba, su individualidad, normalmente invisible entre millones de personas de su especie. Fotografié durante tres años, seleccionando cuidadosamente las fotografías.
El resultado fue una serie grande y bastante inusual. Todo en ella es tan aireado, virginal y poético. En carácter, se acerca al impresionismo, con gráficos tan naturales y juegos de luces y colores. Luego intenté seguir trabajando en esta dirección, pero resultó que ya había encontrado todo allí y ya habían comenzado las repeticiones. Sólo dos años después me mudé a la ciudad, donde inesperadamente descubrí una gran cantidad de material interesante, invisible en el bullicio cotidiano. Esto sucedió en París. Ya en Moscú miré las imágenes y me di cuenta de que había algo nuevo aquí. Empecé a pensar y trabajar en ello. Así aparecieron mis primeras abstracciones urbanas.
No todas las personas en Rusia, incluso en el siglo XXI, son capaces de percibir el arte abstracto. ¿Qué percepción debería tener el conocedor ideal de la fotografía abstracta y qué influencia estética se espera que influya en él? ¿Hay un elemento espiritual allí?
El arte abstracto es muy popular en Europa. Al menos en cuanto a decoración de paredes de apartamentos y casas. Aquí las cosas son mucho peores. La gente quiere ver algo reconocible: retratos, naturalezas muertas, paisajes, escenas urbanas. No creo que haga falta tener ninguna sensibilidad especial para mirar fotografías abstractas. Todo esto está al nivel de la fantasía y la emoción. Después de todo, muchas de nuestras obras remiten a una persona a un cierto estado primitivo o a la infancia, cuando la fantasía no conoce fronteras y cada día descubres algo inusual y emocionante.
Ahora sobre lo espiritual. Ésta es una pregunta difícil. Puedo contarte una historia divertida. Hace unos tres años, paseé por las galerías de Moscú con mi serie de naturaleza abstracta y propuse organizar una exposición. Y de un galerista escuché la siguiente conclusión sobre mis obras: “Son hermosas, sinceras, pero no espirituales”. ¡Entiéndelo como quieras!
En la pintura abstracta, los principales objetos de arte eran la figura (cubismo, abstracción geométrica) y el color (rayonismo, suprematismo), a través de los cuales el artista transmitía su visión del mundo. ¿Qué modelo universal del mundo expresa la fotografía abstracta?
Necesitamos aclarar. En la pintura abstracta no hay figuras, sino formas geométricas y combinaciones de colores. El suprematismo se caracteriza por combinaciones de planos multicolores y, nuevamente, las formas geométricas más simples: línea, cuadrado, triángulo, círculo. Como puedes ver, el color y las líneas son lo primero. Lo mismo se aplica a la fotografía abstracta. Por supuesto, el botón de la cámara no se puede colocar al mismo nivel que el pincel y la mano del artista. En este sentido, el fotógrafo se ve mucho más limitado a la hora de mostrar su visión del mundo. Por ello, recurre al procesamiento técnico de imágenes para que le ayude. No importa si esto se hace en un estudio fotográfico analógico o en el ordenador de casa. y no hay modelos universales paz. El fotógrafo se basa únicamente en sus sentimientos, experiencia, gusto desarrollado y educación. Por ejemplo, es más probable que el mundo de un fotógrafo técnico sea más constructivista que el mundo de un fotógrafo músico. Habrá más emoción e improvisación.
En este caso, surge inmediatamente la pregunta: ¿qué temas son los más cercanos a ti en la fotografía abstracta?
Me fascina el juego de encontrar y descifrar ciertos mensajes surgidos de la nada, que a veces descubro en diferentes ciudades. Por regla general, se trata de indicios de algunos animales, o rostros apenas visibles a través de una capa de pintura, o algún tipo de batallas espaciales literales, o escenas bíblicas sobre superficies de metal o piedra. Son de corta duración y próxima visita Desde este mismo lugar corres el riesgo de no encontrar nada. Por eso, hay que estar especialmente atento a cada pequeño detalle.
¿Han sido expuestas sus obras y cómo ha recibido el público sus exposiciones?
Ya hemos realizado tres exposiciones, todas ellas en 2016. Puedo decir con seguridad que hubo un gran interés. Muchos simplemente estaban perplejos: ¿qué es esto, cómo, de dónde viene tanta imaginación, técnicas tan inusuales? Lo mejor es que fotógrafos bastante experimentados se sorprendieron gratamente de que nos encargáramos y cumpliésemos con éxito nuestras fantasías en un género tan complejo: la fotografía abstracta. Todos nos desearon éxito, lo cual es alentador.
Los entiendo. También nos gustaría “penetrar” más profundamente en su trabajo. Por ejemplo, para entender: ¿una fotografía implica un momento capturado o es un estado de ánimo inspirado en un largo período de tiempo?
Este no es un momento ni un estado de ánimo. Si encuentro una historia, puedo quedarme parada y mirarla durante mucho tiempo, tratando de comprender el contenido que se esconde en ella. Luego puedo esperar a que haya la iluminación adecuada, hacer una foto y diez minutos después otra.
Todo este tiempo estoy pensando en cómo se verá en la versión final. A veces la respuesta no llega de inmediato y hay que resolverla en casa. La mayoría de las veces, la trama ya tiene un estado de ánimo; de lo contrario, no le prestas atención y sigues calle abajo en busca de algo nuevo.
En la exposición “Deconstruction ß” dijiste que intentas evitar reconocer objetos familiares en la fotografía: casas, la vida cotidiana, rostros; Hable sobre cómo esta es una forma de alejarse de la creatividad tradicional. ¿Sus motivos creativos son más un rechazo de la realidad circundante o más bien una búsqueda de nuevas formas de desarrollo?
La realidad tal como es ya no interesa a nadie. Basta con mirar cómo la gente distorsiona las imágenes en Instagram. Incluso en fotografías domésticas y cotidianas añaden algunas líneas, puntos, abrasiones, roturas de imagen, distorsionan el color, convierten la imagen a sepia o b/n... Todo el mundo quiere conseguir algo original y diferente incluso de una fotografía normal. Lo hacen al instante, utilizando complementos ya preparados. Simplemente se están divirtiendo y no hay búsqueda en ello. La búsqueda comienza cuando, digamos, pasas del baile a la canción y de la canción a la música. La fotografía hace tiempo que dejó de realizar sus funciones básicas, es decir, Transmisión de algo documental. Por tanto, podemos decir que estamos en la búsqueda de nuevas formas de desarrollar este género.
¿Qué opinas de los clichés en la fotografía abstracta? ¿De qué manera es posible cuando nos enfrentamos a la cosmovisión individual del artista?
Estoy seguro de que los clichés y la fotografía abstracta no se mezclan. Admito que en el mundo moderno, debido a la abundancia de información (incluida la gran cantidad de fotógrafos y fotografías), es difícil evitar la repetición. Si seguir estereotipos permite a un fotógrafo alcanzar el éxito más rápidamente, este es su camino. Por supuesto, la conciencia individual independiente es completamente imposible. Quizás sólo en una isla desierta... Todos vemos películas, cuadros, fotografías. Aquí es importante ser honesto consigo mismo y no permitirse espiar a los demás, hacer concesiones en aras de una popularidad imaginaria.
¿Qué perdería el mundo sin la fotografía abstracta?
No podrá perderla, porque la capacidad de pensamiento abstracto es uno de características distintivas persona.
Entrevista con Dmitry Zolotarev (graduado de la Universidad Estatal de Moscú, restaurador, fotógrafo del Museo Estatal de Historia)
Dmitri, hola. Se le conoce como fotógrafo abstracto, pero también se dedica profesionalmente a la restauración en el Museo Estatal de Historia. ¿Cuál es tu hobby y cuál es el trabajo de tu vida?
En la vida ya existían tres cosas: geología, fotografía profesional y restauración. Y paralelamente a estas actividades, siempre ha existido la pasión por la fotografía “para el alma”: exploratoria, irresponsable, en el buen sentido.
Actualmente, es difícil cautivar a los jóvenes con algo para el “alma”, especialmente en varios ámbitos a la vez. Conociéndote, podemos suponer que había otras actividades, porque en aquella época los niños participaban activamente en varios clubes y secciones. ¿Qué quedó de esto e influyó en tu camino creativo?
Nosotros, como muchos de mis compañeros, comenzamos a estudiar fotografía bajo la guía de nuestros padres y abuelos en la escuela secundaria. Los abuelos nos entregaron cámaras alemanas capturadas y los papás nos entregaron con cuidado sus preciados Zenits y Federales. Pero no imaginábamos la fotografía como una profesión. Bueno, ¿cómo podría ser entonces, en los años 70-80, comparar a un fotógrafo con un marinero, un escritor, un físico, un músico de rock, un diplomático, un médico? Otros pasatiempos eran comunes para los niños de esta generación. Lectura, música, soldadores, bombillas, sellos, chicas, hockey, acuarios, etc. Probablemente, cualquier experiencia vivida influya, en un grado u otro, en los caminos elegidos, incluso en la creatividad.
¿Cómo puedes caracterizar tu trabajo, como una especie de reflexión instantánea? estado interno¿O una composición estrictamente construida, pensada y creada durante un determinado período de tiempo, cumpliendo unas tareas creativas determinadas?
No hay duda de que todas las obras de la serie “Nuevo Caleidoscopio” son improvisaciones “¡para un momento!” La tecnología fotográfica del proyecto en sí hace que cada imagen sea única, momentánea. El marco es sólo una proyección del estado interno en un momento dado. Un día después, la trama podría representarse, por ejemplo, en una versión colorística completamente diferente.
Al percibir objetos de arte, una persona siempre busca motivos lógicos en cualquier obra, incluso en el arte abstracto. Sientes la lógica interna de cada obra, pero es bastante difícil transmitir el sentimiento resultante en el lenguaje. Me parece que hay un cierto conflicto: formas, colores, líneas, pero, mientras tanto, cada fotografía expresa su propio significado. ¿Podrías explicarlo o tus fotografías interactúan con el espectador de alguna otra manera, donde la intención del autor no es tan importante?
Para ser honesto, cuando tomo una foto, no le busco significado. Si me gusta la combinación de todo en la imagen, presiono el botón del obturador de la cámara. A veces surgen algunas asociaciones, pero no ajusto el marco a ellas. No lo fuerzo. No impongo significado ni a mí mismo ni a un posible espectador. Como regla general, cada espectador ve su propia imagen en la imagen y me gusta sorprenderme. Mucha gente, incluyéndome a mí, no encuentra ningún significado en las obras. Nos encanta la combinación de todo en el plano del papel fotográfico. Esta es una especie de juego de desactivar el análisis. Me gusta el trabajo, pero es difícil explicar por qué exactamente. Y este misterio es fascinante. Quizás algo parecido al amor...
¿Hay ocasiones en las que la abstracción se vuelve aburrida y quieres algo más accesible?
Uno no interfiere con el otro. Disfruto haciendo fotografía clásica: paisaje, escénica, etc. Considero cualquier fotografía creativa como un experimento capaz de sorprender, pacificar, perturbar con sus resultados, en general, capaz de mucho.
Para el arte, un criterio importante es, ante todo, la novedad. ¿Estás buscando algo nuevo en fotografía abstracta? ¿Está familiarizado con obras nuevas o ya reconocidas?
Me interesan las capacidades técnicas de la fotografía, que a menudo conducen al descubrimiento de una nueva herramienta visual e incluso de una nueva idea creativa. Después de obtener un resultado que me interesa, trato de comprender la causa estética fundamental de la satisfacción en el trabajo. Pero a menudo no hago esto y simplemente experimento más.
Entrevista con Anna Basova (fotógrafa profesional, diseñadora, miembro de TSHR)
Eres una artista joven y brillante, que ya cuenta con más de 13 exposiciones en su haber. En este sentido, sería interesante conocer tu opinión sobre las propiedades del talento: en primer lugar, ¿es un don o un resultado natural del trabajo? ¿Qué cualidades debe tener un fotógrafo talentoso?
Es una pregunta difícil. Me parece que lo más justo sería considerar esto como una combinación de dos factores: un deseo constante de aprender cosas nuevas y, por lo tanto, de aprender y esforzarse para lograr resultados, y su “visión” del mundo. Por ejemplo, siempre me sorprendió que cuando hay muchas fotografías similares de atracciones mundiales, siempre puedes encontrar un nuevo ángulo de visión y un nuevo punto de vista sobre el mismo objeto. Pero no siempre es fácil. Este es el tipo de “obra” del artista.
Entre tus obras hay temas de personas, ciudades y naturaleza. ¿Por qué de repente quisiste probar la fotografía abstracta?
Nunca he ocultado el hecho de que originalmente soy retratista y inicialmente trabajo en el campo de la fotografía escénica ilustrativa. Esta preferencia se debe al amor por la literatura, el cine y la música figurativa. Pero el espacio creativo no es unidimensional. A veces, para expresar sentimientos, para intentar encarnar algo ilusorio y esquivo, la puesta en escena no basta. Además, uno puede coexistir simultáneamente con el otro e incluso complementarse. A menudo recurro a técnicas de fotografía abstracta dentro de marcos. trabajos de retrato y serie. No veo ningún sentido en limitarme a este respecto.
Un día, iba caminando a la escuela con mi hija en una mañana de invierno y ella accidentalmente presionó un botón de la cámara. teléfono móvil, que capturó una hermosa foto invernal: un árbol cubierto de nieve, casas, una carretera, un tranvía, transeúntes con un fondo de nieve que cae en grandes copos. También hay una historia cuando un joven en el desfile del 9 de mayo tomó una foto aleatoria de un veterano llorando (el joven mismo quería tomar algo así como una selfie), y esta foto luego se convirtió en la ganadora de un concurso de fotografía y participó en exposiciones dedicadas a la Gran Guerra Patria. guerra patriótica. ¿Qué impacto ha tenido, en su opinión, en el arte el salto tecnológico en el campo de la fotografía, la llamada transición a lo digital, el desarrollo de Internet y los editores de fotografías? ¿Cómo distinguir a un aficionado de un artista cuando la tecnología permite al primero imitar también la calidad y la originalidad de la visión?
En el campo de la fotografía, agradezco cualquier avance. Simplemente nos brinda más oportunidades para ser creativos de diversas maneras. Sin embargo, hobby excesivo No apruebo los editores de fotografías en fotografía de retratos, por ejemplo. O simplemente lo clasifico como ilustración, arte digital. En cuanto a la segunda pregunta, puede parecer un poco dura, pero lo que distingue a un aficionado de un profesional es la “aleatoriedad” del resultado. Incluso un profesional de la fotografía callejera tendrá tiempo de notar todo en un minuto mientras enfoca el encuadre: cómo cae la sombra, de qué lado viene la luz, el resplandor, cómo encuadrar el encuadre.
Cuéntenos sobre su participación en exposiciones de fotografía abstracta. ¿Qué expectativas se cumplieron, qué esperanzas siguieron siendo esperanzas? ¿Hay alguna diferencia respecto a las exposiciones de fotografía más tradicionales?
No había expectativas como tal. Simplemente estoy interesado en participar en proyectos interesantes y apoyo esta dirección tanto como puedo. Las exposiciones no estuvieron exentas de problemas, pero esto es natural. Créanme, ni un solo evento de este tipo, incluso si se celebra por centésima vez, se realiza sin complicaciones y alboroto. La diferencia está en un cierto estado de ánimo y espíritu general que es difícil de describir. Acogedor y filosófico al mismo tiempo. La gente no tiene miedo de expresar sus opiniones y compartir sus impresiones.
¿Cuál es tu pasión por la fotografía y cuándo te diste cuenta de que se convirtió en tu vocación? ¿Qué tan en serio puedes tomar el arte ahora?
He estado pintando durante bastante tiempo, incluso fui a la escuela de arte, pero no funcionó. Entonces el instituto grupo de musica. Pintar todavía lleva más tiempo. Al principio sólo conseguí una caja de jabón, luego el Zenit de mi padre. Por cierto, fue la experiencia en el manejo de películas lo que facilitó enormemente mi formación posterior. Porque simplemente no puede haber un “simulador” más visual para practicar los conceptos básicos. Mis intentos se convirtieron en algo serio cuando decidí tomar deliberadamente los cursos de Marianna Kornilova. Empecé inmediatamente con la fotografía de retrato. Puedes acercarte al arte como quieras, dentro del marco de la percepción individual.
La fotografía es muy popular hoy en día, por lo que muchos de los que al menos una vez tomaron una cámara con impulsos creativos inmediatamente comienzan a preocuparse por la pregunta: ¿quién podría estar interesado en esto? Al respecto, me gustaría saber tu opinión: ¿qué significa para ti la frase “fotógrafo de moda”? ¿Existen casos de éxito en el campo de la fotografía abstracta?
Un fotógrafo de moda es un concepto inestable; hoy estás a la moda, mañana estás pasado de moda. y esto proceso natural. La mayoría de las veces se trata de profesionales que ganan dinero. Y funciona en ambas direcciones. Tanto el propio fotógrafo como quienes lo contratan o compran fotografías ganan dinero. Hay muchas historias de éxito en el campo de la fotografía abstracta: Thomas Ruff, Laszlo Moholy-Nagy, Wolfgang Tillmans (recibió uno de los premios más prestigiosos del arte, el Premio Turner).
¿Estás intentando trabajar más con la naturaleza o transformar un momento capturado en un editor gráfico? ¿Qué aporta esto?
La naturaleza sigue siendo primordial. Intento realizar inmediatamente una toma que se acerque lo más posible a la expresión de la idea final. Pero si mi imaginación me pide que cambie algo, no lo rechazo.
Hay muchas fotografías favoritas; si das ejemplos específicos, te abrumaré con enlaces. Todos pertenecen a diferentes géneros. Esto no es sólo fotografía abstracta o de retrato. Admiro cualquier toma pegadiza que tenga punktum. Esto se describe con mayor precisión en el libro “Camera Lucida” de Roland Barthes. Me encantan los fotógrafos japoneses, siempre tienen una visión única del mundo, no sólo miran hacia afuera, sino también hacia adentro. Caracoles o hojaldre, muchas connotaciones.
Sobre su pasión por la fotografía abstracta. Decidimos volver a este tema y hablar de ello con más detalle.
-Vlad, ¿qué te atrae de los temas abstractos?
A veces, en las cosas más ordinarias, en lo que nos rodea, puedes encontrar historias inesperadas y muy interesantes. Al mirarlas, te olvidas de que es algo ordinario y aburrido, y ves la magia de convertir algo corriente en una obra creativa. Se puede encontrar una toma interesante literalmente en todas partes: en casa, en el trabajo, de paseo, independientemente de la hora del día, la iluminación y el clima. A menudo, en tales escenas se manifiesta la gracia y la concisión de los objetos.
También se pueden ver en la naturaleza: en la forma de la nieve, el agua, la arena, la disposición de las ramas, la hierba y similares. También se pueden ver en lo hecho por el hombre. Puede ser una abstracción en la que lo principal es el color, la combinación y posición relativa objetos diferentes colores, o tal vez hay un encuadre en el que lo principal es la forma y la geometría, donde el color sólo distrae de lo principal, y en este caso la fotografía debe ser tomada en blanco y negro.
- ¿Cuánto tiempo llevas filmando historias similares y recuerdas dónde empezó tu interés por ellas?
No recuerdo dónde empezó exactamente mi interés. Naturalmente, esto sucedió; no hubo una transición brusca del rodaje en otros géneros a la abstracción. Una de las primeras fotografías de este tipo las tomé allá por 2004 con mi primera cámara digital de apuntar y disparar de 3,2 megapíxeles. Sorprendentemente, todavía me gusta ese trabajo, lo que no puedo decir de muchas de mis otras fotografías tomadas más tarde y con mejor equipo fotográfico.
¿Los ves de inmediato, literalmente te llaman la atención o los notas ya en el proceso de filmación y procesamiento?
Veo la mayoría de estas escenas de inmediato, pero, desafortunadamente, no siempre puedo transmitir e incorporar con precisión en el cuadro final lo que encontré y quería mostrar. Algunas de las escenas ya se pueden ver al ver el metraje, incluidas fotografías de otros géneros.
- Cuéntanos sobre la geografía de tus fotografías abstractas. ¿Dónde se fabrican?
Dondequiera que tuviera una cámara a mano: en mi apartamento, durante los paseos, en los viajes a ciudades y países; Incluso en el hospital, después de la operación, intenté filmar algo así, luchando contra el aburrimiento y el ambiente general de los pasillos del hospital.
- ¿Qué tan generosas son las ciudades rusas con los temas abstractos?
No puedo señalar ninguna ciudad específica; estas historias se pueden encontrar en casi todas partes y siempre, y si funciona, estoy encantado. Por supuesto, Moscú es rica en ellos: gracias a la diversidad de formas arquitectónicas, aquí conviven la antigüedad y el siglo XXI. Realmente envidio a algunos fotógrafos que son especialmente buenos para encontrar abstracción en la capital. Aunque para mí es más fácil hacer esto en pueblos y ciudades pequeñas.
- ¿Recuerda algún viaje o incidente especialmente rico en temas abstractos?
Quizás, un poco más de lo habitual, los fotografié durante un viaje a la República de Komi. Recuerdo un día de marzo cerca de Syktyvkar: cielo nublado, temperaturas bajo cero, charcos en las carreteras y nieve en los campos, no hubo nada destacable en cuanto a paisajes interesantes. Y así, al pasar por un campo así, de repente quise salir del auto y caminar por él. Bajé por el camino, me encontré en la nieve hasta las rodillas, y frente a mí había una gran llanura blanca y blanca y un cielo oscuro y nublado, una nube de nieve. Me gustó mucho este espacio, el contraste, el equilibrio de luz y oscuridad, quería hacer una toma extraña de dos colores con el horizonte en el medio.
- ¿Tiene algún modelo a seguir en la fotografía abstracta?
Me gustan mucho los trabajos abstractos de una variedad de autores, algunos los conozco por publicaciones, sitios de fotografía y otros personalmente. Pero no me gusta imitar y trato de no hacerlo. El fotógrafo intenta poner en la imagen parte de su alma, su visión; ¿Por qué iba a imitarlo si somos diferentes y cada uno de nosotros puede crear algo propio, único? Todas las personas son diferentes y eso es genial.
Recientemente me hablaron de una fotografía que se parece a una serie de obras de dos autores interesantes: Hiroshi Sugimoto y Mark Rothko. Por un lado, es bueno que con uno de los maestros reconocidos la idea fuera en la misma dirección, por otro lado, es una pena que alguien ya tuviera algo similar, aunque yo no lo sabía, no lo sabía. ver su trabajo. Algunos pueden pensar que simplemente estaba imitando.
- ¿Cuál es tu porcentaje de fotografías abstractas para toda la sesión?
Es difícil de decir. Hay rodajes sin ningún plano abstracto y, a veces, de todo el rodaje, sólo gustan las obras realizadas por casualidad. Por lo general, casi siempre hago fotografías con abstracción y geometría de forma espontánea, cuando, mientras miro algo, de repente me viene un pensamiento.
¿Qué significa para usted la fotografía abstracta: mostrar el ojo del fotógrafo, mostrar geometría y formas, o algo más?
La visión del autor, demostración de su punto de vista, encarnación de la idea. La oportunidad de mostrar un pedazo del mundo a otras personas tal como lo veo con mis propios ojos. En algunas abstracciones, lo principal es el minimalismo, que realmente respeto en el encuadre. En otros, hay un cierto caos de objetos o colores, que, sin embargo, da como resultado una imagen única y completa que es interesante de observar. .
- ¿Recortas las fotografías en la mayoría de los casos durante el posprocesamiento?
No en la mayoría, pero sucede. A veces no puedes prescindir de recortar: cuando quieres hacer un marco cuadrado; cuando en el momento del rodaje era imposible hacerlo de inmediato como querías y se metían objetos extraños.
- ¿Qué consejo puedes dar a los fotógrafos novatos que también estén interesados en las abstracciones?
Las ganas de fantasear, buscar y crear ayudan mucho en este asunto. Dispara por ti mismo, sigue tus sentimientos, pero al mismo tiempo comprende tus acciones y resultado deseado. Y siempre es útil observar y estudiar el trabajo de artistas, fotógrafos, diseñadores y arquitectos.
- ¡Gracias por la conversación y les deseo nuevas historias atractivas!
