Pojďme si hrát... Schiller podle Nyakrosia

Sovremennik představil svou verzi Schillerovy tragédie "Marie Stuartovna"

Kommersant, 3. března 2000

Elena Kovalská

Tuminas znovu použil Nyakrosius

Schillerova premiéra v Sovremenniku

Hra "Hrajeme... Schiller!" Hru „Marie Stuartovna“ nastudoval v moskevském divadle Sovremennik slavný litevský režisér Rimas Tuminas. Před dvěma lety byla jeho „Maškaráda“ uvedena na Čechovově festivalu v Moskvě. Galina Volchek viděla to úžasně krásné představení a byla inspirována myšlenkou nechat Tuminas hrát ve svém divadle. Po roce vyjednávání s režisérem a třech měsících zkoušení se Sovremennik dočkal promyšlené a zdlouhavé inscenace s hlavními herečkami souboru Marinou Neelovou a Elenou Yakovlevou v hlavních rolích. To je však nejlepší výkon dnešního Sovremenniku.

V Tuminasově „Maškarádě“, kterou měla Galina Volchek tak ráda, se akce odehrávala pod nízkým petrohradským nebem, ze kterého padal krásný divadelní sníh. Kutáleli kouli sněhem a ten se postupně zvětšoval, jak se schylovalo k dramatu. Tuminas používal jazyk vizuálních obrazů a byly dostatečně jasné a jasné, aby divák odložil sluchátka pro simultánní překlad. Litevský Tuminas není zdaleka jediný, kdo tento jazyk umí, i když právě Litva je spolu s jantarem a kazyuky proslulá po celém světě svým metaforickým směřováním. Ale na scéně Sovremennik tento styl vypadá jako bolestivá oběť.

A nejde o psychologický realismus, který divadlo obětovalo kvůli Litevovým dlouhým, bezeslovným metaforám – v dnešním „současném“ představení tento realismus za moc nestojí. A to není důvod, proč herečky Marina Neyolova a Elena Yakovleva obětovaly svou krásu plánu nemilosrdného režiséra. I když Tuminas tlačí Elenu Yakovlevovou, aby dosáhla výkonu podobného tomu, který před několika lety dokázala Alisa Freindlichová. Pro roli Lady Macbeth v petrohradské hře Temura Chkheidzeho si pak oblíbenec lidí nasadil ošklivou paruku s velkou pleší. Jakovleviny dívčí kadeře rámují děsivý účes pacientky s tyfem, což by nám mělo signalizovat: Mariina skutečná krása spočívá v její síle ducha. To by ji mělo odlišit od slabé Alžběty se slabou vůlí, která však stojí v centru hry. Neyolova dostala nejsilnější scénu: Elizabeth se zblázní, nemůže najít sílu podepsat trest své rivalce. Herečka vyslovuje text na stejnou notu a ve stejné intonaci asi deset minut. Hlas bláznivé královny, jejíž ruce ovládá šašek, zesílí a vibruje, rezonuje s našimi nervy a nakonec po umístění podpisu propuká v pitomý smích. Podívaná je to samozřejmě silná, ale nesnesitelná.

A přesto se zdá, že hlavní obětí je sám režisér Tuminas, oběť zvýšené citlivosti k dílu svého geniálního krajana Eimuntase Nyakrosiuse, s jehož nejnovějšími představeními bude Tuminasova produkce nevyhnutelně srovnávána. Jako štěstí jsme je viděli také.

Nyakroshyusovův Hamlet říká „být či nebýt“, stojící pod lustrem s ledovými přívěsky. Horký vosk a tající voda rozleptávají jeho sněhobílou košili, stejně jako pochybnosti rozleptávají jeho čistou duši. A nejsou potřeba žádná slova. Představení Tuminas bude zahrnovat metafory, lustr a přírodní textury, které Nyakrosius tolik miluje – ovčí kůže, měď, oheň, voda, seno, pšeničná zrna. Alžběta vyřeší Hamletovu otázku a stejně jako Hamlet, který se rozhodne pomstít, zešílí. A stejně jako další mučednice Nyakroshyus, Macbeth, před spácháním zločinu jí budou odepřeny ruce.

Ale Nyakrosiusova obraznost je hluboká, když je jednoduchá, i když v jeho představeních je mnoho temných míst. Když se v něm probudí katolík ctící rituál nebo Litevec, zasvěcený do neznámých zvyků svého lidu, zprávy se přestanou číst. Tuminas viděl univerzalitu v Nyakrosiově souřadnicovém systému a v jeho těsnosti – oné tajemnosti, bez níž je představení jako kaše bez másla. Je jasné, proč Alžběta rozzuřená zradou nese podnos se sklenicemi plnými vody a dvořan je doplní, když královna vodu rozlije. Jak ale může obyvatel metropole pochopit, proč skoro půl hodiny zasypávají mrtvého muže pšenicí a zrnka rozhazují do sklenic? A co je to za trubky, které zabírají polovinu jeviště a vůbec nefungují? A co je na tom, že Angličané chodí jako lidé a Francouzi jako panenky? Máslo je samozřejmě dobré, ale Tuminas svou kaši do značné míry zkazil Nyakroshyusovovým olejem.

Nové zprávy, 4. března 2000

Elena Yampolská

Královské hry

"Hrajeme... Schillera!", Divadlo Sovremennik. Produkce Rimas Tuminas, design Adomas Jacovskis, kostýmy Marius Jacovskis

V Sovremenniku nejsou žádná vyloženě selhání. A pokud ano, je to extrémně vzácné; od jednoho selhání k druhému - během několika sezón - nedokončíte křik a na předchozí se podaří zapomenout, dokud se neobjeví další. Sovremennik nedává prakticky žádný důvod mluvit o selháních. Předmětem diskuse se zpravidla stávají rysy, jemnosti, odstíny dalšího tvůrčího úspěchu. O zdejších premiérách často odpovídají v duchu: představení je dobré, ALE... V případě „Mary Stuartovny“ (právě ona se skrývá pod honosným a zároveň banálním názvem) „ALE“ má velmi konkrétní obrysy.

Je známo, že Galina Borisovna Volchek z celého srdce nemá ráda zlou a zaujatou divadelně kritickou smečku „krmící se poblíž jejího divadla“. Nedávno to veřejně oznámila z televizní obrazovky (mimochodem na kanálu „Kultura“), hrubě, nezaslouženě a strašně necivilizovaně urážela velký (trvám na tom - velké!) množství lidí, kteří o „Sovremenniku“ jedním způsobem píší. nebo jiný, ale zcela nezaujatě. Dobře, jestli si člověk chce zhoršit vlastní svědomí, je jeho věc. Zajímavá je ještě jedna věc: Volchek se nebránila tomu, aby se na svém jevišti objevilo představení vytvořené jakoby přímo pro divadelní kritiky, představení šarádového typu, které vyžadovalo neúnavné rozplétání, tedy pro běžné masové divadelní publikum málo užitečné. Nešťastní novináři odcházejí z premiéry Tuminas se svými sešity nahoru a dolů, ale doporučují „Hrajeme... Schillere!“ Osobně bych to pro široké sledování neriskoval.

Představení je rozděleno do dvou částí. První tvoří herecký duet (dá-li se konfrontaci nazvat duetem) Mariny Neelové a Eleny Yakovlevy. Bez ohledu na to, co kolem nich přehnaně vynalézavý režisér vykroutí (a vykroutí to „kloboučkem“), Neyolova a Jakovleva pracují svědomitě v nejvyšším slova smyslu, bez ústupků a manipulací, za což se jim dostává nadšeného bouře z publika ve finále. Jsou profesionálové, jsou úžasní, jsou zoufalí a vědí o svých hrdinkách víc, než ví chytrá Tuminas. Jednoduše proto, že jsou to ženy. A antagonismus královské rodiny v Sovremenniku je silně zapleten do střetu ani ne tak státních, jako spíše zájmů žen, dokonce i žen: žárlivost, závist, rivalita, lítost nad promarněnými příležitostmi.

Neyolova - Elizaveta - je mužské krátké slámové vlasy a tvář starého chlapce; kožená přilba a elegantní kabáty, střižené na zaujatosti, čím dále, tím více připomínají kabát; to je přísnost a askeze, spravedlivý hněv a jasné pochopení „základních hodnot“. slušnost, morálka, spravedlnost. Jakovleva - Maria je vášeň, zmatek, chvění, horečka, proudy vody a mokré rudé kadeře, ze kterých se ve skutečnosti vyklube paruka, stydlivě zakrývající ostříhanou hlavu vězeňské královny...

Mírně řečeno, moderního ruského diváka, který se málo zabývá náboženskými otázkami, nezajímají rozdíly mezi protestantismem a katolicismem. Ale dvě hlavní ženský typ- spoutaný a volný - existují v nezměněné podobě dodnes. Často kombinované v jednom těle. Navíc musíte platit jak za sebeovládání, tak za svobodu. Elizabeth žije v dobrovolném vězení, Mary v nuceném vězení. Zde je jádro konfliktu. Jediný konflikt ve vztahu k „Marii Stuartovně“, který dnes může být intenzivně zajímavý.

Zázrak proměny v Tuminasově výkonu předběhl pouze Neelovou a Yakovlevu. Dvě hlavní mužské postavy – hrabě z Leicesteru od Igora Kvaši a Mortimer od Maxima Razuvaeva – nemohou královnám poskytnout adekvátní konkurenci. Kvasha zůstává Kvashou, plní své úřední povinnosti efektivně (mimo jiné kategoricky není jako milovník hrdinů) a Razuvaev je prostě slušný mladý muž. Dosti. Vysoký. Rázný. Pilný. Zdá se, že vše...

nicméně lví podílčasu, veřejnost nesleduje herce ani představení – sleduje režii. Schillerův text samozřejmě i v Pasternakově překladu zní dost suše a literárně. Abyste ho oživili, pravděpodobně se opravdu potřebujete vyválet seno s rozumem nebo bez něj, odhalit Mortimerovu zadek (i když super cudně), pověsit nábytek na rošt a létat na lustru; musíte kouřit, louskat ořechy, nalévat vodu a smrkat (hlavní činností postav v Tuminasově hře je mytí); je nutné, aby Marie byla nemocná (doslova) jménem Alžběty a aby Alžběta pronesla závěrečný monolog - o rekvizitách pro trůn - o berlích a tónem hodinářské panenky. Když „továrna“ skončí a Neyolova projev upadne do jazykového mumlání, anglická královna náhle připomene Borisi Nikolajeviči Jelcinovi jeho poslední prezidentské měsíce. Takový efekt zjevně Tuminas nezamýšlel a vznikl náhodou: život si rád dělá legraci z přehnaného filozofování... Jakovleva měla větší štěstí: směla ukončit svou jevištní existenci a pronést závěrečné repliky víceméně přirozeně. Navíc scéna popravy Marie Stuartovny - s pohárem, ze kterého poslední okamžiky jejího života tečou nikoli po kapkách, ale v potůčcích, a s pečlivým odstraněním její useknuté hlavy - je skutečně mistrovským dílem režisérského umění. . Stojí za to se zde zastavit, zvláště když i přes zkrácení trvá Schillerovo představení v Sovremennik únavně dlouho.

Tuminasovo vystoupení bylo vymyšleno od začátku do konce – to je to, co lze považovat za výhodu, nebo lze vytknout. Nejen že byla vynalezena scénografie se systémem protizávaží, navijáků a kladek, nejen děsivé zvukové pozadí - jako by fungovala gigantická výrobní hala nebo monstrózní parní lokomotiva, dýchala pekelný oheň a chrlila tuny páry, táhla dunící vlak. ; ne, jen v hlavě (a nikde jinde) se tato gesta a pózy, maličkosti a triky, mimika a obrazy emocí zrodily... Například u Roberta Sturuy symboly vyrůstají ze země a nevyžadují přemýšlení, stejně jako to akutně nevyžadují a Mimochodem mluvené slovo. V Tuminas v sedmdesáti procentech případů podporují prázdnotu. Možná proto se Sturua, na rozdíl od Tuminase, nikdy nestal oblíbencem moskevských kritiků. Přirozenosti se v našem divadle přestalo vážit.

Večer Moskva, 7. března 2000

Olga Fuksová

litevský štěp

F. Schiller. "Hrajeme... Schillerovou!" Dir. R. Tuminas. "Moderní"

Od té doby, co se na festivalu Zlatá maska ​​objevila nominace „Nejlepší zahraniční výkon uvedený v Rusku“, tyto ceny vždy obdržela Litva – několikrát Eimuntas Nyakrosius a jednou Rimas Tuminas. Některá moskevská divadla se zjevně chtěla „naroubovat“ litevskou teatrálností s její metaforikou, hloubkou a jakousi ekologickou přirozeností. Jméno Tuminas se objevilo v plánech divadla Vakhtangov, ale zatím ho dokázal zaujmout pouze Sovremennik. Tuminas zinscenoval Schillerovu „Marii Stuartovnu“, po napsání, která přiznala, že konečně „ovládl řemeslo dramatika“.

Vzorec představení je obsažen v názvu „Hraje... Schiller“ (hned jsem si vzpomněl na „Hraní „Zločin“ od Kama Ginkase, kde bylo ve vztahu k dramatické realitě také rozhodující slovo „hra“). Z názvu zmizelo jméno skotské královny a Mary Stuartovna přestala být středobodem představení. (Režisér zkrátil celé první dějství, kde je Mary již v zajetí, podrobena prohlídce, vzpomíná na vraždu svého neznalého manžela a hovoří o nekrvavém spojení dvou národů, Skotského a Britského, - motivy jejích nároků na Britský trůn.) Ve hře se toto centrum posunulo směrem k rivalce Marie Stuartovny, anglické královně Alžbětě, jejíž příběh o narození mimochodem rozehrává „Lenkom“ ve svých „Královských hrách“.

Marina Neelova (Elizabeth) cítí jiný směr, jako dobrá supermodelka - styly různých návrhářů. Hraje osamělou ženu v mužském světě, nucenou existovat podle mužských zákonů. Dokonce i muži ji oblékají do královských šatů - hrubě a nešikovně. Stala se před nimi rukojmím jejich obav, podlosti, zájmů, pocitů viny za její nelegální porod. I jejich drily (jedna z nejpůsobivějších scén – Elizabeth, vyčerpaná slzami a únavou, pochody po špičkách s tácem a sklenicemi plnými vody, na natažených pažích pod dohledem a výcvikem zákeřného dvořana Berkeleyho (Michail Žigalov). Takže že později, na veřejnosti, mohla omezit jakékoli pocity). Nejženštější herečka našeho divadla zprvu nebojácně hraje bezpohlavnost - uhlazené vlasy, černý kabátek, vojenské vystupování. O to nápadnější jsou v kontrastu její nezdolné výlevy ženskosti - jako tráva prorážející kameny - slabost, koketnost, malátnost. Touha po milosrdenství, právo dát, které je jí odepřeno. Strach ze setkání s rivalkou (Maria - Elena Yakovleva - je v podstatě první ženou se skutečně vášnivým a bezhříšným ženským osudem, kterou měla Alžběta možnost potkat. A strach z tohoto setkání ji drží v takovém napětí, že se na Marii nikdy nepodívá ). Dobrý herec vždy dělá z publika svého právníka, nikoli žalobce. A dokonce i ve scéně, kdy Alžběta podepisuje Mariin rozsudek smrti, není v popředí etika činu, ale cena, kterou Alžběta za rozhodnutí platí. Královské šaty, do kterých je oblečena, se podobají řetězům, do kterých se dobrovolně nechává spoutat. Královna čte text rozkazu stále pomaleji a hysteričtěji, jako by v ní začal fyzicky nesnesitelný proces rozkladu, který ji trhal zevnitř. Připojený podpis evokuje extázi falešného osvobození, tak nakažlivou, že ochrnutá němá postava, nazývaná „bastard dvora“ (Dmitrij Zhamoida), se v návalu rozkoše zvedá na nohy. A celá scéna se promění v šílenou, děsivou a extatickou klauniádu.

Tuminasovo vystoupení je vzdorně krásné. Přísná hudba Faustase Latenase téměř neopouští zvukový prostor představení, definuje jeho slavnostní atmosféru a působí na podvědomí, jako například 25. snímek reklamy za sekundu. Chladný asketismus koexistuje s pikantními obscénnostmi, jako je tajný dopis, který bude muset hrabě z Leicesteru (Igor Kvasha) získat od Mortimera (Ilja Drevnov), odkud, jak říkají, naše podnikavé „raketoplány“ pašovaly drobné cennosti. Lakonická jednoduchost – s paralelní akcí, která obaluje text jako vynikající obal. Umělec Adomas Jacovskis naplnil scénu smyslnými a hmatatelnými specifiky, která definují představení čichem, hmatem a chutí. Voda. Kameny. Seno, které Alžběta ve svém vzteku rozhazuje a snaží se do něj po zabití Mary uchýlit. Zavěšený jako zvon, rezavý tank se stavebním hákem místo jazyka, o kterém se laská Mortimer, Mariin neúspěšný zachránce, posilující svou nenávist k autoritám ve své domovině - k utlačovatelským protestantským autoritám, prosyceným lží a strachem. Velký hrášek, který Alžběta nalévá do křišťálových sklenic, a slyšíme, jak v ní slábne hlas života: zoufalé zvonění křišťálu, na který se hrášek naráží - tupý tlukot - šustění - šustění - ticho. Smrt konkurenční sestry, pro kterou se rozhodla, je katastrofou i pro ni. Protože v tragédii je člověk odsouzen k volbě a jakákoliv volba je pro něj osudná. Rimas Tuminas vám dá pocítit aroma skutečné tragédie (myšleno žánru). Hrajte na tragédii, ale hrajte vážně.

A na konci představení je smích. Dva zarytí obyvatelé britského dvora, kteří si dost hráli a dost nekrvavých her sledovali, prchají na člunu po proudu, opírajíce se o vesla a smějí se hrůze, kterou zažili.

Moskovsky Komsomolets, 7. března 2000

Marina Raikina

Ženské zatmění v Sovremennik

Mezi moskevskými premiérami, z nichž mnozí byli zjevně zmateni svou kreativní a sexuální orientací, se objevilo krásné představení o skutečných ženách, které vytvořil skutečný muž. "Hrajeme... Schillerovou" nastudoval v Sovremennik cizinec.

Litevský Rimas Tuminas je nositelem toho nejstaršího evropský jazyk- svými metaforami zastavil vysokorychlostní šílenství reality a s výraznými pauzami navrhl zamyslet se nad příběhem dvou žen - Marie Stuartovny a její sestřenice Alžběty, anglické královny.

Elizaveta - Marina Neyolova - přísná, s nehybnou tváří, unavená nespavostí, ještě nevypsala povolení k smrti své sestry. Sestra s odvrácenou tváří – stále na zemi, ale s nadpozemským pohledem. A zdá se, že čas sám zamrzl ve smrtelném očekávání. Rychlost, s jakou se Schillerovo drama řítí k rozuzlení, zpočátku připomínají jen podivné zvuky, podobné funící parní lokomotivě. Skladatel s podivným mystickým příjmením Faustas zrychlí tuto „melodii“ z bublání, syčení, řezání a řezání prostoru do nevýslovně krásné tragické hudby.

Chvíle čekání na smrt se ukázala jako tříhodinová. Nejedná se ale o zdlouhavé čekání na divadelním nádraží. Umělec vložil neuvěřitelnou vnitřní energii představení do všeho nehmotného – do pauz, gest, hudby. A dokonce i kulisy a rekvizity (designér Altis Jackovskis) v sobě nesou napjatou energii: něco nevysvětlitelně děsivého v těžké rezavé trubce, kovových válcích zavěšených na řetězech, ve vodě, která v hysterii Mary Stuartovny dosahuje až do první řady. A v obilí rozházeném Alžbětou.

Dvě ženy se až do samého konce téměř němě hádají – která je Měsíc a která Slunce. Zatmění, které zasáhne obě královny, se pro jejich lid promění v tragédii. Ale co potřebují – ženy se zraněnou pýchou a neukojenou ješitností? Které jsou jako hračky v rukou sobeckých mužů? Poměr sil ve hře je takový, že mužské prostředí nevyvolává sympatie: nechutní kariéristé hrají na ženské vášně, hloupí věšáky prozrazují a prodávají. Režisérčina sympatie k ženám se přenáší na diváky a rekrutuje ženskou část publika do feministického hnutí.

Herecké výkony jsou úžasné. Marina Neelová (Elizabeth) ve scéně podepisování rozsudku sama šílí a dohání publikum k šílenství. Alžbětin slavný monolog na pozadí luxusních šatů, zahájený na jednu notu, bez emocí, přechází z pláče do smíchu a zpět. A ještě předtím, vzlykajíc, aby se vzpamatovala z Lesterovy (Igor Kvasha) zrady, nese na natažených pažích přes jeviště skleněné sklenice plné vody. Elizabeth pláče a mísí své slzy s vášnivým monologem, voda šplouchá na stříbrný podnos, sklenice padají a chystají se rozbít, stejně jako se jí zlomí život. Pokus chytit se za jeho okraj opět není ve slovech, ale v plasticitě ruky v bílé rukavici, kterou se Elizabeth ve scéně setkání obou královen nesměle snaží natáhnout své sestře. V nesmělém pohybu prstů zpoza zad - zápas zraněné ženy s vládním úředníkem.

Elena Yakovleva přesvědčila všechny pochybovače, že role Mary Stuartovny byla možná její nejlepší role. V každém případě ten nejnečekanější. Jestliže ji v prvním dějství, zejména v jeho finále, spálí vášeň a prudce šplouchne na jeviště spolu s vodou, pak ve druhém je její mlčení hroznější než jakákoli slova. V předvečer popravy se za zvuků zurny prochází po jevišti po špičkách jako v gruzínském tanci: od křídel doprostřed jeviště a v pravém úhlu k proscéniu. Dívá se odtažitě přes chodbu a stejně odtažitě a smutně se vydává na zpáteční cestu. V napjatě rovných zádech, neživých rukou a dokonce i bílé čepici stažené přes čelo je nevysvětlitelný smutek a smutek pro tento nedokonalý svět a ženu v něm.

Představení je založeno na dvou ženách. Muži jsou zde spíše pomocnou postavou, kterou režisér obětoval ve jménu svých sympatií ke královské rodině. V jistém smyslu je v tom jistá historická spravedlnost. I když férově je třeba říci, že v mužském obsazení velmi zajímavě pracují Maxim Razuvaev (Mortimer), Michail Žigalov (Burley) a dvě němé postavy (Dmitrij Žhamoida a Sergej Juškevič), jimiž Rimas Tuminas tak rád saturuje své výkony. . Je to jejich zoufalý výkřik na konci, kdy sedící v korytě, oba veslou v nehybném plavání neznámo kam, je děsivou elipsou po velkolepé popravě Marie Stuartovny.

Přídavek při premiéře trval sedm minut.

Večerní klub, 11. března 2000

Gleb Sitkovsky

Litevský mechanismus začal fungovat v Moskvě

Zdá se, že v klasickém světovém repertoáru neexistuje žádná jiná hra, v níž by konfrontace dvou žen dosáhla tak vysokého stupně. Kyvadlo této tragédie se houpe ze scény na scénu mezi dvěma centry, mezi dvěma divokými sestrami královnami - Alžbětou Anglickou a Marií Skotskou. Schiller nazve zdánlivě poraženou Marii Stuartovnu vítězkou ve sporu mezi královnami, zvedne její zakrvácenou hlavu a zařadí ji do názvu své hry.

Litevec Rimas Tuminas odmítne roli rozhodčího v zapomenutém duelu Tudorovců a Stuartovců, odstraní jméno zběsilé katoličky z názvu své hry a dá jasně najevo, že režisér nebude tolerovat jiné vítěze kromě sebe. . Nejen to: před Schillerovým jménem je v názvu výrazná elipsa, takže si možná myslíte, že tam něčí jméno chybí, ale ve skutečnosti byste si možná měli přečíst „Hraní Tuminas a Schiller!“ Nebo něco jiného.

Musíme souhlasit: Tuminas opravdu vyhrál. Vytvořil představení, které nelze jinak než považovat za nejlepší v repertoáru dnešního rutinního kýče Sovremennik. Herci, vyklepaní ze zavedených vzorců, dělají to, co režisér potřebuje, a ne to, na co jsou zvyklí. Někomu se to daří v menší míře, jinému ve větší míře. Marina Neelova například v roli Elizabeth uspěje ve všem. Eleně Yakovlevové, Marii, se také hodně daří, ale i tak je z ní cítit, že je herečkou užší role než Neelova.

Rimas Tuminas byl pozván Galinou Volchek do inscenace z Litvy. Tuto zemi, ve které je o polovinu méně lidí než v samotné Moskvě, se sluší přirovnat k divadelnímu Eldorádu: jak jinak říci, když se našim litevským představením tři roky po sobě říká „zlaté“? Mám na mysli „Zlatou masku“ za nejlepší zahraniční výkon uvedený v Rusku: Rimas Tuminas byl oceněn za „Maškarádu“ a Eimuntas Nyakrosius za „Hamlet“ a „Macbeth“. Doma jsou tito dva považováni za antagonistické režiséry a litevští divadelníci se dělí na dva mocné tábory stoupenců Nekrosia a Tuminase.

Ruský divák také chtě nechtě srovná Tuminase s Nyakrosiusem. Nevím, jestli můžeme hovořit o tom, že starší Tuminas preferuje svého mladšího kolegu (v Litvě o tom mluví nešťastníci), ale nelze si nevšimnout překrývání mezi režiséry.

Celé představení je dlouhým sledem jevištních metafor a invencí, které k sobě přiléhají jako ozubená kola v hodinovém strojku. Mimochodem, sestava Adomase Jacovskise připomíná podivný rezavý mechanismus, vybudovaný jako systém kontrol a vyvážení: jeden sud klesá, druhý stoupá, tank se houpe, pára uniká...

Stejně jako Nyakrosius i Tuminas mísí akci prvoplánové tragédie osvícenské éry s přírodními živly: je zde voda, v níž jako vrány na mostě zmoknou královny v nočních košilích, a oheň (ve scéně popravy Marie , kat otevře korek ve skleněné misce a umožní tak vodě uhasit plápolající plamen svíčky)... Tělo zesnulého Mortimera je místo zeminy pokryto obilím... Na proscéniu se hromadí seno , do kterého se anglická královna snaží zahrabat...

Jsou tam opravdu skvělé scény. Téměř mystickým způsobem, za pomoci pouze divadelního světla v představení, je hlava katolické Marie oddělena od těla , a vážní lidé v černém ji nesou, bledou, přes celé jeviště. Nezapomeňme, jak je vyřešen klíčový monolog Alžběty, od které se vyžaduje jediné: Podpis za hlavu. Marina Neelova se s nepřirozeným loutkovým smíchem a pláčem náhle promění v obrovskou loutku z rákosu. Ruce začnou žít oddělený život a Bastard of the Court (Dmitrij Zhamoida) ovládá pohyby královny.

Nutno říci, že takových berliček je pro herce ve hře mnoho. A někdy se začíná zdát, že celá velká Schillerova tragédie pokulhává na režisérově vymyšlených metaforách jako o berlích. To se nedá popřít: berle jsou často pohodlnější – jak pro herce, tak i pro samotného Schillera. Ale to je to, co odlišuje mistra režiséra od režiséra zázraku - první dává silné, dobré berličky a druhý prostě přichází a říká: vstaň a jdi.

Kultura, č. 9, 9. - 15. 3. 2000

Natalia Kaminskaya

Královny. Jevištní verze stětí duše

Dlouho očekávaná premiéra divadla Sovremennik "Hrajeme... Schiller!" v režii slavného litevského režiséra Rimase Tuminase naplnil očekávání. Hra se odehrála a byla to velká hra. R. Tuminas tím, že své divadelní dílo nazval „jevištní verzí tragédie F. Schillera „Marie Stuartovnou“, si ve skutečnosti dává právo na vlastní verzi. A tato výhrada by zněla krajně zvláštně (opravdu, co lze čekat od dobrý režisér, jako ne individuální řešení slavné klasické hry?), nebýt jednoho významného „ale.“ V Schillerové jsou dvě ústřední hrdinky, dvě královny, Marie a Alžběta, ale pouze jedna z nich se stala titulní postavou hra. V Tuminas jsou obě velká písmena, v zásadě stejné velikosti a rozhodně. Jeho výkon by se stejně tak mohl jmenovat „Marie a Alžběta.“ Ale „hra“ je pro režiséra nesmírně důležitá – nejen jako divadelní kategorie, ale jako mocný a nepředvídatelný faktor lidského života.Zejména pokud máme co do činění se životy historických postav .V Tuminasově verzi je mezitím tak málo historické logiky!Ale ženská logika vládne mocně a hlavně.Čistě mužská režie řídí všechny snahy odhalit podstatu konfliktu mezi dvěma ženami. Zároveň se posouvá důraz: dvě nesmiřitelné ženské entity jsou odsouzeny k válce a Historie Jejího Veličenstva je pouze staví do situace, kdy mír není možný. Marina Neelova v roli Elizabeth nehraje na nedostatek plemene. Elena Yakovleva - Maria nehraje svou přítomnost. Obě ženy zmobilizují poslední síly k boji s vlastními slabostmi. Oba si neochotně nasazují královské paruky a jejich stržení odhalí jemné, nakrátko ostříhané hlavy. Oba jsou schopni propadnout hysterickému šílenství. Oba zažívají stejnou, nesrovnatelnou lehkost, když odmítají hry a přetvářku, která je jim vnucována. Marie přestává být pokorná a poražená, Alžběta - tolerantní a milosrdná. Dvě luxusní ženy v Tuminasově hře horečně hledají štěstí. Dvě královny jsou o tuto příležitost stejně připraveny, pouze jedna je useknuta o hlavu a druhá o duši.

Vědomosti, 13. března 2000

Oleg Zintsov

"Marie Stuartovna" s jednou královnou

Premiéra v divadle Sovremennik

„Současník“, jehož jméno se v posledních letech paradoxně stalo synonymem divadelního konzervatismu, náhle objevil touhu být vlastně moderní: inscenovat hru „Hrajeme... Schiller!“, štědře financovanou Státní bankou Galina. Volchek pozval módního litevského režiséra Rimase Tuminase . Na posledním Čechovově festivalu moskevská veřejnost obdivovala jeho „Maškarádu“, inscenovanou v kulisách zasněženého Petrohradu. Pro aktuální premiéru si Tuminas opět vybral romantické drama - „Mary Stuartovna“.

Uprostřed naleziště je obří plechový kotel, ze kterého se každou chvíli valí pára. Shora mezi menšími hrnci visí něco jako monstrózní digestoř vybavená háčkem. Ponurost okolí umocňuje zlověstná hudba vycházející z reproduktorů (skladatel Faustas Lathenas) a kostýmy Alžbětiných dvořanů: všichni jsou oblečeni do černých kabátů a tlustých sak. Rozdíly mezi postavami jsou zdůrazněny plasticky: baroni a hrabata chodí ve formaci, zrádce Mortimer absurdně skáče, katolické postavy (včetně Marie) se dokonce pohybují po scéně po způsobu tučňáků - s lokty přitisknutými k bokům a jejich ruce do stran.

Každá linie musí být zahraná, zabalená do metafory – tento zvláště účinný produkční styl je důvodem, proč je litevská divadelní škola v Moskvě ceněna. Některé Tuminasovy objevy jsou opravdu vtipné, ale většina triků je otravná, protože jsou zbytečné.

Režisér, který do názvu vložil výmluvnou elipsu, strávil nad klasickým textem pravděpodobně mnoho bezesných nocí, ale nikdy se nakonec nerozhodl, jaký příběh hodlá na jevišti vyprávět. V prvním dějství je nám řečeno něco o spojení moci a sexuality (panenská královna pravidelně projevuje sklon k sexuální agresi vůči svým dvořanům). Po přestávce si režisér vzpomene, že i arogantní Elizabeth umí cítit, a kvůli zinkové schránce s tělem mrtvého Mortimera ji nechá strašně trpět.

V nejlepší chvíli tříhodinové podívané - když anglická královna drží v rukou dekret o popravě Marie Stuartovny - se však zdá, že pro Tuminase bylo nejdůležitější téma slabosti - v jeho podání Ukáže se, že důvodem vraždy není žízeň po moci nebo Alžbětin strach ze svého rivala, ale nedostatek vůle. Dvořané oblékají královnu do pozlacených šatů těžkých jako brnění, dávají jí berle pod lokty a Marina Neyolova bolestně dlouho čte Alžbětin poslední monolog a vytlačuje řádky doslova slabiku po slabice: místo vládce „klid a majestátní“ (jak je řečeno v závěrečné Schillerově poznámce), vidíme pološílenou stařenu, která podepisuje rozsudek smrti, uposlechla jen jediné hysterické touhy: „Aby to všechno skončilo, ať mě nechají na pokoji. “ Z hlediska expresivity tato scéna stojí téměř za zbytek představení, a kdyby to zde režisér ukončil, mohla by nejnovější interpretace Schillerova dramatu získat srozumitelnost, kterou tak postrádá. Ale Tuminas se bohužel rozhodl převyprávět spiknutí „Marie Stuartové“ až do konce.

Tento nápad vypadá o to méně úspěšně, protože hlavní intrikou hry je rivalita mezi dvěma královnami (a tedy dvěma herečkami) - v "Hrajeme... Schiller!" zcela selhal. Je zde pouze jedna královna - Alžběta, "a když Marina Neyolova odejde z jeviště, nemá absolutně smysl pokračovat v představení - příběh je u konce. Herecká Mary Stuart Elena Yakovleva se snaží ze všech sil, ale je jasné, že královské hry nejsou pro ni, jakmile na scénu vstoupí hvězda televizního seriálu o inspektorce Kamenské.

Kultura č. 11, 23. - 29. 3. 2000

Natalia Kazmina

Pat aneb Hra královen

"Hrajeme... Schillerovou!" Divadlo Sovremennik

Zde se to bez předmluvy neobejde. Ve skutečnosti všechny recenze tohoto představení začínají předmluvami a některé se omezují na předmluvu. Představení Rimase Tuminase "Hrajeme... Schiller!" - příliš působivá stavba v moskevském divadelním kontextu na to, aby si jí nevšiml, a příliš vizuálně i emocionálně cizí, než aby se tím nenechal zmást. Nejjednodušší způsob, jak se tohoto zmatku zbavit, je zaútočit na režiséra nebo se točit kolem jeho tajemného výtvoru, což ve skutečnosti mnozí dělali.

Obvyklá informace v recenzích tohoto představení je, že Tuminas inscenoval svůj diplom („Melodie pro páva“) v Moskvě na scéně Stanislavského divadla; že „Maškaráda“ Tuminase (litevské divadlo Maly) před dvěma lety dobyla moskevskou elitu na Čechovově festivalu a loni získala ocenění Zlatá maska; že „tito mlčenliví litevští chlápci“, kteří dobyli Moskvu (zde se k příjmení Tuminas běžně přidává příjmení Nyakrosius), jsou ve skutečnosti se svou litevskou mentalitou špatně chápáni; že Galina Volchek vynaložila mnoho úsilí, aby pro inscenaci získala slavného Litevce. Recenze a kritiky jsou vždy stejné. Tuminasova "Maškaráda" je lepší než jeho "Hrajeme... Schiller!" Tuminasův směr je Nyakrosius chudáka. A ještě daleko k ideálu, „Schiller“ je nejlepší představení „Současníka“... Rád bych reagoval na tuto „dětskou nemoc leváctví“, vášeň pro kategorické srovnávání všeho a se vším.

Nechme „Melodie pro Páva“ na pokoji. Bylo to v jiném životě. Nyní, když kritici viděli svatého blázna v "Schiller" a vzpomněli si na svatého blázna z "Masquerade", krásně formulovali, že Tuminas vždy hraje stejnou hru. Nemůžeme to vědět jistě. Mezi „Melodií pro páva“, kterou nastudoval absolvent GITIS, a hrou „Hrajeme... Schiller!“ je samozřejmě velký odstup. Ale jak to Tuminas vedl, lze jen hádat. Oddělení Litvy od Sovětský svaz nám poskytlo různé zážitky – životní i estetické.

Je hloupé porovnávat Tuminasův výkon s Volchekovým dílem. Je to jako srovnávat letadlo s parníkem, šaty s kalhotami nebo kávu s čajem. Je to jiné, to se nedá srovnávat. A použít Tuminasův výkon k tomu, abyste znovu vyjádřili své stížnosti šéfovi Sovremenniku, je jaksi neslušné. Galina Volchek bezpochyby spáchala čin, když slavného litevského režiséra pozvala do svého divadla. Ne každý velký moskevský režisér je schopen takové velkorysosti vůči konkurentovi.

Pokud jde o srovnání představení "Maškaráda" a "Hrajeme... Schiller!" ve prospěch prvního... Z nějakého důvodu jsem si jistý, že kdyby „současníci“ hráli v litevštině, „Schiller“ by získal stejnou přízeň. Šok moskevských kritiků z „Maškarády“ lze částečně vysvětlit tím, že představení „nebylo naše“ a kritici si mohli lehnout do křesel, stejně jako diváci, a obdivovat romantický obraz představení a nevšimnout si, řekněme, lapidárního způsobu, jakým byl vyřešen obraz Arbenina. Podle mého názoru mají styl „Maškaráda“ a „Schiller“ mnoho společného. A to je běžné – kvalita Tuminasovy režie. A to ho odlišuje od Nyakrosia a ruší jejich urážlivé srovnání. Dva podobné lustry v představeních různých režisérů (a mimochodem úplně odlišných) ještě nejsou důvodem k řeči o plagiátorství. Pokud je "Maškaráda" ruský obrázek, pak "Pojďme si hrát... Schiller!" (umělec Adomas Jacovskis) - obrázek je pravděpodobně německý. Fantasy na téma německého romantika v expresionistických tónech.

Ve hře "Hrajeme... Schiller!" zasáhne hudba Faustase Latenase jako čepel nájemného zabijáka. Zatahá tě za duši, omámí tě jako lektvar touhou po štěstí a zavěsí tvé srdce na vlásek. Obecně platí, že zvukový design je na tomto výkonu nejvýkonnější a nepopiratelná věc. Vzdechy par lokomotivy, hluk nástupiště. Cinkání vysokých elegantních sklenic na podnose. Šustění obilí, které poteče z věder, jako krev z rány, a zakryje mrtvé ve vlně. Křišťálové cvakání zrn a hrášku, které stejně jako Alžbětiny slzy naplňují sklenice vzpomínkovým proudem. Vrzání husího peří na papíře, „ženský blábol“. Šepot a výkřiky, sténání a šplouchání – to vše jsou kroky smrti, které se jako stín míhaly po jevišti a dotýkaly se lemu každého z přítomných.

Výstava Tuminas je jako obvykle silná podívaná. Poté – téměř do vyvrcholení – napětí opadne. Symbolické metafory opět nejsou příliš průhledné nebo průhledně děsivé - jako například dýně u krbu, onen „nízký“ rým uříznuté hlavy královny. Nemůžete okamžitě pochopit, že „Bastard of the Court“ Dmitrije Zhamoidy je jen blázen a proč se pohybuje po jevišti v pozinkovaném žlabu a proč je průchod Davisona, dalšího svatého blázna (Sergej Juškevič), tak vážný. : na špičkách, s hrdě zvednutou trofejí - hlavou téměř bájného jednorožce. Rozplést všechny režisérské kódy a celou šarádu poskládat dohromady je možné až po skončení, a to vrácením myšlenek na začátek. Někdy se zdá, že účelem takové vizuální komplexnosti je „podepřít“ banalitu známé historické zápletky, která je od Schillerové v umění nejednou použita. A aby zcela omezil obvyklý romantický patos, snaží se Tuminas vtipkovat nebo být hrubý, což se mu ne vždy daří. Pár naturalistických zařízení, jako je krysa, jejíž hlava byla rozbita kamenem, nebo Stewartův medailon, který byl uložen v řitní otvor, vypadá jako křiklavé nášivky na stylovém oblečení představení.

Proto o tom, co se povedlo a co bylo dobré. No, hlavní je souboj dvou královen, Mary Stuart (Elena Yakovleva) a Elizabeth (Marina Neelova).

Svět obou je v podstatě světem bez mužů. Všichni muži jsou buď zbabělci, zrádci, darebáci, nebo ubohí hysterici a ubožáci. Strach zvolit si rozhodnutí, převzít odpovědnost zde všechny ochromil - s jakýmsi zběsilým ponižováním muži svěřují toto nejtěžší životní dilema ženám. Hrají pouze se ženami, jsou to pozorovatelé. A o tom, kdo vyhraje, Mary nebo Alžběta, rozhodne buď los, nebo Bůh, nebo s největší pravděpodobností náhoda. Někdo si vybere jednu z nich, jako Burley (Michail Žigalov) Elizabeth nebo Mortimer (Ilja Drevnov) Maria, a někdo, jako Lester (Igor Kvasha), vsadí na obě najednou, jako koně.

Pro Tuminase jsou práva obou královen na trůn značně kontroverzní a situace, která je svazuje, je patová. Pro oba existuje jediné východisko – porážka. Chování ženy a královny, boj mezi královnou a ženou v situaci, kdy je vše ztraceno, je to, co Tuminase zajímá. Mary a Elizabeth jsou pro něj jako siamská dvojčata: každá změna jednoho osudu automaticky znamená zničení osudu druhého. Maria žije city, ne královskou, ale ženskou logikou, a proto se režisér rozhodl hrát její roli pro show. (Scéna popravy je tak velkolepá, že v divákovi způsobí šok, a Jakovleva ji zahrála tak lyricky, že roztaví divákovu soucit). Elizabeth pokořuje své tělo a rozmary kvůli povinnosti, takže emoce jsou poháněny uvnitř, takže každý vzhled je rituál, který děsí geometrické tvary. Obě královny ale zpočátku roli nezvládají, protože mlčení vyžaduje půlku jejich srdce. Maria je opravdu nemocná z představy, že musí předstírat. Alžběta si jako dívka poslušně utírá žhavé slzy a doslova zpod Burleyho hole se učí chodit, mluvit a chovat se jako skutečná královna. Je mi jich obou líto. Scénou setkání dvou královen pro Tuminas je stříbrné otočení klíčem v Schillerově hře. V tu chvíli bylo o všem rozhodnuto, divák musí pochopit. V této scéně se Mary a Elizabeth snaží vyměnit role, ale nic nefunguje. Alžběta se snaží vypadat jako žena, Mary – královna. Alžběta – projevit soucit, Marie – projevit pokoru. Ale povaha obou je nad kánonem a etiketou a je jasné: nemohou spolu žít. Jeden zabije druhého, nemůže to jinak než zabít. Kdo žije, bude slavný, a kdo zemře, bude milován. Dá se říct, čí volba je lepší? Pat je hra královen. Tuminas to jasně demonstruje ve svých metaforických spletitostech, jako šachová partie na šachovnici. Je to, jako by Alžběta plivala své urážky Marii do tváře. Pýcha zakalí Mary oči. Ve vzteku udeří rukou do vody a cákance korálků posypou Elizabethin obličej a kabát. Tohle je silnější než facka.

Nejvíce vítězné scény tohoto stylového představení byly sdíleny se všemi kromě Neelové. Ale nemůžete z její Elizabeth spustit oči. Ruce za zády, abyste se nedostali do emocí, hrdá brada je vyšší, hlas je nižší. Křehká postava je spoutána v mužském kabátě jako ulita. Naškrobený límec mu podřeže tenký krk. Košile je i pánská, pevně svázaná motýlkem. Vlasy jsou těsně sčesané za ušima. Pokaždé, když královna zběsile uhlazuje nepoddajný pramen vlasů, který zabloudil, má ho za ušima, zatčen, jako by byla hlavním důkazem zbabělosti, nepřemožené ženské slabosti. Starou klasicistní zápletku „povinnost a cit“ zpracovává Marina Neyolova zcela neromanticky, místy až fraškovitě. Musí hrát ženu bez lásky, což se jí, vždy ztělesnění absolutní ženskosti v kině a divadle, nikdy předtím nepovedlo. Po mnoho let herečka trvala na tom, že sní o tom, že ji něco v sobě překvapí, a v této zdánlivě „ne její“ roli se to stalo. Její královna je povinna pohřbít ženu v sobě, a čím dříve, tím lépe, protože láska je neštěstím králů a pro královny nedostupným luxusem. Královna a žena bojují v Elizaveta-Neelova každou minutu a vy můžete vidět, jak ji tento boj pálí a dohání zevnitř k šílenství. Hlavní vítězství královny je hlavní porážkou ženy. V luxusních královských šatech a červené paruce, tento alžbětinský kokon starověkých portrétů, před námi už není žena ani královna, ale rákosová panenka, maska ​​šílenství místo obličeje. Slova se v tvých ústech točí jako mlýnské kameny. Nohy se ohýbají jako v zásobách. Ruce se pohybují jako ve snu a neovládá je (ironie osudu!) ona, vítězka, ale blázen, bubák, němý pomocí obyčejných berlí.

N.B. A toto představení Tuminase zdvojnásobuje představivost. Při procházení scén ve své paměti si najednou vzpomenete na něco, čeho jste si předtím nevšimli. Přesto změnili místo: Marie vystoupila na lešení jako královna, žena zůstala žít. Zapomněla se usmívat, oblékla si mužský kabát a chladně se do něj zabalila, ale ten dětský, slabý a jemný hlas ji najednou prozradil. A žena požádala, aby ji nechala, zabořila tvář do sena, aby nikdo neviděl její slzy.

Marina Barešenková

Sestry

Lermontovova „Maškaráda“, kterou nastudoval Rimas Tuminas ve Vilniusu Divadlo Malý a uvedený v Moskvě na Čechovově festivalu (1998), vyznačoval se lyrikou a krásou (zejm. "pro krásu plastových forem" Představení získalo Grand Prix na festivalu v Toruni-97). V té zasněžené „Maškarádě“ byla postava vytvořená režisérem - Zimní muž. Po celou dobu představení vyřezával sněhovou kouli, která rostla, jak vášně sílily. V "Let's Play... Schiller!" roli takového pozorovatele a dirigenta v jedné osobě dostává němý blažený šašek (Dmitry Zhamoida). Jeho lhostejná zábava s plyšovými krysami u Elizabethiných nohou je jakousi metaforou tragické hry, v níž nebudou vítězové.

Stejně jako v „Maškarádě“ i zde působí jevištní žánr metaforickou nadstavbou nad literárním textem. „Marie Stuartovna“ podle Tuminase je mystická tragédie nebo možná sága; zároveň je Schillerova patozita zřetelně snížena a občas se zdá, že myšlenky výmarské klasiky prošly sítem freudovské psychoanalýzy.

Maria (Elena Yakovleva) a Elizabeth (Marina Neyolova) jsou deheroizovány, obě královny jsou oběťmi. Tuminas vlastně nedává příběh ani tak dvou královen, ale dvou sester, tragiku ženských osudů, tak odlišných a zároveň tak podobných. Oba trpí nedosažitelností štěstí, nemožností lásky, lhostejností a krutostí světa mužů.

Mortimer (Maxim Razuvaev), dychtivý zachránit Marii Stuartovnu, ji, byť nevědomky, odsoudí k smrti a hrabě Leicester (Igor Kvasha) se stane příčinou Alžbětiny smrtelné žárlivosti: právě kvůli němu zabije svou sestru. Mužská družina jsou bezvýznamní lidé: od figuríny v límci Obepina (Alexander Nazarov) po ubohého, nevděčného zbabělce Lestera; od potenciálního diktátora ve vysokých kirzacích a vojenské bundě Burleyho (Michail Žigalov) po moudrého diplomata Shrewsburyho (Rogvold Sukhoverko). Všechny si nezaslouží nic jiného než kreslenou scénickou skicu.

Kariérismus, zrada a sofistikovaná zrada dosahují svého vrcholu ve scéně předání Mariina dopisu jejímu hypotetickému spasiteli. Lester vezme dopis a k němu připojený amulet z... Mortimerova zadku. Riskantní fraška, chuligánství se stejným cílem – vyvést hrdiny z autobusu a dodat „dospělácké“ scéně hravou, nebo by se dalo říci dětskou lehkost.

Režisér obecně tíhne k tématu dětství. V "Maškarádě" je řada dětských žertů: od bruslení na kolečkových bruslích po dívku zmrzlou u náhrobku se zmrzlinou. V "Let's Play... Schiller!" Dětské dovádění a vrtkavost spojují korunované soupeře. Jsou jako dvě strany téže mince. Proto je zrcadlo ve hře vnímáno jako sémantický znak: utrpení jednoho se odráží v životě druhého. Elizabeth se podívá do zrcadla, v duchu se srovnává se svou sestrou, pak jsou obě vyrovnány krutou realitou. Nenáviděný zachránce a rádoby násilník Mortimer se snaží hysterickou Marii uklidnit, jak Burley později potlačí zhroutit se Alžběta. Princip zrcadlové identity jen zdůrazňuje skutečnou konfrontaci. Zdálo by se, že chomáče rozcuchané červené paruky, tento atribut klauna, zpočátku odlišují skotskou královnu od její korunované příbuzné, stejně jako se její lehkomyslná, zhýralá minulost liší od puritánské přítomnosti a budoucnosti Alžběty. Ale po sundání paruky se Mary stává jako její sestra, stejně jako se zdá, že Elizabeth v paruce znovu získává svobodu vášní a jednání bez těla.

Rozmarně roztomilé intonace Neyolové-Elizavety, vrkající na začátku představení ve francouzštině, vystřídají plačtivé a uražené tirády na adresu mužské poloviny lidstva. Při setkání se sestrou se pak v jejím hlase objeví tupá ocel a v závěrečné monologové větě dojde k řečové závadě: slzy ničí slova, zvuky i samotné vědomí hrdinky.

Intonační vzorec role v Yakovleva-Maria je méně nápadný. Hlas buď vzplane šílenou nadějí, pak se udusí hysterií. Prosbu adresovanou sestře vystřídá káravý výkřik a ve finále tiché odhodlání vůle sotva zadrží kypící povahu.

Tyto dvě nešťastné ženy se v podstatě nestarají ani o úřady, ani o anonymní vůli lidí. Pro ně existuje pouze jejich souboj. A pokud je jeden předurčen k triumfu, pak je druhý předurčen k zániku. Což vítěze nedělá šťastnějším.

Ve slavné scéně setkání dvou královen Alžběta, oděná v černém, nesměle nabízí své sestře sněhobílou rukavici, jako by uposlechla pudu milosrdenství, ale hned v příštím okamžiku, neschopná vyrovnat se se svou pýchou, spěšně schovává ruku za zády. Stejně tak Marie, neschopná udržet své rozhořčení, ve svém obviňujícím pokárání s lehkomyslnou odvahou spálí všechny mosty: urazí Alžbětu, ztrácí naději na odpuštění i na život sám. Ale nejdřív jsem chtěl usmíření...

Duet Neyolova a Yakovleva je hlavní a nejzajímavější věcí v představení. Zajímavé však nejsou jen herečky. Samy o sobě neexistují.

Není to poprvé, co skladatel Faustas Latenas spolupracoval s Tuminasem. Napsal hudbu pro svůj „The Cherry Orchard“ a spolupracoval s dalšími litevskými režiséry. Hudební scény ve hře tvoří svůj vlastní paralelní svět: od děsivého broušení a hluku, když se Alžběta zjevuje, po tlumené řinčení kytarových strun, stínící Mortimerovu posedlou inspiraci, od tématu loutkářství alžbětinského dvora, stylizovaného do středověkého sudu. varhany, na duši drásající minimalistické melodie, když se objeví Mary Stuartovna. Hudba Latenas je hlasem samoty a modlitby za krásu. Vede představení k harmonickému závěru. Stejně jako scénografie Adomase Jacovskise, silně a přirozeně vetkaná do látky představení: objekty zde vedou svůj tichý a totální dialog. Řady židlí, napařovací káď a dýmka s hákem nad trůnem, trámy lešení v hlubinách, dva houpající se válce na vahadle, kupka sena, do které se hrdinky střídavě zahrabávají... Jiný detail či jiný vzpomínka na možný luxus - osamělý závěsný lustr, který se nikdy nerozsvítí. Má jiný účel: lustr bude jednou sloužit jako výtah, který snese Mary Stuartovnu z lešení na zem.

Předměty-symboly, předměty-metafory, jimiž je představení prosyceno, předbíhají slovní souboje. Převrácené křeslo je varovným znamením: duševní klid se ztratil a Elizabeth se nemůže vyhnout výčitkám svědomí. Amulet ležící pod židlí hovoří o nadcházejících tragických změnách v osudu Marie. Židle zavěšená na roštu hraje roli sekery – s řevem spadne a herečka jen skloní hlavu k rameni: to je poprava.

Symbolem moci skotské královny je půlkruhová koule, hořký pohár života. Mísa pokrytá bílým ubrouskem nejprve připomíná obruč, pak se ukáže jako akvárium. Mariina vášnivá povaha může vyjít najevo pouze skrze šplouchání vody (prvek vody, stejně jako prvek sněhu v „Maškarádě“, není jen určitou sémantickou barvou role, ale také aktivní, živoucí masou představení, ekvivalentem postavy); v popravčí scéně se voda z misky rozlévá po jevišti - život opouští Mary Stuartovnu.

S přírodními živly přichází do styku i anglická královna. Jako namotaná chodí po jevišti sem a tam a na natažených pažích drží podnos se dvěma křišťálovými sklenicemi plnými vlhkosti. Brýle spadnou a rozbijí se, královniny oči se zalijí slzami zášti. Voda ve sklenicích symbolizuje královninu vlastní nesvobodu. Elizabeth nachází prvek blízký sobě... v zrnech. Pohřbí do nich Mortimerovo tělo a naplní jimi sklenice. Jako cákance, zrna létají nahoru, krouží a usazují se.

Elizaveta-Neyolova, která podepsala rozsudek smrti své sestry, zešílí. Přesnost slov mizí, řeč se mění v neartikulované blábolení, logika ustupuje chaosu šílenství; zmatený rytmus řeči téměř fyzicky dává pocítit tragédii hrdinky. Její tvář, donedávna tak pohyblivá, se mění v masku, nicneříkající masku miminka.

Elena Yakovleva hrála možná svou vlastní nejlepší role. Její vzteklé monology a kárání jsou na hranici sil; Čím tišší a odtažitější slova jsou, tím více se odhaluje vnitřní rána. Mary Stuartovna sestupuje z lešení jako člověk, který poznal tajemství smrti. V bílé vestě s růžencem v rukou chodí po jevišti po špičkách. Blahoslavený. Utrpení posiluje jejího hrdého ducha. Mariin monolog na rozloučenou zní jako rituální spiknutí. Ona je rituální oběť. Podívá se doleva a doprava a opakuje stejnou otázku: "Proč brečíš?" Hořící svíčka a kameny jsou přineseny na jeviště. Je krátký - "Sbohem všem!" představení končí.

Divadlo, číslo 3, říjen 2000

Galina Makarová

Vyřazovací hra

„Hra je starší než kultura, protože pojem kultura, bez ohledu na to, jak nedokonale je definován, v každém případě předpokládá lidské společenství...“
Johan Huizinga

"...Člověk hraje, jen když je člověkem v plném slova smyslu, a plně člověkem je, jen když hraje."
Friedrich Schiller

Styl a vzhled nového představení divadla Moderní"Hrajeme... Schillerovou!" umožňuje (a dokonce si vynucuje) domněnku, že její název je jistým druhem bezpečného chování a možná i požadavkem na záruku nedotknutelnosti. Zároveň - a varování: budeme hrát a náhodou se necháme unést. Již v názvu je skryta (zašifrována, skryta v podtextu) rána iluzím a očekáváním těch, kteří měli v úmyslu si Schillerovu hru před návštěvou divadla znovu přečíst. Bylo by lepší, kdyby to nedělal nikdo: ani zvědaví amatéři, ani profesionálové, ani konzervativci, ani liberálové, ani noví, ani staří. Protože je to hra! Hra předpokládá svobodu, vlastní pravidla a existují hry zcela bez pravidel.

Za slovem „hra“ je elipsa, která není zcela jasná: v čem spočívá intrika? Divadelní představení je hra; sémantika je zřejmá, vrací se do hlubin času. A Schillerová se hraje už dvě stě let. Hrají různými způsoby, hodně a rádi, jako jeden z nejscéničtějších klasických dramatiků. Sám Goethe nemohl svému výmarskému příteli tuto vlastnost (histrioniku) odpustit a někdy pochyboval o Schillerově velikosti. Jeviště se k Schillerovým tragédiím velmi hodilo, jeho hry byly, upřímně řečeno, přizpůsobeny standardům jeviště. Pojem hry je navíc neoddělitelný od Schillerovy osobnosti, od jeho práce na poli estetiky. Právě díky bývalému Stürmerovi, který zemřel jako výmarský klasicista, se slovo „hra“ navždy ustálilo ve filozofických slovnících (i když Spencer také pomohl). Hra se stala filozofickou kategorií: hra je výchovná, osvobozující, transformační, léčivá; nikdy nevíš co jiného!

Tragédie (včetně Marie Stuartovny) se v němčině označuje slovem „Trauernspiele“, tedy truchlivá, smutná hra, přesněji smrtící, s fatálním koncem. Ale přesto hra.

Takže odstraníme tečky. A vůbec, kde a proč se to všechno najednou objevilo: záruky, bezpečné jednání, odpustky? Jak akce postupuje, je zřejmé, že tvůrci jevištní verze „Mary Stuart“ ani nepomysleli na omluvy. Naopak, energicky a agresivně se nás snaží zapojit do svých podivných her, koncipovaných a prováděných nikoli bez fantazie, ponurých a nudně bezbarvých. Světlý bod se objeví jen jednou - Mariin červený šátek před její popravou. Je jasné proč. Samozřejmě symbol, znak a metafora. Problém metafory v představeních, jako je dílo Rimase Tuminase, je řešen zcela originálně, až vtipně. Existuje zřejmý výklad, zdůrazněný téměř posměšně: hlava je dýně, nebo spíše dýně je hlava, voda je život, nebo znovu, život je voda a kameny jsou tíhou existence, břemenem bytí. Takové znaky nám neustále připomínají samy sebe, akce v některých momentech odvádí pozornost nejen od děje, ale, což je zcela nevhodné, i od herců. Když se Elizaveta-Marina Neyolova před podpisem smrtelného rozsudku prochází po rampě s brýlemi na podnosu, herečka nemá čas na hraní: je těžké nerozlít vodu a pozornost publika se nevyhnutelně obrací k atrakci.

Princip montáže atrakcí je v posledních letech stále škodlivější a pro režiséry téměř fatální – a Schillerův výkon není výjimkou, spíše potvrzuje některé obavy, které se dnes nezrodily.

Tuminasova inscenace přes svou zdánlivou nevšednost není zrovna sériová, ale pro moderní scénu je typická právě svou neindividuálností. „Nicméně, trend...“ říká jeden nepříliš jemný černý vtip. Ve skutečnosti jde o tendenci, kdy jsou některé symboly a metafory dešifrovány, jak se říká, hned, zatímco jiné nejsou nikdy určeny k dešifrování. Existuje vysvětlení, že bez iracionálního prvku vypadá jevištní umění ploché a nudné. Souhlasíme. Ale když je extrémně racionální tah prezentován jako mystický a podvědomý, už to není šamanismus, ale něco blízkého šarlatánství.

Tuminasovo vystoupení bylo podáno vážně, s přesvědčením o právu na navrhované řešení: obecně s námi hrají férovou hru a odhalují známý obraz, který má stejný vztah k Schillerovi jako k Shakespearovi, Sofoklovi nebo Beckettovi. Řešení jevištního prostoru se stává podobným instalaci, která dokáže pohltit vše. Obraz představení je něco mezi podsvětím a kuchyní čarodějnic: je tam káď, háky, dlažební kostky a krysy a ústí dýmky. A všichni vypadají jako kati a jejich nohsledi – s čepicí staženou přes uši. Vesmír žije. Z kádě se kouří, dýmka s hákem se houpe, někdy ve vrcholných okamžicích, někdy bez ohledu na to, co se děje. Vše opět zapadá do schématu „typického“ moderního představení, kdy scénografie (výrobce Adomas Jacovskis) začíná tíhnout k „designu“. Již kolegové kritikové konstatovali, že samotný aktivní prostor jeviště s děsivými objektovými znaky je odzbrojující neutrální nejen ve vztahu k dramatickému materiálu, ale i k jevištní akci. Můžete na sobě vynaložit určité úsilí, odvést pozornost od hrané Schillerové a představovat si, že Antigona trpí pod houpajícím se vědrem obilí a bláznivá Ofélie se oddává neskromným snům na kupce sena. V posledních letech však stále častěji musíme na sobě vyvíjet jiné úsilí, provádět jinou duševní (chcete-li virtuální) operaci a znovu si opakovat známou tezi jako druh profesního hesla (nebo jako zaklínadlo z Macbethových čarodějnic): umělec by měl být posuzován podle zákonů, které si sám stanovil. Teze se donedávna jevila jako axiom, ale nyní chci pochybovat o její nepodmíněnosti. I když – není to tak úplně pravda. Rád bych nesoudil ani umělce, ale právě tyto zákony, které se staly stejnými pro všechny. Jakási ústava pro režiséry, která nepřispívá k rozkvětu a rozmanitosti divadelního umění. Je vynalezena forma s určitým povinným souborem technik a mizanscén, co nejriskantnější. Pokud je tedy na place plná náruč sena, jako je Tuminas, pak je nevyhnutelná přímá ilustrace milostné vášně postav: hloupý přerostlý Mortimer se zase snaží „šukat“ Elizabeth a Mary. Je to tak nějak nepříjemné i bez malého striptýzu, i když v "Hrajeme... Schiller!" zdá se, že to souvisí se zápletkou: ve skutečnosti, jak tajně doručit dopis? (Kdo viděl představení, ví.)

Jak představení spěje do finále, kritéria se zcela mění a je stále obtížnější zbavit se myšlenky, že risk a odvahu dnes vyžaduje... tradiční jevištní myšlení. A... ach hrůza!... Chci vidět něco kulturního a akademického, v historických kostýmech, bez slámy, obilí a krys pobíhajících z farmy.

S prostorovými incidenty a metaforickou nekonzistencí hry „Hrajeme... Schillere!“ bylo by docela možné usmířit, kdyby akce sama absorbovala, byť částečně, něco ze Schillerovy tragédie. Protože souboj na život a na smrt mezi dvěma královnami není jen bojem pro mužské milence, ale ukazuje se, že ano. Text je upraven tak, aby Alžběta vystoupila do popředí: v Schillerové by měla Maria předstoupit před diváky jako první (je hrdinkou, hra se po ní jmenuje a její vzhled vyžadují zákony divadla). Elizaveta Neyolova v Tuminasově podání Marii Yakovlevu ve všem přehrává, jako by zapomínala na pokyny režiséra. Režisér, který dal přednost Alžbětě a nechal jí dostatek jevištního času, se však zdá, že do herečky záměrně zasahuje; buď ve zmíněné scéně s brýlemi, nebo ve zjevně citované epizodě rouch. Těžko pochopit, zda jde o záměrnou citaci (na hranici parodie) papežova roucha v Brechtově „Životě Galilea“, který je obsažen ve všech učebnicích režie, nebo zda jde o náhodu, či jde o ironii. (dalo by se předpokládat) směrem k tradičnímu kostýmnímu divadlu. Nebo možná ani jedno, ani druhé, ani třetí – jen libovolný dotyk.

S lehká ruka Fráze Friedricha Dürrenmatta „hrajeme ve jménu hry“ (Dürrenmatt, jak známo, hrál Strindberga) je na plakátech měst po celém světě a umožňuje vznik zcela bezplatných jevištních verzí slavných her. Představení totiž není nápad, ale text, snažil se mi vtisknout mladý kolega, který ne úplně přesně citoval Rolanda Barthese. Jiný kolega dal najevo, že hledání myšlenek a smyslu, stejně jako korespondence jevištní akce se jménem autora, s nímž experimentují, je nevymýceným hegeliánstvím a opožděným šedesátníkem. Režisér dnes nabízí akční podívanou, v níž všechny složky vedou mezi sebou dialog a tento systém je uzavřený; Je to buď Schiller, nebo Sorokin - všechno je stejné.

Uhráli tvůrci hry hru schválně k smrti a nechali za sebou Schillera, tradici a někdy i umění? Copak se jich nedotkla nebo nedotkla poezie? (Rytmus verše není cítit, verš není slyšet v doslovném, nikoli přeneseném smyslu.) A pak, proč kritici vytrvale píší o úpadku romantického patosu, když Schiller napsal ve všech ohledech klasicistní hru a rozpory v něm obsažené jen předpovídaly romantismus, popírající žihadlo?

Je tato hra opravdu zábavná?!

P.S. Před představením žádají o vstupenku navíc, podnikaví překupníci uvádějí přemrštěné ceny v naději, že fanoušci a fanoušci divadla zaplatí přemrštěné ceny. Na konci jsou květiny a potlesk. Jedním slovem, divadelní život pokračuje jako obvykle.